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Contre les idéologies du déclin Luc Ferry & Nicolas Bouzou |
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Avec la maturité et la modernité de comprendre sans juger, d’expliquer sans réduire, et de séduire avec le vrai, Max-Pol Fouchet, auteur du livre Les peuples nus et des films de la série Terre des arts, présente le sommet inégalé du documentaire culturel. C’est le début de la télévision « service public » et du cinéma documentaire, une période où l’image est investie par les hommes de l’écrit comme Jean Cocteau ou Marcel Pagnol, et où nous retrouvons l’exigence du pédagogue intellectuel Max-Pol Fouchet. L’écrivain Christian Limousin nous rappelle également comment Max-Pol Fouchet deviendra l’un des mentors de Jacques Kerchache, lui-même inspirateur de Jacques Chirac dans sa démarche de sauvegarde et de reconnaissance artistique des Arts premiers mise en oeuvre en 2006 par l’inauguration du Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. Le lien philosophique partagé entre le musée et cette oeuvre audiovisuelle est la juxtaposition française des deux écoles d’esprits éclairés du XXème siècle, d’une part une approche critique propre aux sciences humaines de Lévi-Strauss, et d’autre part la célébration du beau partagée entre Max-Pol Fouchet, Senghor ou André Malraux. Adeline Baldacchino, auteure de Max-Pol Fouchet, le feu la flamme chez Michalon, explique que « l’Afrique noire est le continent des premiers rêves, de l’innocence et, par conséquent de la poésie dans la forme la plus essentielle, celle qui nous rapproche du sacré [...]. S’il faut aujourd’hui s’intéresser à la vision de Max-Pol Fouchet, ce n’est pas simplement en historiographe, ni même en ethnologue, mais bien en esthète ». Les civilisations Nok, Dogon, Ashanti, Ifé, Fang, Sénoufo ou Bamikélé sont artistiquement « les témoins primordiaux d’un mystère qui nous concerne tous : celui de la création au double sens de la naissance de l’humanité et de la naissance de l’art ». </p><p align=justify><strong>Patrick FRÉMEAUX</strong></p><p align=justify><br /></p><p align=justify>Présenté par Frémeaux & Associés Télévisions, Les Amis de Max-Pol Fouchet et le musée du quai Branly – Jacques Chirac <br /><strong>COLLECTION TERRE DES ARTS, 1966<br />RÉALISATION : GÉRARD PIGNOL </strong></p><p align=justify><p style=font-family: arial, helvetica, sans-serif; line-height: 14px; align=justify><p style=font-family: arial, helvetica, sans-serif; line-height: 14px; align=justify><strong>EDITION : PATRICK FREMEAUX AVEC LE CONCOURS DE MARIANNE FOUCHET, CHRISTIAN LIMOUSIN ET ADELINE BALDACCHINO. COEDITION MUSEE DU QUAI BRANLY</strong></p><p style=font-family: arial, helvetica, sans-serif; line-height: 14px; align=justify><strong>PRODUCTION : GROUPE FREMEAUX COLOMBINI EN ACCORD AVEC L'INA.</strong></p><p style=font-family: arial, helvetica, sans-serif; line-height: 14px; align=justify><strong>DROITS : FREMEAUX & ASSOCIES - INA - SUCCESSION MAX-POL FOUCHET</strong></p><p><br /></p></p>DVD MONDE - 106 MIN - FRANÇAIS MONO D’ORIGINE <br />COMPATIBLE 4/3 <br /></p><p align=justify><br /></p><br /></p><br><br>" "description_short" => "<h3>MAX-POL FOUCHET - COLLECTION TERRE DES ARTS - 1966</h3>" "link_rewrite" => "afrique-noire" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Afrique Noire" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1845 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5377-17823" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5377&rewrite=afrique-noire&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:3 [ 0 => array:5 [ …5] 1 => array:5 [ …5] 2 => array:5 [ …5] ] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ 5 => array:8 [ …8] ] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>fa4033</h3><p align=justify><span class=Texte><br /></span><span class=Soustitre2><br /></span></p><p align=justify><span class=Soustitre2><br /></span></p><p align=justify><span class=Soustitre2>AFRIQUE</span><span class=Soustitre2> NOIRE</span></p><p align=justify><span class=Soustitre2><br /></span></p><p align=justify><span class=Soustitre>de</span><span class=Soustitre2> MAX-POL FOUCHET</span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>Collection Terre des Arts - réalisation : Gérard Pignol</span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>« Avec la maturité et la modernité de comprendre sans juger, d’expliquer sans réduire, et de séduire avec le vrai, Max-Pol Fouchet, auteur du livre Les peuples nus et des films de la série Terre des arts, présente le sommet inégalé du documentaire culturel. » <br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>Patrick Frémeaux<br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span><span class=Soustitre2>Révolution et révélation</span><span class=Texte><br /></span><span class=Soustitre>Par Adeline Baldacchino</span><span class=Texte><br />Max-Pol Fouchet fut un passeur infatigable. Ecrivain et fondateur de la revue Fontaine, haut lieu de la résistance intellectuelle au collaborationnisme, il commence à parcourir le monde après la seconde guerre mondiale en humaniste « touche à tout », c’est-à-dire, revendiquera-t-il, que « tout le touche ». Éveilleur de conscience, il rapporte de chaque voyage un livre qui en reconstitue la substantifique moelle, entre images et poésie ; pédagogue, il profite de ses déplacements pour donner des cours dans les Alliances françaises et prodiguer son amour des lettres ; passionné d’archéologie, il rencontre les meilleurs chercheurs dans leur domaine – et s’entretient avec eux dans chacune des émissions de la série Terre des arts à laquelle appartiennent ces deux documentaires. <br />Curieux de tout et d’abord du style (« la figuration que des hommes donnent non pas à la vie, mais au sens qu’ils confèrent à la vie » dit-il dans Les peuples nus) ou du rythme (celui que le tambour confère à la vie : « rien de moins que l’aorte du monde noir »), il veut nous donner à voir toutes les formes du génie humain, parcourant pour cela l’Europe et l’Orient, l’Asie et l’Amérique latine, les Antilles et, comme ici, l’Afrique, dont il rapportera en outre de très belles pièces pour sa collection personnelle, hétéroclite et polysémique, joueuse et gourmande, à l’image du poète lui-même.<br />Se situant à l’exacte intersection de deux époques, celle de l’écrit et celle de l’image, né en 1913 comme Albert Camus ou Georges-Emmanuel Clancier dont il fut proche, Max-Pol Fouchet, qui était de leur trempe et rêvait de construire une œuvre dès son adolescence, eut l’audace de tenter en sus un pari fou dont il démontre qu’il n’a rien d’impossible. Il croyait que la culture pour tous devait être la plus haute culture, que s’il fallait « vulgariser », bien sûr, c’est-à-dire partager, ce n’était jamais pour simplifier à outrance, rechercher des classifications manichéennes ou transmettre des clichés, mais bien pour clarifier en préservant le sens de la nuance, ce qui impose de parfaitement connaître soi-même, et d’apprendre l’art difficile de l’intensité passionnée contenue dans la plus grande rigueur. Il a ainsi prouvé que la télévision pouvait être un instrument majeur de culture et d’éducation populaire, assumant volontiers l’apparent paradoxe de l’homme de lettres devenu homme de communication, ouvrant une voie à laquelle nous ne devrions pas encore renoncer. <br />Le poète, en se faisant conteur public, ne fait que continuer l’œuvre essentielle d’une vie : découvrir tout ce qui participe à la beauté du monde, le faire découvrir aux autres et tenter d’y ajouter sa part. L’Afrique noire de Max-Pol Fouchet est le continent des premiers rêves, de l’innocence et, par conséquent, de la poésie dans sa forme la plus essentielle, celle qui nous rapproche du sacré. Présentant son ouvrage sur Les peuples nus paru chez Buchet/Chastel en 1963, il le formulait ainsi : « L’Afrique m’a appris à passer avec une moindre gaucherie du plan du visible à l’autre. » S’il faut aujourd’hui s’intéresser à la vision de Max-Pol Fouchet, ce n’est donc pas en historiographe ni même en ethnologue, mais bien en esthète. <br />Les deux documentaires ici rassemblés, diffusés par l’ORTF en 1966, tiraient largement la leçon du court métrage de Chris Marker, Alain Resnais et Ghislain Cloquet de 1953, Les statues meurent aussi, qui récusait la vision coloniale d’un art africain « primitif », au sens où on le croirait naïf, l’assimilant à « une catégorie vaguement pathologique de la création artistique » (dira-t-il dans un dossier consacré à « l’art nègre » en 1968). Max-Pol Fouchet sait en effet depuis longtemps, c’est-à-dire depuis ses premiers voyages sur le continent noir dès les années 1950, que les arts d’Afrique sont arts à part entière, que les artistes africains participent d’une culture et d’une civilisation dont la vision religieuse et esthétique, la conception du monde et des mythes, anime chacune de leurs réalisations.<br />C’est ce qui fait la force continue de ces films, capables de nous « initier » (le mot est important) aux ressorts profonds qui animent rites et masques, sculptures et objets, sans ramener l’Afrique à un « grand magasin de l’étrange » peuplé de figures baroques et barbares, de bons sauvages et de méchants cannibales. L’Afrique de Max-Pol Fouchet est bien plus subtile : c’est celle de la création du monde, des danses de la fertilité, de la gravité religieuse. Les images y jouent un rôle de médiation entre l’invisible (les esprits, les ancêtres, les puissances de la nature) et le visible. <br />On y rêve autant que l’on se souvient de civilisations raffinées - Nok, Sao, Ifé, Ashanti, Bamiléké, Gèlède, Fang et tant d’autres dont la simple mention confronte sans cesse l’imaginaire à ses racines. Si l’oiseau calao des Sénoufos nous émeut tant, si les statues cloutées du Dahomey nous effraient un peu, si les masques kanaga des Dogons nous fascinent, c’est parce qu’ils affirment un rapport à la mort, et à la vie qui la contredit, tout en conférant des pouvoirs magiques aux choses. L’œuvre africaine sert à « mieux vivre », comme la poésie selon la définition de Saint-John Perse. Elle exerce sur nous la force des évidences secrètes (ce concept si cher à Max-Pol Fouchet qui en fera le titre d’un de ses recueils de nouvelles), qui ne sont pas le fruit du hasard mais la cristallisation d’une manière d’être au monde et en rapport avec lui. <br />« La poésie sous sa forme la plus haute est révolution et révélation » tout à la fois : l’homme de télévision n’oublie ni ne trahit le poète quand il nous donne à voir les arts africains en révolutionnant leur approche et en révélant leur essence. On ne sera pas surpris, dans ce contexte, de se souvenir que c’est Max-Pol Fouchet qui fit la première éducation esthétique d’un certain… Jacques Kerchache, auquel on doit le musée du Quai Branly. La reconnaissance des arts premiers, non pas seulement pour ce qu’ils inspireront à l’Occident à partir du surréalisme mais en tant qu’arts à part entière, atteignant dans le secret d’une simple forge les plus hauts sommets de l’émotion humaine, doit bien plus qu’on ne lui en fait aujourd’hui crédit à Max-Pol Fouchet. <br />Peut-être fallait-il qu’un poète rencontrât le continent « à la fois le plus réel et le plus imaginaire », le plus concret dans son rapport à l’univers et le plus mystique dans son rapport à la transcendance, pour que les arts de l’Afrique noire deviennent enfin aux yeux de tous ce qu’ils n’avaient jamais cessé d’être : les témoins primordiaux d’un mystère qui nous concerne tous, celui de la création, au double sens de la naissance de l’humanité et de la naissance de l’art.<br /></span><span class=Soustitre>Adeline Baldacchino </span><span class=Texte><br />(auteure de Max-Pol Fouchet, Le feu la flamme, Michalon, 2013)<br /></span><span class=Source>© Frémeaux & Associés 2019</span><span class=Texte><br />C’est encore à Fort-Archambault que je vis pour la première fois, des femmes noires qui étaient belles. Elles avançaient, en file indienne, une jarre en équilibre sur la tête. Quand nous les croisâmes, elles s’arrêtèrent, de leurs bras levés, assurèrent, maintinrent leur faix. Des Saras. Nullement déformées, les seins hauts, les cheveux en nattes serrées, drapées de la ceinture aux chevilles. Elles demeurèrent ainsi, droites, pendant quelques minutes. Elles ne soutenaient plus des poteries, mais le ciel même. La brousse, alentour, se muait en acropole essartée. <br />Devant elles, je passais comme devant l’Erechthéion. <br />Au bord des fleuves d’Afrique, je goûtai souvent la paix, nulle part si profonde et vaste, de « l’heure qui embellit les visages ». Les eaux savent écarter la compacte toison équatoriale, y ouvrir des galeries, des avenues, où cesse, avec la tombée du jour, l’oppression. Alors près de Bangui, au village de Saô le pêcheur, les femmes pilent le dernier manioc, les pirogues reviennent, s’allongent, fuseaux las, quenouilles de la nuit, sous les manguiers. Les fûts clairs des fromagers s’éteignent, l’un après l’autre. Le tam-tam se gaine sourdement d’ombre. Il transmet les messages, les avertissements contre les dangers nocturnes. Sur la rive, des hommes, des femmes détachent leur pagne, le lavent, se lavent, dévêtus, nus côte à côte, dans le courant, puis regagnent leurs cases... C’est le temps du répit entre les monstres diurnes et ceux des ténèbres. Un soir d’Afrique perdu dans l’infinité de ses soirs. <br />A Fort-Lamy, l’instant était encore plus serein, l’horizon du Logone et du Chari, découvert, plat, l’accroissant de sa ligne étale. Quelques femmes Saras, sveltes, les seins aigus, raidis par l’eau, se baignaient, parmi de hauts mâles. Entre leurs jambes, des poissons, les « capitaines » du Tchad, nageaient, se glissaient, confiants, ou bondissaient à la surface, sagaies du fleuve. Des escadres de pélicans s’abandonnaient aux lents remous. Les arbres se couvraient de cigognes, de corbeaux au ventre blanc. Les branches pliaient sous le coton lourd des nuées de fausses-aigrettes. Hommes, bêtes, plantes partageaient la même eau, le même air, la même quiétude. Il y a là, certes, une paix sans âge. Et une innocence, une innocence... </span></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Source>Textes extraits de Max-Pol Fouchet, Les Peuples nus, Buchet-Chastel, Paris, 1953 ; réédition 1981, avec une préface d’Yves Coppens. (p 53 et 281) – Photo Max-Pol Fouchet.</span><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><br /></p><p align=justify><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Soustitre2>Max-Pol Fouchet, <br />historien d’art de terrain</span><span class=Texte><br />Les deux émissions consacrées à l’Afrique noire réunies sur ce dvd sont un bon exemple de ce que Max-Pol Fouchet a voulu réaliser dans sa série télévisée Terre des Arts (1960-1978) : dresser, à une heure de grande écoute, un panorama de l’art mondial de toutes les époques. Cette vaste et généreuse ambition reposait sur le ferme principe de « ne jamais séparer les arts plastiques de la condition des hommes ». Elle a été encouragée par la direction de la RTF de l’époque et par Malraux lui-même qui avait souhaité, dès son arrivée au Ministère de la culture, une grande émission sur les arts plastiques qui ne se limiterait pas aux domaines français et contemporain. <br />Les dons de pédagogue de Fouchet y éclatent, tout autant dans les émissions monographiques (Le Douanier Rousseau, Vélasquez et son temps, Rembrandt : l’âme et la forme, Goya, Delacroix, La Nuit et les Phares : Baudelaire critique d’art, etc) que dans celles dressant le bilan de l’art de tout un peuple (L’art en Inde, L’Iran, Le pain et les pierres : Nubie, L’Égypte, La Grèce, Le Mexique, Les origines de l’art en France, etc). Il entendait non pas vulgariser, c’est-à-dire simplifier, payer « en monnaie de singe », mais clarifier, pratique qui, disait-il, « demande un effort considérable à celui qui veut transmettre une connaissance. Un effort vis-à-vis de lui-même. Clarifier demande à l’esprit des qualités particulières d’analyse, de synthèse, de formulation. Il s’agit d’une conquête sur soi-même. »<br />Cette clarification est, selon lui, tout à fait possible à la télévision « moyen de synthèse qui redonnera à « l’honnête homme » le sentiment qu’il possède une culture large, universelle même, qu’il n’est pas seul, perdu dans un monde qui le dépasse. »<br />En 1960, le Sénégal accédait à l’indépendance et Léopold Sédar Senghor, poète chantre de la « négritude » - qu’il avait définie comme « l’ensemble des valeurs culturelles du monde noir, telles qu’elles s’expriment dans la vie, les institutions et les œuvres des Noirs. » - en devint le premier président. En 1966, se tint à Dakar le Festival mondial des arts nègres, première manifestation artistique internationale organisée en Afrique. Le président-poète l’avait voulu, dans le but affiché de « parvenir à une meilleure compréhension internationale et interraciale ». Aimé Césaire et André Malraux, Joséphine Baker et Duke Ellington, parmi 2 500 invités, participèrent à ce Festival qui s’intéressait à tous les modes d’expression : arts plastiques, littérature, cinéma, musique et danse. Dans ce cadre-là, une grande exposition présentée dans un musée spécialement construit, réunissait environ six cents œuvres. Intitulée « L’art nègre : évolution ethnique, des fresques du Tassili jusqu’à l’art moderne », elle fut ensuite accueillie au Grand Palais à Paris. Les deux émissions de Terre des Arts ont été réalisées à cette occasion.<br />D’emblée, Fouchet s’écarte de Dakar et de ses fastes magnifiant le nouveau régime. Il s’écarte également de l’exposition qu’il aurait pu se contenter de tranquillement filmer au Grand Palais. Direction la brousse, l’Afrique quotidienne des villages, des pistes et des chefferies qu’il connaît bien pour la fréquenter avec passion depuis 1950, depuis Les Peuples nus. Car l’Afrique noire est l’une de ses terres de prédilection, consubstantielle à sa recherche de l’innocence. Il y entraîne en avril et mai 1966 une petite équipe technique, tout en pestant contre le manque de moyens qui le prive de la couleur qu’il aurait tant souhaitée pour son film. Avec elle, il parcourt les nouvelles républiques du Sénégal, du Cameroun, du Dahomey, du Tchad et du Mali, héritages de la colonisation. Dans le film, il égrène les noms mystérieux, magiques, de nombreuses ethnies : Sao, Ifé, Nok, Senoufo, Bambara, Punu, Fang, Bamiléké, Dogon, Ashanti, … Nous pénétrons dans les anciens royaumes, entre légendes et histoire, loin de notre cartésianisme desséchant, de nos certitudes d’occidentaux.<br />Là, au village, règne le forgeron, « artisan clé ». Tout à fait à l’aise, Fouchet navigue - et nous avec lui - entre le marché au centre des cases, les femmes pilant le mil ou puisant l’eau, les pêcheurs, les lutteurs bondissant l’un contre l’autre, les confréries d’initié(e)s. Il y a, bien sûr, les œuvres. Que disent-elles ? Elles clament toutes l’immense amour de l’Afrique pour la vie. Dans ces contrées diverses, le sens de la vie est si puissant que les morts ne sont pas séparés des vivants. Ce qui prime, c’est la continuité de la vie qui semble abolir le temps et affirmer l’éternité des ancêtres. La danse, si importante socialement, engendre une énergie transmise à l’ensemble de la communauté et les masques portés à cette occasion en amplifient l’intensité et l’efficacité. « La vie ne cesse pas » et partout se retrouve l’idée de croissance, d’expansion quasi infinie. Si Fouchet accorde une grande importance au culte de la fécondité, c’est que le couple mère / enfant est un thème majeur de la statuaire noire, de même que la Grande déesse symbolisant l’inépuisable prolificité de la Terre (telle statue sénoufo désignant tout à la fois « la mère du village » et celle du Monde). Et puis Max-Pol Fouchet n’est pas insensible à la grande beauté des femmes noires. Mais, sur ce sujet, il laisse la parole à Senghor : « Femme nue, femme noire / je chante ta beauté qui passe ».<br />Les œuvres, Fouchet entend les appréhender le plus possible dans leur contexte et dans leur usage. Il joue délibérément la carte du terrain contre celle de l’exposition qui muséifie. Un masque kanaga dogon est certes très beau dans une salle de musée, mais il prend tout son sens lorsqu’il tournoie et vient effleurer le sol, lors d’une danse rituelle au pied des falaises de Bandiagara au Mali. Ce souci de montrer l’objet vivant lie anthropologie, ethnologie et histoire de l’art ; il est à rapprocher de l’esprit de l’ancien Musée de l’Homme (1938-2003) qui associait populations et productions matérielles, chaque objet étant documenté par des photos montrant la fabrication ou l’usage, des extraits sonores, etc.<br />« Vision du monde premier », le masque, en condensant « la force mystérieuse de la vie », prolonge et perpétue la création du monde. Dans le visible, il laisse affleurer l’invisible, le surnaturel : c’est le second grand thème abordé par Fouchet. La fonction religieuse de l’art africain n’est pas détachée de sa fonction sociale. L’image est toujours médiation entre les hommes, les ancêtres morts et les dieux. L’Afrique, souligne Fouchet, n’est pas, contrairement à ce que l’on croit, fétichiste : elle se sert des fétiches (qui réclament des offrandes, des sacrifices) pour protéger la vie, écarter les maléfices. De nombreuses œuvres sont liées à des forces magiques, telles ces impressionnantes statues d’envoûtement, toutes hérissées de clous menaçants. Fouchet insiste sur les confréries d’initié(e)s, les sociétés secrètes et leurs rites qui le fascinent ; il était très fier d’avoir été intronisé dans la confrérie des féticheurs d’Abomey et d’en avoir rapporté une cuillère de cérémonie. En proximité avec Malraux, il conclut que « l’art africain est un exorcisme contre la mort ».<br />Un film, ce sont des images et des sons, fruits d’un travail d’équipe mûrement concerté. Les images captées par les quatre cameramen sont parfois saisissantes : dos scarifiés des féticheuses du Dahomey, très long couloir sombre de la Maison des esclaves de l’île de Gorée menant à une ouverture blanche qui n’est pas délivrance mais, tout au contraire, esclavage, et la dernière image où un gros plan de plus en plus rapproché fait en sorte que l’œil évidé mange le reste du masque. Le film donne également à entendre l’Afrique noire : son du battoir pilant le mil en cadence, son du tam-tam et des tambours rythmant les danses. Auguste Bronchti, l’ingénieur du son, a enregistré sur place une musique africaine authentique qui impose d’emblée une couleur sonore locale lancinante, semblable au battement du sang dans les veines. Et la voix « blanche » de Max-Pol Fouchet alterne avec celle, « noire », de Douta Seck, célèbre acteur sénégalais qui avait créé le rôle principal dans la pièce de Césaire La tragédie du roi Christophe.<br />En 1956, Max-Pol Fouchet rencontre à Tolède un jeune garçon qu’il prend en affection et éveille aux mondes de l’art : Jacques Kerchache (1942-2001) qui deviendra très vite un collectionneur, un marchand et un expert en arts primitifs, puis l’auteur de l’expression « arts premiers » et, enfin, l’inspirateur de Jacques Chirac pour le Musée du Quai Branly – Jacques Chirac. Le générique du film remercie Kerchache, mais on ignore de quoi. Il y avait peut-être un entretien, disparu au montage. Ce que l’on sait, c’est que peu avant la manifestation du Grand Palais, Kerchache présentait dans sa galerie de la rue de Seine une exposition intitulée « La Tête (Amérique, Océanie, Afrique) » dont Max-Pol Fouchet avait écrit la préface.<br />Il faut considérer ces deux émissions, réalisées par le fidèle Gérard Pignol, comme un vaste poème lyrique exaltant la terre africaine, de limon et de boue, qu’il convient d’éprouver pieds nus pour la mieux sentir. Là est née l’abondance de la vie. Là s’est développé un monde étonnamment « plastique » et immédiatement érotique où le visible tisse des liens ténus avec l’invisible. Là règne le sacré, qui se révèle infiniment moins cruel et sanguinaire qu’au Mexique, autre zone fréquentée et analysée par Fouchet. Dans un tel projet, mesurer par exemple l’influence de « l’art nègre » sur le cubisme devient une entreprise totalement anecdotique…<br />Les deux émissions exaltent également les créateurs africains. Bien qu’anonymes, ce sont incontestablement des artistes conscients, et certains ont produit de purs chefs d’œuvre. Fouchet est pleinement d’accord avec Jean Laude affirmant : « Il est absurde de rapprocher, comme c’était la mode entre les deux guerres, l’art de ces soi-disant primitifs de l’art des enfants et des fous ».<br />Ce qui frappe et nous touche, c’est le regard enthousiaste, émerveillé de Max-Pol Fouchet sur tout ce qu’il regarde. C’est, loin du désabusement d’un Lévi-Strauss, son immense tendresse pour les hommes et pour leurs œuvres. Et son pouvoir poétique de nous les rendre intensément vivants par l’image et la parole chaleureuses.<br /></span><span class=Soustitre>Christian Limousin</span><span class=Texte><br />Président des Amis de Max-Pol Fouchet<br /></span><span class=Source>© Frémeaux & Associés 2019</span><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><br /></p><p align=justify><br /></p><p align=justify><span class=Soustitre>l’afrique noire de Max-Pol Fouchet<br />Les Peuples nus de Max-Pol Fouchet (extraits)</span><span class=Texte><br />L’Afrique Noire est, à la fois, le plus réel et le plus imaginaire des continents. Son peuple aux visages divers pose des pieds nus sur le sol, emprunte encore à la feuille ou à l’écorce la médecine et le vêtement, se nourrit plus des présents (et du présent) de la terre que de sa fatigue. En dépit des progrès de ce que nous sommes convenus d’appeler « civilisation », rien n’y sépare trop l’homme de l’univers : l’outil même naît du jeu des phalanges, — de la main, non des manettes. Il y a chaîne de la main à l’outil, de celui-ci à l’objet façonné, au fruit récolté. Continuité de l’épiderme au bois, au fer, au sable, à l’humus, à la plante, à la pulpe. Le contact se maintient, entre l’homme et sa terre, la terre et son homme.<br />Le tam-tam ne fait pas seulement partie de la vie africaine. Il est cette vie. Il est la vie. Rien de moins que l’aorte du monde noir. Une aorte sacrée. […]<br />Le tam-tam parle. Sa langue est tonale comme les dialectes africains, non pas composée de voyelles et de consonnes — et c’est pourquoi écrire ces dialectes laisse échapper l’essentiel — mais de syllabes mélodiques. Les deux tons, grave et aigu, suffisent à évoquer la mélodie des mots. <br />L’Afrique ne lâche pas les siens. Il n’est pas de transfuge, si parfait soit-il en apparence, qui soudain ne la sente, un jour, bouger en lui, ne se sente bouger en elle, ne la sente dans son ventre, ne se sente dans le sien. Il suffit d’un tambour, l’Afrique recommence. <br />Et avec elle, avec son tambour, l’innombrable tressaillement, le tremblement, la trémulation du ventre, la trépidation qui délivre du temps, le tue, l’anéantit. […]<br />L’Afrique est là pour dénoncer la non liberté, l’esclavage du corps vivant. Son tambour n’opère pas, comme la trompette promise, une résurrection : il sanctifie, il proclame la Gloire sur terre, exalte le sein, la croupe, le ventre, la jambe, le bras, la main, la peau. L’Afrique met à nu tout ce que nous avons fardé, encrassé, enlisé, oblitéré, noyé dans l’eau des bénitiers, ainsi que nous noyons une portée de chats, de peur qu’il y en ait trop à nourrir, trop à entendre râler d’amour. Aussi longtemps qu’il y aura un tambour, qu’une paume le frappera, battra tel un sexe, les harmoniums seront démentis, les grandes orgues giflées. […]<br />Oui, il suffit d’un tambour. Et il suffit de peu pour qu’il y ait un tambour. De peu pour que s’entende le battement premier. De peu pour que l’homme remonte à lui, l’imite, le recrée, l’exauce, nu. <br />Textes extraits de Max-Pol Fouchet, Les Peuples nus, Buchet-Chastel, Paris, 1953 ; réédition 1981, avec une préface d’Yves Coppens. (texte de présentation et pages 71, 72, 217, 218 et 220)<br /></span><span class=Soustitre>Max-Pol Fouchet</span><span class=Texte> est né le dimanche 1er mai 1913, à midi, Place de la République à Saint-Vaast-La-Hougue, petit port du Cotentin. Baptisé laïquement sur le voilier Liberté, d’une goutte de calvados sur les lèvres, à mi-chemin entre la France et l’Angleterre, pays de la Déclaration des Droits de l’Homme et de la Grande Charte, il repose depuis août 1980 à Vézelay où sa tombe est orientée de telle sorte qu’elle permette aux visiteurs d’avoir sous les yeux un magnifique paysage. <br />Poète, romancier, essayiste, critique littéraire, musical, historien de l’art, ethnologue, homme de radio et de télévision, Max-Pol Fouchet fut aussi un infatigable voyageur soucieux de faire connaître à ses contemporains les peuples et les civilisations rencontrés au cours de ses missions à travers l’Inde, l’Afrique noire ou l’Amérique latine. Il vécut en Algérie de 1933 à 1945, où, jeune diplômé en lettres, il publia ses premiers recueils de poèmes, Simples sans vertu (1936) et Vent profond (1938) avant de fonder en 1939 à Alger la revue Fontaine (1939-1948) qui devint pendant l’Occupation la « revue de la Résistance en pleine lumière ». Il fit de longs périples qui lui donnèrent l’occasion d’associer l’expérience intérieure du poète à la curiosité éclairée du critique d’art et du pédagogue : Les Peuples nus (1953), Terres indiennes (1955) ou Nubie, splendeur sauvée (1965). L’écriture romanesque compléta cet itinéraire avec un roman La Rencontre de Santa Cruz (1976), des récits et nouvelles parus aux Editions Grasset : Les Evidences secrètes (1972), La Relevée des herbes et Histoires pour dire autre chose (1980). Fontaines de mes jours, entretiens avec Albert Mermoud, est publié en 1979 chez Stock. L’essentiel de l’œuvre poétique a été rassemblé sous le titre Demeure le secret en 1985 (Actes Sud, réédition 2008).<br />« Professeur d’enthousiasme », « aventurier de l’esprit », « marié à la poésie », cet ami d’Albert Camus, d’Emmanuel Mounier, de Paul Eluard, de Georges-Emmanuel Clancier, fut d’abord et surtout un « passeur ». Homme de communication, à la radio il anima Le Journal musical d’un écrivain (1968-1970). Sa grande popularité lui vint cependant de la télévision pour laquelle il créa des émissions comme Le Fil de la vie (1953-1958), ouverte à tous les problèmes de la société contemporaine, les célèbres Lectures pour tous (1953-1968) avec Pierre Desgraupes, Pierre Dumayet et Nicole Vedres, ou encore Terre des arts (1959-1977), Les Impressionnistes (1973), … <br /></span><span class=Soustitre>L’Association des Amis de Max-Pol Fouchet</span><span class=Texte> s’est donné pour objectifs principaux de faire connaître l’œuvre littéraire, poétique, critique, radiophonique, télévisuelle et discographique de Max-Pol Fouchet et de continuer son action en faveur du plus large accès de tous à la culture, de la liberté de conscience et de la dignité humaine. <br />Le site www.maxpolfouchet.com propose aux internautes un espace d’accès direct à sa vie et son œuvre et montre dès la page d’accueil la diversité et la richesse d’un parcours exceptionnel.<br />Pour redécouvrir Max-Pol Fouchet, pionnier de la télévision, l’Ina lui consacre une page, https://www.ina.fr/contenus-editoriaux/articles-editoriaux/max-pol-fouchet-portrait/ <br />et trois dossiers thématiques donnent accès à de nombreuses chroniques et extraits de films de l’auteur : critique littéraire, critique d’art et critique musical<br />Conçu par l’écrivain poète Max-Pol Fouchet en 1966, « Afrique noire » est un film documentaire qui constitue l’une des plus belles odes possibles à l’Afrique et nous submerge d’émotions, de réflexions, et de curiosité face à l’altérité d’autres civilisations. Avec la maturité et la modernité de comprendre sans juger, d’expliquer sans réduire, et de séduire avec le vrai, Max-Pol Fouchet, auteur du livre Les peuples nus et des films de la série Terre des arts, présente le sommet inégalé du documentaire culturel.<br />C’est le début de la télévision « service public » et du cinéma documentaire, une période où l’image est investie par les hommes de l’écrit comme Jean Cocteau ou Marcel Pagnol, et où nous retrouvons l’exigence du pédagogue intellectuel Max-Pol Fouchet.<br />L’écrivain Christian Limousin nous rappelle également comment Max-Pol Fouchet deviendra l’un des mentors de Jacques Kerchache, lui-même inspirateur de Jacques Chirac dans sa démarche de sauvegarde et de reconnaissance artistique des Arts premiers mise en œuvre en 2006 par l’inauguration du Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. <br />Le lien philosophique partagé entre le musée et cette œuvre audiovisuelle est la juxtaposition française des deux écoles d’esprits éclairés du XXème siècle, d’une part une approche critique propre aux sciences humaines de Lévi-Strauss, et d’autre part la célébration du beau partagée entre Max-Pol Fouchet, Senghor ou André Malraux. <br />Adeline Baldacchino, auteure de Max-Pol Fouchet, le feu la flamme chez Michalon, explique que « l’Afrique noire est le continent des premiers rêves, de l’innocence et, par conséquent de la poésie dans la forme la plus essentielle, celle qui nous rapproche du sacré [...]. S’il faut aujourd’hui s’intéresser à la vision de Max-Pol Fouchet, ce n’est pas simplement en historiographe, ni même en ethnologue, mais bien en esthète ». Les civilisations Nok, Dogon, Ashanti, Ifé, Fang, Sénoufo ou Bamikélé sont artistiquement « les témoins primordiaux d’un mystère qui nous concerne tous : celui de la création au double sens de la naissance de l’humanité et de la naissance de l’art ». <br /></span></p><p align=justify><span class=Soustitre>Patrick Frémeaux</span><span class=Texte><br /></span></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/2/3/17823-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ "bySize" => array:6 [ …6] "small" => array:3 [ …3] "medium" => array:3 [ …3] "large" => array:3 [ …3] "legend" => null "cover" => "1" "id_image" => "17823" "position" => "1" "associatedVariants" => [] ] "authors" => [] "performers" => array:1 [ 0 => array:5 [ …5] ] "images" => array:1 [ 0 => array:9 [ …9] ] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null 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Son oeuvre multiple est commandée par le souci d’une connaissance ni mutilée ni cloisonnée, apte à saisir la complexité du réel et à nous préserver des savoirs illusoires – généreuse façon de nous garantir des catastrophes, en faisant tomber nos oeillères. A l’origine de ce portrait fut le projet de cerner comment cette pensée si diverse et ouverte sur le monde a émergé du parcours personnel de son auteur – un parcours d’une richesse rare. Dans cette perspective nous avons proposé à Edgar Morin d’évoquer les faits, les personnes, les événements qui selon lui ont été (directement ou pas) les embrayeurs de sa pensée : quelles confrontations, prises de conscience, résonances – issues de quels conflits, de quels enthousiasmes, de quelles catastrophes – ont été les éléments déclencheurs ? 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Cet entretien dirigé sous la forme d’un abécédaire, permet au philosophe de décliner et conjuguer sa pensée et de s’y révéler comme jamais. Le document audiovisuel le plus riche jamais publié sur la personnalité et sur le legs philosophique d’Edgar Morin, sans doute l’un des plus grands chroniqueurs de notre temps. <br /><strong>Patrick Frémeaux</strong></span><br /><span class=Texte>Sociologue, philosophe, ancien résistant, directeur de recherches au CNRS, fondateur de revues, homme engagé et chaleureux, Edgar Morin est l’un des penseurs français les plus importants de son temps. Illustre de par le monde, ses livres sont traduits dans une trentaine de langues, et il est docteur honoris causa de dizaines d’universités. Son œuvre multiple est commandée par le souci d’une connaissance ni mutilée ni cloisonnée, apte à saisir la complexité du réel et à nous préserver des savoirs illusoires – généreuse façon de nous garantir des catastrophes, en faisant tomber nos œillères. A l’origine de ce portrait fut le projet de cerner comment cette pensée si diverse et ouverte sur le monde a émergé du parcours personnel de son auteur – un parcours d’une richesse rare. </span><br /><span class=Texte>Dans cette perspective nous avons proposé à Edgar Morin d’évoquer les faits, les personnes, les événements qui selon lui ont été (directement ou pas) les embrayeurs de sa pensée : quelles confrontations, prises de conscience, résonances – issues de quels conflits, de quels enthousiasmes, de quelles catastrophes – ont été les éléments déclencheurs ? Ce qui frappe après coup, dans ces entretiens filmés, c’est la spontanéité du narrateur – sa voix, son calme, son sourire – et cette parole envoûtante, fluide et complice, qui semble tout rendre évident et nous emporte, captivés, sur des sentiers parfois vertigineux. <strong><br />Alain Siciliano<br /></strong></span><span class=Texte>De A à Z : âme / Berlin (avec bonus : le petit messager) / cinéma 1 & 2 (avec bonus : Chronique d’un été) / dispersion / espoir / féminin / genèse / Héraclite / ignorance (avec bonus : pensée complexe) / Jésus (avec bonus : Eglise & Messie) / karaoké / Lyon (avec bonus : thé aux pâtes) / musique / nirvana / orixa / poésie (avec bonus : métaphores) / Q – cul / résistance / salaud / transformation / utopie / Voie (avec bonus : initiatives locales) / X – Watson / Yémen / zizanie. Et le bonus général : Crise. </span><br /><span class=Soustitre>Présentation par Alain Siciliano (réalisateur / modérateur des entretiens)</span><br /><span class=Texte>Sociologue, philosophe, ancien résistant, directeur de recherches au CNRS, fondateur de revues, homme engagé et chaleureux, Edgar Morin est l’un des penseurs français les plus importants de son temps. Illustre de par le monde, ses livres sont traduits dans une trentaine de langues, et il est docteur honoris causa de dizaines d’universités. Son œuvre multiple est commandée par le souci d’une connaissance ni mutilée ni cloisonnée, apte à saisir la complexité du réel et à nous préserver des savoirs illusoires – généreuse façon de nous garantir des catastrophes, en faisant tomber nos œillères.</span><br /><span class=Texte>A l’origine de ce portrait fut le projet de cerner comment cette pensée si diverse et ouverte sur le monde a émergé du parcours personnel de son auteur – un parcours d’une richesse rare. </span><br /><span class=Texte>Dans cette perspective nous avons proposé à Edgar Morin d’évoquer les faits, les personnes, les événements qui selon lui ont été (directement ou pas) les embrayeurs de sa pensée : quelles confrontations, prises de conscience, résonances - issues de quels conflits, de quels enthousiasmes, de quelles catastrophes – ont été les éléments déclencheurs ? </span><br /><span class=Texte>Ce qui frappe après coup, dans ces entretiens filmés, c’est la spontanéité du narrateur - sa voix, son calme, son sourire – et cette parole envoûtante, fluide et complice, qui semble tout rendre évident et nous emporte, captivés, sur des sentiers parfois vertigineux. </span><br /><span class=Texte>Concrètement, notre proposition fut de baliser ces paysages intimes par un abécédaire personnel. Edgar Morin s’y est engagé avec enthousiasme, malice et puissance. </span><br /><span class=Texte>Et s’y est révélé comme rarement. </span><br /><span class=Texte>Nous avons voulu qu’il soit le maître absolu de ce jeu et développe complètement à sa guise les 26 mots de son choix – sachant que nous nous limiterions à une écoute attentive et à quelques éventuelles relances. </span><br /><span class=Texte>A la fin de l’été 2009, ses choix étant arrêtés, Edgar Morin nous a reçus deux jours durant dans sa maison de campagne d’Hodenc l’évêque pour ce tournage inédit. </span><br /><span class=Texte>Indépendamment du charme évident de ces réflexions, ce qui nous frappe est qu’elles apportent une réponse à une interrogation que beaucoup partagent : comment entrer dans une œuvre aussi vaste ? Ne se réserve-t-elle pas pour d’autres ? </span><br /><span class=Texte>Ces 26 commentaires nous donnent les pistes, les entrées – biographiques, ludiques, sociologiques, philosophiques, cosmologiques, mystiques, écologiques… – par où se laisser toucher par l’œuvre de ce grand penseur, s’y repérer, y pénétrer, y circuler à notre aise. </span><br /><span class=Texte>Pendant plus de quatre heures nous devenons les confidents des récits, des analyses, des espoirs, des émotions, des étonnements et des révoltes de cet homme passionné, qui pense comme il vit, et vit de transmettre. </span><br /><span class=Texte>Et l’on découvre que chaque situation se fait ressource pour lui : sensualité, amitié, risques, science, politique, amour, poésie, coexistent, luttent et finissent par s’entrelacer harmonieusement. Leur vécu authentique est l’aliment vivant de sa pensée. </span><br /><span class=Texte>Ainsi nous découvrons Edgar Morin à Lyon, résistant sous l’occupation, chargé de mission dans Berlin en ruines en 1945, ou au Yémen sur les traces de Rimbaud, ou encore enfant, au cinéma, rue de Belleville, dans l’émotion vive encore des films qui l’avaient marqué… </span><br /><span class=Texte>Mais si les faits ont de multiples facettes - émois, repères, espoirs - ancrées sur un vécu ardent, inversement les notions auxquelles Edgar Morin s’adosse – âme, genèse, nirvana, résistance, transformation, voie… – se lestent d’expériences fortes, d’enjeux immédiats, intimes, qu’en démiurge il fait surgir sous nos yeux. Et il nous guide d’orixas en zizanie, d’utopie en salaud, d’Héraclite en nirvana… </span><br /><span class=Texte>Hors abécédaire, on trouvera en bonus un entretien vidéo inédit de 20 minutes sur la Crise du monde contemporain, ses aspects politiques, économiques, écologiques, sociétaux – entretien intégralement retranscrit dans ce livret. </span><br /><span class=Texte>On ne sort pas indemne du visionnage de ces entretiens. </span><br /><span class=Texte>Leur force, leur charme, leur spontanéité gravent en nous les contours d’un chemin singulier mais étrangement familier – car universel ?… – qui nous fait grandir, en nous montrant que chaque circonstance est précieuse, toujours à réinterpréter, grosse de ressources ou de périls invisibles de prime abord. </span><br /><span class=Texte>A chaque écoute, ces digressions flamboyantes et douces, passionnées et sereines, laissent résonner de nouveaux éclats, de troublantes harmoniques tissées de la sagesse et du bonheur de toute une vie. </span><br /><span class=Texte>Les 26 thèmes des entretiens de cet abécédaire s’agrémentent de quelques compléments, soit au total 35 entrées indépendantes et plus de 4 heures de vidéos. </span><br /><span class=Texte>Bonnes écoutes et belles découvertes !</span><br /><strong><span class=Texte>Alain SICILIANO</span><br /></strong><br /><span class=Soustitre2><br />LISTE DES MOTS DE A à Z</span><br /><span class=Soustitre2>DVD 1</span><br /><span class=Texte>A : âme 5’41’’</span><br /><span class=Texte>B : </span><br /><span class=Texte>Berlin 16’58’’</span><br /><span class=Texte>& Berlin : le petit messager 2’15’’</span><br /><span class=Texte>C : </span><br /><span class=Texte>cinéma 1 4’35’’</span><br /><span class=Texte>cinéma 2 12’21’’</span><br /><span class=Texte>& cinéma 2 : Chronique d’un été 7’17’’</span><br /><span class=Texte>D : dispersion 4’08’’</span><br /><span class=Texte>E : espoir 6’16’’</span><br /><span class=Texte>F : féminin 3’23’’</span><br /><span class=Texte>G : genèse 12’16’’</span><br /><span class=Texte>H : Héraclite 5’00’’</span><br /><span class=Texte>I : </span><br /><span class=Texte>ignorance 4’25’’</span><br /><span class=Texte>& ignorance : pensée complexe 2’02’’</span><br /><span class=Texte>J : </span><br /><span class=Texte>Jésus 10’12’’</span><br /><span class=Texte>& Jésus : Eglise 3’21’’</span><br /><span class=Texte>& Jésus : Messie 3’10’’</span><br /><span class=Texte>K : karaoké 1’06’’<br /></span><span class=Soustitre2>DVD 2</span><br /><span class=Texte>L : </span><br /><span class=Texte>Lyon 10’53’’</span><br /><span class=Texte>& Lyon : thé aux pâtes 4’23’’</span><br /><span class=Texte>M : musique 10’16’’</span><br /><span class=Texte>N : nirvana 4’55’’</span><br /><span class=Texte>O : orixa 7’52’’</span><br /><span class=Texte>P : </span><br /><span class=Texte>poésie 4’55’’</span><br /><span class=Texte>& poésie : métaphores 1’32’’</span><br /><span class=Texte>Q : Q / cul 2’05’’</span><br /><span class=Texte>R : Résistance 10’54’’</span><br /><span class=Texte>S : salaud 2’33’’</span><br /><span class=Texte>T : transformation 7’11’’</span><br /><span class=Texte>U : utopie 7’40’’</span><br /><span class=Texte>V : </span><br /><span class=Texte>Voie 7’45’’</span><br /><span class=Texte>& Voie : initiatives locales 1’07’’</span><br /><span class=Texte>W / X : X / Watson 9’42’’</span><br /><span class=Texte>Y : Yémen 7’44’’</span><br /><span class=Texte>Z : Zizanie 3’21’’</span><br /><span class=Texte>& Crise (bonus général) 18’46’’</span><br /><span class=Texte>∑ 3h 48’ 00’’</span><br /><span class=Soustitre2>LA CRISE, CAUSES ET REMÈDES</span><br /><span class=Soustitre>Entretien avec Edgar Morin<br />Par Alain Siciliano</span><br /><span class=Texte>Alain Siciliano : Quels sont, selon vous, les symptômes les plus marquants d’un mal-être profond du monde et de la société ? Est-ce la crise économique, sociale, politique ? </span><br /><span class=Texte>Edgar Morin : La crise économique, qui continue en prenant des formes nouvelles sur la planète depuis 2008, a ses caractères propres. C’est-à-dire d’un côté, elle est née de l’absence de toute régulation d’une économie mondialisée, et dans cette absence de régulation, de la domination d’une spéculation financière effrénée, laquelle effectivement est permise par l’utilisation des téléphones portables, internet, etc. Alors on peut avoir l’impression que cette crise n’est qu’économique ! – bien qu’une crise économique perturbe toute la société. </span><br /><span class=Texte>Mais en fait, puisque j’ai dit que cette crise vient d’une économie mondiale non régulée, il est évident qu’elle est en même temps un produit du stade actuel de la mondialisation. Ou plutôt elle est à la fois produit et productrice de ce stade actuel de la mondialisation. Alors je dirai que c’est un aspect de la crise de la mondialisation. </span><br /><span class=Texte>La mondialisation a des aspects positifs mais elle a aussi des aspects très négatifs. C’est un phénomène ambivalent comme la plupart des phénomènes humains. Et parmi ses aspects négatifs, effectivement, il y a cette sorte de course effrénée qui fait que l’économie prend le pas sur tout le reste, et pas seulement l’économie mais le moteur du profit. Il faut voir que la « mondialisation » est synonyme de développement, formule standard que l’occident applique sur toute la planète, qui elle aussi peut avoir des aspects positifs, mais l’aspect négatif c’est qu’elle oublie toutes les vertus et les qualités des cultures qui ne sont pas occidentales - pas seulement les grandes cultures comme les cultures chinoise, indienne, mais aussi les petites cultures indigènes d’Amazonie, etc. </span><br /><span class=Texte>Le développement, l’occidentalisation, la mondialisation, sont trois aspects ambivalents, qui ont ces aspects négatifs. Alors je dirai que la mondialisation c’est le pire et le meilleur de ce qui peut arriver à l’humanité. </span><br /><span class=Texte>Pour le moment le pire domine parce que dans cette course effrénée, nous détruisons notre environnement naturel, la biosphère ; c’est une course effrénée où nous produisons des armes de destruction massive, c’est une course effrénée où des inégalités s’accroissent de façon explosive, c’est une course effrénée pour la puissance et pour les réalités matérielles, qui néglige de plus en plus les qualités morales et spirituelles. En plus nous voyons que ce qu’on peut appeler la pieuvre de la spéculation financière, et le réveil de la pieuvre des barbaries humaines - c’est-à-dire des fanatismes, des haines, des mépris - tout ceci nous conduit vers des catastrophes hautement probables. </span><br /><span class=Texte>Mais le meilleur, qui ne s’est pas encore réalisé, c’est que pour la première fois toute l’humanité vit une communauté de destin, les mêmes problèmes, les mêmes périls mortels, et les mêmes problèmes vitaux à traiter. C’est ça qui pourrait nous inciter à trouver une nouvelle culture, une nouvelle civilisation sur cette terre qui deviendrait une vraie patrie humaine. </span><br /><span class=Texte>Le mot patrie est un mot très intéressant parce qu’il est à la fois paternel et maternel, et que quand nous avons des patries nationales, nous nous sentons liés – nous parlons de la mère patrie et du sentiment de filiation. Et si je parle de Terre-Patrie, c’est évidemment pour qu’on ait cette filiation [planétaire], qui ne nierait pas nos différentes patries. </span><br /><span class=Texte>Donc, s’il fallait concentrer en un mot : la crise que nous vivons sur le plan économique, n’est qu’un aspect de la crise de l’humanité qui n’arrive pas encore à devenir humanité. </span><br /><span class=Texte>A.S. : Pensez-vous qu’un des travers - qu’on n’aperçoit peut-être pas suffisamment - de la technique, c’est une sorte d’instrumentalisation généralisée de l’homme par lui-même ?</span><br /><span class=Texte>E.M. : Calcul et technique sont par nature manipulateurs : le calcul ne connaît que la surface de la réalité humaine, parce qu’il ne peut pas connaître la souffrance, le malheur, la joie, le bonheur. Donc on est livrés à des calculs, de produit national, de croissance, au domaine des chiffres, qui nous occultent toujours ce que nous sommes - êtres humains - et d’autre part à la technique, qui a été faite pour manipuler de plus en plus les énergies matérielles, et se met à dominer les êtres vivants et les animaux sous la notion de profit. Regardez comment on traite les poules dans ces énormes usines à pondre des œufs, comment on traite les porcs, comment on traite les bœufs ! Et cette inhumanité pour le monde animal, s’est traduite aussi par une inhumanité à l’égard du monde humain, puisque par la technique on a commencé par aliéner les ouvriers hyperspécialisés sur des machines… Aujourd’hui ça se transporte sur les bureaux et les administrations au nom de la compétitivité et de la soi-disant rationalité qu’on appelle rationalisation… Alors effectivement, nous sommes manipulés par la technique que nous croyons manipuler et donc nous sommes aussi dans cette logique infernale. </span><br /><span class=Texte>A.S. : Nous sommes manipulés par nos propres dieux d’une certaine façon… </span><br /><span class=Texte>E.M. : Nous sommes manipulés par les entités que nous avons créées ! Vous connaissez le poème de Goethe sur l’apprenti sorcier : l’apprenti sorcier voit un sorcier qui, dans un chaudron, met différents éléments pour créer un être merveilleux. Alors il se dit « je vais en faire autant », mais il est très maladroit, il ne prend pas les bonnes doses, et en sort un monstre ! La machine se détraque. Nous sommes des apprentis-sorciers. ! </span><br /><span class=Texte>A.S. : D’une certaine façon nous avons déjà abordé la deuxième question qui est le diagnostic c’est-à dire les causes essentielles de cette crise… </span><br /><span class=Texte>E.M. : Oui !</span><br /><span class=Texte>A.S. : En voyez vous d’autres ?</span><br /><span class=Texte>E.M. : Les autres sont liées, mais je crois qu’il faut rester à l’essentiel ; je dirai : c’est une crise d’humanité, c’est une crise de civilisation, c’est une crise de pensée aussi ! </span><br /><span class=Texte>Et là aussi il faut dire pourquoi nous sommes somnambules et aveugles dans ce processus : c’est parce que nous avons été formés par une pensée qui découpe le monde en petits morceaux, compartimentés dans des disciplines qui ne communiquent pas les unes avec les autres. Donc cette éducation que nous recevons nous rend incapables de traiter les problèmes globaux et fondamentaux qui nous assaillent, en tant qu’individus, en tant que citoyens, en tant qu’êtres humains. Or malheureusement la mondialisation, l’état actuel du monde, est le problème à la fois global et fondamental qui est le plus important. C’est ça qui fait que l’intelligence parcellaire est une intelligence aveugle à l’ensemble de nos questions fondamentales. Donc vous voyez que toutes les crises sont liées ! </span><br /><span class=Texte>A.S. : Là c’est la segmentation du savoir !…</span><br /><span class=Texte>E.M. : C’est la segmentation et la dispersion du savoir aussi qui joue, et l’incapacité d’élaborer une pensée de la complexité, c’est à dire du lien réel qui existe entre les choses. </span><br /><span class=Texte>A.S. : Alors le troisième point, les remèdes : quelles actions, quelle vision, quelles perspectives seraient nécessaires selon vous pour rétablir progressivement la santé de la société humaine ?</span><br /><span class=Texte>E.M. : Alors, si l’on s’en tient au plan économique, je crois qu’on peut distinguer un certain nombre de directions qui confluent dans ce que j’appellerai - ce n’est pas moi qui l’ai inventé - dans ce qu’on peut appeler l’économie plurielle. </span><br /><span class=Texte>Qu’est ce que c’est que l’économie plurielle ? C’est une économie qui refoule progressivement l’hégémonie du profit, mais en développant ce qu’on appelle l’économie sociale et solidaire - c’est-à-dire les mutuelles, les coopératives, les entreprises qui n’ont pas pour seule finalité le profit - en développant ce qu’on peut appeler l’économie verte qui est une économie qui va nous humaniser en supprimant les pollutions et les atteintes les plus graves des énergies polluantes actuelles (et pas seulement en changeant les sources d’énergies, mais en ré-humanisant nos villes, en établissant des parkings autour des villes pour établir une circulation qui ne soit pas polluée par l’essence, en revitalisant les campagnes qui tendent à mourir…). Donc il y a cet ensemble économique, et le refoulement de l’agriculture et de l’élevage industrialisés – qui est très important parce qu’ils apportent beaucoup plus de nuisances que de bienfaits - au profit de l’agriculture fermière et de l’agriculture biologique. </span><br /><span class=Texte>Enfin, il y a cette idée qui a été inaugurée par ce qu’on appelle le commerce équitable, qui consiste à supprimer les prédateurs intermédiaires entre les petits producteurs de cacao, de café, d’Amérique latine, et le marché occidental par exemple. Mais il n’y a pas seulement ce type de commerce équitable, d’économie équitable ; il y a aussi celle qui consisterait à réduire la prédation d’autres intermédiaires, par exemple des grandes surfaces, qui payent le prix minimum aux producteurs et qui vendent au prix maximum aux consommateurs… </span><br /><span class=Texte>Donc il y a un ensemble de processus économiques, mais qui eux-mêmes sont liés à une réforme de notre mode de consommer, par une réforme de notre mode d’être citoyens - en devenant capables de sélectionner des produits qui sont bons pour nous, et d’éliminer les produits futiles, de ne pas être esclaves de l’économie du « jetable », de la mode, des produits qui promettent beauté, séduction, etc. </span><br /><span class=Texte>Et tout ceci nous amène à quelque chose d’important je crois, c’est qu’on se rend compte que tout est à réformer, si l’on veut tout humaniser, si l’on veut rétablir un minimum de bien vivre, qui est quelque chose, aujourd’hui, de plus significatif que ce qu’on appelle le bien-être, parce que le bien-être - qui est un mot très beau - a été réduit uniquement au confort matériel, à la possession d’objets. Alors que le « bien être » signifierait au contraire un épanouissement personnel, un épanouissement moral et spirituel. </span><br /><span class=Texte>Et je crois que si je prends ce mot de « bien vivre » qui a été proposé par [Rafael] Correa (président équatorien), il est plus riche aujourd’hui que le mot « bien-être ». </span><br /><span class=Texte>Mais tout ceci nécessite des réformes partout… La politique à l’égard de la jeunesse, notamment de la jeunesse délinquante, ne tient pas compte de la capacité de rédemption de ces jeunes, qui sont à un âge plastique : au lieu de réprimer, c’est-à-dire de les mettre dans des prisons qui sont des couveuses de criminalité, il faut changer les prisons, il faut changer la justice… </span><br /><span class=Texte>Alors, le remède devient très, très complexe, parce qu’il faut à la fois changer les structures, changer de société, changer la société… et en même temps nous changer nous mêmes ! Jusqu’à présent ceux qui ont pensé à changer la société, les révolutionnaires sociaux n’ont jamais pensé… [interruption] </span><br /><span class=Texte>…Malheureusement même les grandes révolutions comme la révolution soviétique de 1917 a liquidé non seulement les capitalistes, les bourgeois, les paysans riches, mais elle a créé un système encore plus injuste que celui qu’elle a supprimé, et finalement elle a abouti à l’échec, à l’implosion et à la restauration de tout ce qu’elle avait cru supprimer. Donc la réforme économique et sociale est nécessaire mais insuffisante, il faut une réforme culturelle et dans le mot culturel, il faut [entendre] une réforme de vie. </span><br /><span class=Texte>Nous vivons sous l’empire d’une civilisation qui nous donne de l’individualisme et de l’autonomie, mais aussi beaucoup d’égoïsme, beaucoup d’égocentrisme. Comment se fait-il que toutes les solidarités traditionnelles aient disparu ?- solidarité de la grande famille puisque la grande famille a disparu, même de la petite famille puisque les divorces se multiplient, [disparition] des solidarités de travail, des solidarités de villages… Il y a eu une époque où si quelqu’un tombait dans la rue, aussitôt ses voisins le ramassaient, essayaient de voir ce qui se passait, aujourd’hui les gens passent indifférents, pensent que la solidarité c’est la Sécu, c’est l’administration, et on oublie soi-même qu’on a un devoir de solidarité ! </span><br /><span class=Texte>Autrement dit, il y a une restauration de la solidarité, en même temps que la conservation de l’autonomie de l’individu, [qui sont à promouvoir]. Parce que ce que nous cherchons, et ce qu’ont montré d’ailleurs toutes les tentatives de communautés qui ont existé, nous cherchons à la fois l’épanouissement personnel, mais aussi la communauté, le nous, l’amitié, l’amour, c’est ça les vraies réalités que nous cherchons et que nous savons tous au fond de nous-mêmes être nos vraies réalités, mais nous les oublions parce que nous sommes pris dans le processus de consommation, de chronométrie, d’aliénation qui est notre civilisation. </span><br /><span class=Texte>Alors il y a un changement de vie, mais un changement de vie c’est un changement personnel… Je pense que nous souffrons de ne pas assez comprendre autrui, nous manquons de compréhension humaine, pas seulement pour les gens des peuples et des cultures étrangères, mais au sein des familles, au sein des bureaux, au sein des ateliers, on réduit l’autre à ses traits les plus mesquins, on se justifie toujours soi-même, on ne se connaît pas soi-même - parce que pour comprendre autrui il faut que chacun comprenne qu’il peut avoir des carences, des faiblesses, des lacunes. Hegel disait très justement « si j’appelle criminel quelqu’un qui a commis un crime dans sa vie, j’efface tout le reste de ce qu’il a fait et de sa personnalité », et nous avons toujours tendance à réduire autrui… Le nombre de fois où nous entendons « quel salaud ! Quel salaud ! »… c’est la réduction d’autrui à ce qu’il a de pire, parfois imaginaire... Donc il y a beaucoup de réformes intérieures [à engager]… Et d’ailleurs dans notre civilisation nous sentons beaucoup de gens qui cherchent justement, dans le bouddhisme, dans l’hindouisme, dans le yogisme, parfois avec des psychothérapeutes, des psychanalystes… </span><br /><span class=Texte>Qu’est-ce qu’ils cherchent dans le fond ? L’accord avec eux-mêmes. Ils cherchent ce que Bergson appelait un supplément d’âme - mais aujourd’hui le mot « supplément » est trop mesquin… Ils cherchent à retrouver leur âme, et je pense que ce mot d’« âme », évidemment pour un scientifique étroit ne recouvre rien, parce qu’on ne peut la localiser nulle part, mais dans le fond l’âme, comme l’esprit, ce sont des réalités profondes qui font partie de notre être, et nous avons besoin d’un accord avec nous même qui nous mette en accord avec autrui. </span><br /><span class=Texte>Bien entendu je ne pense pas qu’on puisse vivre dans un monde d’harmonie permanente, parce que dès que le destin nous arrache quelqu’un que nous aimons, nous souffrons ! Dès que nous perdons quelque chose qui nous est cher, nous souffrons ! Dès que nous traversons des épreuves… Nous n’allons pas supprimer les épreuves ! Mais nous devons nous armer ! </span><br /><span class=Texte>Et vous savez, la pire angoisse qu’a l’être humain, qui est l’angoisse de mort, hé bien cette angoisse je ne dis pas qu’on puisse la supprimer, mais on peut la refouler par l’adhésion à la vie ! Et qu’est ce que l’adhésion à la vie ? C’est l’adhésion à ce qui est amour et amitié. </span><br /><span class=Texte>Dans le Cantique des cantiques il est dit que l’amour est fort comme la mort, il n’est peut être pas aussi fort mais il est très fort, et je crois que si l’on reprend le message de l’Eveillé, du Bouddha, de l’Eveillé-éveilleur, dans le fond ce sens de la compassion humaine et de la compassion même qu’on peut avoir pour tout ce qui est vivant, est quelque chose qui est très important, parce qu’on ne peut avoir de compassion qu’en ayant en même temps compréhension… </span><br /><span class=Texte>L’idée qu’il nous faut changer de vie est une idée aussi très importante, l’idée qu’il y a un chemin ! Alors bien entendu, moi je ne suis pas bouddhiste dans le sens religieux du terme, mais je pense que ce message du Bouddha est un des plus adaptés à la crise du monde contemporain. </span><br /><span class=Texte>Entretien du 28 août 2011 réalisé à Paris par Alain Siciliano, à la demande de l’Institut Karma Ling dans le cadre son colloque de septembre 2011 Humanisme et mindfulness. </span><br /><span class=Source>© FREMEAUX & ASSOCIES 2017</span><br /><span class=Source>Entretiens (3h48’, 35 entrées et un bonus) : Edgar Morin et Alain Siciliano<br />Producteur : SARL DEIXIS<br />Entretien inédit sur le thème de la crise (fin 2011) : Edgar Morin et Alain Siciliano<br />Photographies : © Hervé Ternisien herveternisien.com<br />Chargé d’édition Frémeaux & Associés : Augustin Bondoux<br />Editeur vidéo/audio : Groupe FRÉMEAUX COLOMBINI<br />© 2017 GROUPE FRÉMEAUX COLOMBINI</span><br /><span class=Texte><br /><strong>Équipe technique : </strong><br />Cameraman :<br />Corinne Dardé, vidéaste, documentariste, opératrice de prise de vue<br />http://www.corinne-darde.fr/ <br />Ingénieur du son :<br />Emmanuelle Villard<br />http://www.emmanuelle-villard.com/ <br />Éclairagiste, photographe :<br />Hervé Ternisien<br />http://www.herveternisien.com <br />Montage :<br />Anna Riche, chef-monteuse, documentariste<br />Lola Butstraen, chef-monteuse<br />Mixage : <br />Maxime Tisné, Versailles <br />www.lumento.fr <br />Musique et sons génériques et intitulés : <br />Maxime Tisné, Versailles<br />www.lumento.fr <br />Graphisme : <br />Stéphanie Patillot / Unglee Izi<br />www.uenostudio.fr/ www.imagenumerique.fr </span><br /><span class=Texte>Producteur : SARL DEIXIS</span><br /><span class=Texte>Les éditions Deixis remercient </span><br /><span class=Texte>du fond du cœur la Communauté bouddhiste Rimay </span><br /><span class=Texte>(Hameau de Saint Hugon, 73110, Arvillard – www.rimay.net) </span><br /><span class=Texte>et son supérieur Denys Rinpoché, dont la généreuse action de mécénat </span><br /><span class=Texte>a été décisive pour faire aboutir la finalisation de ce coffret. </span><br /><span class=Texte>Distribution par Frémeaux & Associés en DVD NTSC MONDE.</span><br /><span class=Texte>Disponible sur CD audio FA5675</span><br /><span class=Texte>(Edition : Lola Caul-Futy Frémeaux)</span><br /><span class=Source>P 2010 – 2016 SARL DEIXIS – FRÉMEAUX & ASSOCIÉS<br />© 2017 GROUPE FRÉMEAUX COLOMBINI</span><br /></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 49.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/2/2/17822-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ "bySize" => array:6 [ …6] "small" => array:3 [ …3] "medium" => array:3 [ …3] "large" => array:3 [ …3] "legend" => null "cover" => "1" "id_image" => "17822" "position" => "1" "associatedVariants" => [] ] "authors" => [] "performers" => array:1 [ 0 => array:5 [ …5] ] "images" => array:1 [ 0 => array:9 [ …9] ] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => 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passeurs les plus brillants de sa génération. </span></p><p class=p1><span class=s1>A travers l’étude de l’Alcibiade de Platon, grand texte philosophique fondateur puisqu’il interroge l’engagement politique, Benny Lévy délivre un formidable séminaire de 14 heures motivé par une indicible envie de transmettre et une manière particulièrement revigorante d’aborder et de s’approprier le texte et les idées. En effet, pédagogue passionné, lorsqu’il s’adresse à son auditoire tout son être s’exprime, dans sa façon de parler, de se déplacer, de gesticuler, mais également de dialoguer avec le texte et de l’apprivoiser… </span>Il est l’éclatante figure de l’instruction dialogique de la philosophie, qui depuis Socrate et Platon préfère la transmission orale du savoir. </p><p class=p1>Fasciné par l’enseignement de Benny Lévy, dont il fut l’auditeur pendant plusieurs années, Jackie Berroyer demande à Pascale Thirode de filmer le cours, afin d’en garder une trace audiovisuelle. Ce coffret DVD présente en sus le remarquable fi lm documentaire de la réalisatrice, montrant des extraits du séminaire de février à mai 1996, entrecoupés de commentaires du philosophe lui-même, que Pascale Thirode et Jackie Berroyer sont allés filmer postérieurement à Jérusalem en 1997. Les passages de cet entretien rythment le fi lm et lui donnent une dimension réflexive qui met en perspective la singularité de la parole enseignante de Benny Lévy, qui comme le soutient Bernard-Henri Lévy est « l’un des rois cachés de notre temps ». <strong><br />Christophe LOINTIER & Patrick FRÉMEAUX </strong></p><p class=p1><span class=s1>LE FILM DOCUMENT DE L’ENSEMBLE DES 11 COURS SUR PRÈS DE 14 HEURES, RÉALISÉ PAR PASCALE THIRODE ET MONTÉ PAR BERTRAND FECCI • LE DOCUMENTAIRE « BENNY LÉVY : TRACES D’UN ENSEIGNEMENT » DE PASCALE THIRODE ET JACKIE BERROYER AVEC LA COLLABORATION DE GILLES HANUS.</span></p><p class=p1>NTSC - FILM 15 H<br />MONO D’ORIGINE<span class=s1><br />MONDE<br />1-66<br />Compatible 4/3<br />TOUS PUBLICS <br />FRANÇAIS</span></p><p class=p2>LIVRET 12 PAGES AVEC LES TEXTES DE : PASCALE THIRODE, LEO LEVY, JEAN-CLAUDE MILNER, JACKIE BERROYER, BERNARD-HENRI LEVY</p><p class=p1><strong>DIRECTION EDITORIALE : PATRICK FREMEAUX & AUGUSTIN BONDOUX. <br /></strong></p><p class=p1><strong> DIRECTION SCIENTIFIQUE : PASCALE THIRODE, JACKIE BERROYER ET GILLES HANUS. .</strong></p><p class=p1><strong>PRODUCTION : PASCALE THIRODE ET JACKIE BERROYER / </strong><strong>DROITS : </strong><strong>FREMEAUX & ASSOCIES EN ACCORD AVEC LEO LEVY, LES EDITIONS DU VERDIER, PASCALE THIRODE ET JACKY BERROYER..</strong></p></p><br><br>" "description_short" => "<h3>BENNY LÉVY (UN FILM DE PASCALE THIRODE & JACKIE BERROYER)</h3>" "link_rewrite" => "platon-l-engagement-politique-en-question-explique-par-benny-levy-4-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Platon : L’Engagement Politique En Question Expliqué Par Benny Lévy - 4 Dvd" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1847 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5381-17819" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 41.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5381&rewrite=platon-l-engagement-politique-en-question-explique-par-benny-levy-4-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 41.66 "price_without_reduction" => 49.992 "price_without_reduction_without_tax" => 41.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:2 [ …2] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 41.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>Benny Lévy FA4030</h3><p><span class=Soustitre><br />FRÉMEAUX & ASSOCIÉS TÉLÉVISIONS présente</span><span class=Texte><br /></span><span class=Soustitre2><br />Benny Lévy</span><span class=Texte><br /></span><span class=Soustitre2>Platon : <br /> l’engagement politique en question</span><span class=Texte><br /><strong><br />Séminaire 1996 L’Alcibiade de Platon - 4DVD - 15 heures<br />Un ?lm de Pascale Thirode & Jackie Berroyer<br />Avec la collaboration de Gilles Hanus<br />Réalisation Pascale Thirode</strong><br />«?Plus que le savoir, le souci de la vérité oriente ses interventions ; à l’horizon de la vérité, jamais l’auditoire n’est traité comme un moyen?; <br />il est toujours traité comme une fin.?» <strong>Jean-Claude MILNER</strong><br /><strong><br />Platon : l’engagement politique en question<br />Expliqué par Benny Lévy</strong><br />Séminaire 1996 L’Alcibiade de Platon<br />Photos livret : archives personnelles Léo Lévy <br />Production : Jackie Berroyer & Pascale Thirode <br />Avec la collaboration de Gilles Hanus<br />Réalisation : Pascale Thirode<br />Montage : Bertrand Fecci<br />Coordination éditoriale : Augustin Bondoux pour les Éditions Frémeaux & Associés<br />Conception couverture initiale : Simone Christ<br />Remerciements à Léo Lévy, Gilles Hanus, La Fondation Benny Lévy, <br />les Cahiers d’études lévinassiennes. Colette Olive des éditions Verdier. <br />Jean-Claude Milner et Bernard-Henry Lévy. Pascal Brunier et Odile Favé de l’Adav. <br />Direction éditoriale : Patrick Frémeaux et Claude Colombini<br />Fabrication & distribution DVD : Frémeaux & Associés<br />preprod.fremeaux.com<br />«?Dans l’ombre silencieuse de Socrate?» trois protagonistes sont présents dans ce film :<br />- Un texte vieux de 2?500 ans.<br />- Un enseignant : Benny Lévy se moquait des titres, masques de la comédie sociale. Quand, par hasard, quelqu’un le bombardait du titre de «?professeur?», il se retournait pour voir à qui cela pouvait bien s’adresser.<br />- Une assemblée d’étudiants.<br />Si les étudiants de cette fin de siècle -1996- réagissent, parfois vivement, est-ce pure magie d’un verbe, du charisme d’un enseignant ?<br />Cela tient plutôt au mode de lecture, anhistorique : chaque étudiant, chaque auditeur est convié à penser, du lieu où il se trouve présentement, à répondre aux questions de Socrate en même temps qu’Alcibiade. Lecture qui engage, ébranle l’existence de chaque-un et celle aussi de celui qui pose les questions. <br />Questions d’une actualité brûlante :<br />- Quelle est la tâche du bon chef d’Etat, à quelle condition peut-il l’accomplir ?<br />- Peut-on apprendre à devenir un bon conseiller pour le peuple, lui éviter les décisions aux conséquences catastrophiques ainsi qu’il en advint pour Athènes ?<br />- A quoi bon la question du «?Que faire?» (Lénine) quand celle du Soi est ignorée ?<br />Comment, alors, accorder le bien d’un seul et le bien de tous ? Quelle instance y parviendra, tiers humain ? Nom divin ? La question de Dieu, «?la plus actuelle de toutes les questions?» longtemps écartée, revient dans le fracas des armes et des attentats : «?Si le tiers… se dissimule derrière Dieu, utilise Dieu pour multiplier sa puissance, on ne peut avoir qu’une abomination, un religieux qui donne du combustible au pire fonctionnement du politique qui soit : celui du tiers despotique?». Et pourtant «?Sous l’intégrisme d’aujourd’hui, il y a un problème réel qui remonte à l’origine même du penser?».<br />Si Benny Lévy a su de manière si vivante faire sentir «?la pertinence profonde de ce dialogue en apparence si ancien, si désuet?», peut-être est-ce dû à sa manière d’enseigner qui, par quelque côté, tient à celle de «?ce juif de Socrate?» (Nietzsche, repris par Maurice Clavel).<br />NB : les citations entre guillemets sans précision d’auteur sont de B.L.<br /></span><span class=Soustitre>Léo LÉVY</span><span class=Texte><br />© Frémeaux & Associés 2016<br /></span><span class=Soustitre>La petite histoire par Jackie Berroyer</span><span class=Texte><br /> Parfois, on peut lire à propos de grands enseignants, que leur style s’exprimait également par leur présence, leur voix, leurs mouvements, bref leur façon d’être. Mais la plupart du temps ne restent que textes et des photos. En 94 alors que je cherchais quelque chose sur la philo dans la réserve d’un éditeur, une lectrice de la maison me dit qu’étudiante en Lettres modernes à Paris VII elle assiste à des cours donnés par un professeur qu’elle trouve extraordinaire. <br />Je connaissais Benny Lévy par la politique, la gauche prolétarienne et Sartre et je me souvenais des remous à propos d’un texte à deux publié par le Nouvel-Observateur en 80. Il avait choqué les sartriens. Ces derniers avaient bien retenu du philosophe qu’il fallait penser contre soi même, mais enfin pas à ce point. Et certains accusaient Benny Lévy d’avoir profité du grand âge de Sartre et de la maladie qui l’affectait pour lui faire renier certaines de ses avancées. <br />Je ne savais pas que Benny Lévy enseignait. J’ai alors assisté en auditeur libre à plusieurs de ses séminaires. Je repense à ces soirs d’hiver à priori peu réjouissants quand je quittais la tour amiantée de Jussieu, après trois heures de cours, les papiers gras voltigeant dans le vent du micro climat, je descendais ensuite dans la station de métro quasi déserte. Mais alors que je pouvais me trouver déprimé après avoir bu du champagne lors d’un cocktail mondain je me sentais comme illuminé de l’intérieur, Benny Lévy savait faire résonner les joies de l’étude.<br />C’est pourquoi j’ai fini par lui proposer un enregistrement filmé afin de laisser une trace de son enseignement. Il a d’abord hésité mais après quelque temps et des rapports devenus amicaux, j’ai obtenu son accord et celui de ses élèves. Il a alors opté pour un séminaire sur l’Alcibiade. J’ai fait ensuite appel à Pascale Thirode, une amie qui réalisait des documentaires et nous nous somme lancés. <br />Une fois le travail accompli et après plusieurs échecs auprès de différents diffuseurs potentiels nous avons rangé l’ensemble dans des tiroirs, pour le ressortir des années plus tard en apprenant que le Mahj organisait pour les dix ans de la disparition de Benny, mort à Jérusalem le 15 octobre 2003, quelques journées à sa mémoire. <br />De son côté Gilles Hanus qui avait été élève de Benny à la même époque a rassemblé des éléments et transcrit le séminaire, que l’éditeur Verdier a publié en volume. Nous avons réalisé un document d’une heure, en guise d’introduction et les éditions Frémeaux & Associés ont pris l’heureuse décision de sortir l’ensemble du séminaire sous forme de coffret. <br /></span><span class=Soustitre>Jackie BERROYER</span><span class=Texte><br />© Frémeaux & Associés 2016<br /></span><span class=Soustitre>Benny Lévy par Pascale Thirode</span><span class=Texte><br />Il avait refusé d’être filmé dans un premier temps. Puis Benny Lévy a accepté la présence d’une caméra pour «?l’Alcibiade de Platon?». <br />Il a posé des conditions : «?j’interromps le tournage à la moindre gêne?». Tous les lundis soirs, je suis au rendez-vous. Pas de lumière additionnelle, pas de pied de caméra, pas de micro. <br />Discrète, sans me faire oublier, je suis assise ou je me faufile entre les rangées de tables quand il arpente la pièce en tous sens. <br />Peu à peu, un équilibre s’installe entre ma petite caméra, les élèves et le visage de Benny Lévy, dans cette salle dépouillée, tableau verdâtre et néons qui sifflent. Il a pris soin, à ma demande, de porter chaque fois la même cravate, la même veste, la même casquette. <br />Plus tard, quand je ne suis pas tout à fait prête, il m’attend pour commencer son cours. <br />De février à mai 1996, je filme l’intégralité du séminaire. Des heures d’images de Benny Lévy, lui qui a constamment veillé à ne pas s’exposer. <br />L’année suivante, nous le retrouvons à Jérusalem où il vit désormais. Il visionne des extraits, les commente. Nous flânons dans la ville. <br />De retour à Paris, je monte quelques séquences. Les diffuseurs, de prime abord intéressés, ne donnent pas suite. <br />En 2003, en lisant Libération, j’apprends la disparition de Benny Lévy. <br />A l’abri de la lumière, les cassettes soigneusement étiquetées attendent pendant des années. <br />C’est la volonté de Léo Lévy, son épouse, de montrer des images à l’occasion du dixième anniversaire de la mort de Benny Lévy, qui nous encourage à les exhumer. Les impressions du tournage me reviennent. Il regardait les élèves, parlait sans une note, sans une hésitation, avec le mot juste et même s’il s’adressait à toute une classe, chaque élève avait la sensation qu’il ne parlait qu’à lui, comme s’il parlait à «?chaque un?». <br />Si le film laisse une trace de l’enseignement de Benny Lévy, il fait renaître aussi son sourire éclatant.<br /></span><span class=Soustitre>Pascale Thirode</span><span class=Texte><br />© Frémeaux & Associés 2016<br /></span><span class=Soustitre>Benny Lévy par Jean-Claude Milner</span><span class=Texte><br />Pendant longtemps, la situation de Benny Lévy, dans l’Université, demeura précaire. A plusieurs, nous nous sommes employés à la consolider. <br />Or, j’avais réfléchi à ce qu’on peut et doit attendre d’un enseignement universitaire?; je m’étais exprimé publiquement sur ce point. Parmi mes collègues, ils étaient nombreux à penser que je dérogeais, en soutenant Benny Lévy, aux principes que j’avais formulés. J’étais mû, disait-on, par la force du souvenir. Les uns raillaient ma fidélité, d’autres la louaient. Ils avaient également tort. <br />J’étais en effet certain que son enseignement avait sa place légitime dans une université digne de ce nom?; plus même, j’avais expliqué à l’Université Paris-7 qu’un jour viendrait où cet établissement tirerait honneur de l’avoir accueilli.<br />Une raison fondamentale à ma conviction : j’avais lu le Nom de l’homme. J’y avais reconnu le véritable principe de ce qu’on appelle si improprement la recherche?; j’entends la capacité de produire, dans la pensée, des propositions nouvelles. J’avais justement placé cette question au centre de ma conception de l’université : sa mission n’est pas seulement de transmettre des savoirs constitués, mais d’en articuler de nouveaux. Encore faut-il que ces nouveautés naissantes soient rendues accessibles à un auditoire. Mais, sur ce point, je n’avais aucun doute. En position de dirigeant politique, Benny ne cédait jamais sur sa passion de la clarté et sur sa volonté d’explication. Je savais qu’il mettrait son talent de parole au service de la pure pensée. <br />En lui prêtant mon appui sans réserves, je respectais mes propres exigences quant aux missions générales de l’université. Telles que je les concevais, Benny Lévy y répondait pleinement, non pas en raison de ce qu’il avait été, mais en raison de ce qu’il promettait d’être.<br />J’en étais certain, mais je n’avais pas de preuve vivante. Cette preuve, dont je n’avais pas besoin, je l’ai pourtant reçue, après coup, grâce aux transcriptions et aux documents filmés. Elle allait bien au-delà de ce que j’attendais. J’ai enseigné moi-même et j’ai suivi des enseignements dispensés par de grands noms. Je me sens d’autant plus fondé à témoigner de la singularité propre de Benny Lévy. Plus que le savoir, le souci de la vérité oriente ses interventions?; à l’horizon de la vérité, jamais l’auditoire n’est traité comme un moyen?; il est toujours traité comme une fin. Entre celui qui parle et ceux qui écoutent, le contrat s’ordonne du respect. <br />Je n’ignore pas qu’on peut enseigner autrement?; moi-même, je suivais d’autres voies, exclusivement déterminées par le savoir impersonnel. Je n’ignore pas qu’en arborant le masque de la vérité, de faux maîtres peuvent faire des ravages. Raison de plus pour s’étonner devant l’exception. Benny Lévy a mesuré le risque et s’y est affronté victorieusement.<br /></span><span class=Soustitre>Jean-Claude Milner</span><span class=Texte><br />© Frémeaux & Associés 2016<br /></span><span class=Soustitre>Benny Lévy par Gilles Hanus</span><span class=Texte><br />Pour moi et bien d’autres, Benny Lévy fut avant tout un enseignant inoubliable. De tous ceux que nous rencontrâmes durant nos études, nous avons certes gardé, plus ou moins consciemment, plus ou moins volontairement, quelque chose : des connaissances, une expression, un théorème, une proposition, un style, une anecdote, un tic de langage. De lui, cela aussi, et bien autre chose. S’il existe toute sorte d’enseignants, force est de constater que celui-ci nous a marqué par son caractère exceptionnel, c’est-à-dire par sa capacité à n’entrer dans aucun genre connu de nous.<br />Un enseignant exceptionnel, c’est ce que l’on appelle un maître. Le mot a mauvaise presse, il convient donc d’en préciser le sens. Le maître – celui qui enseigne, non celui qui domine - est celui par le truchement duquel nous entrons dans la pensée. Son éminence n’est pas statutaire, ne se décrète pas, n’obéit à aucun argument d’autorité?; elle est factuelle, qui s’impose toujours à nouveau par elle-même. La parole magistrale convoque à l’exercice de la pensée. Elle frappe et anime l’auditeur qu’elle rend étranger à ce qu’il croyait penser, substituant au bien connu un inconnu désirable. <br />C’est une telle parole que les images filmées par Jackie Berroyer et Pascale Thirode rendent sensible. La voix d’abord : le timbre, la tonalité, l’accent ou, plus précisément, l’accentuation, le rythme tantôt fluide, tantôt saccadé, le chant presque parfois, les cris, rythme et volume se mêlant selon d’innombrables modalités et accompagnant la pensée au point qu’il devient impossible de dissocier l’une des autres – voilà ce qui frappait d’emblée l’auditeur de ces cours. La gestuelle simultanément : une parole qui va en marchant, une pensée se faisant à la vitesse et à la mesure des pas du penseur. Parole et pensée s’élaborant dans un corps, celui d’un professeur en chair et en os. Cela n’est pas si fréquent dans les lieux de l’esprit. Frappé, l’auditeur se sentait sommé d’entrer dans la danse, en en mesurant tout le sérieux. La parole de Benny Lévy tranchait et, pour beaucoup d’entre nous, marqua un commencement : la voix qui la portait ne s’éteignit plus. Elle résonne aujourd’hui dans les textes qu’il nous a laissés ainsi que dans les tentatives plus ou moins heureuses de ceux qui le croisèrent pour penser à leur tour.<br />Nous n’apprîmes qu’ensuite ce qu’il avait été : Juif égyptien chassé en Belgique puis en France, dirigeant de la Gauche Prolétarienne, «?secrétaire?» de Jean-Paul Sartre, penseur aussi intense que méconnu, Juif de l’étude, redécouverte après une longue errance, puis, bien plus tard, fondateur et animateur principal de l’Institut d’études lévinassiennes à Jérusalem. Une telle richesse ne s’accommode guère de l’académisme, on le comprend aisément. Les textes ne peuvent être abordés comme doctrines ou comme documents, ils constituent la source d’une pensée vivante, l’occasion de comprendre et d’éclairer sa propre existence maintenant. Le plus frappant fut sans doute cette capacité à actualiser les textes qui explique la fraîcheur et la vitalité sans pareille de l’enseignement de Benny Lévy. Souhaitons que ces images permettent à tous ceux qui n’ont pas eu l’occasion d’entendre sa voix d’en saisir au moins les éclats.<br /></span><span class=Soustitre>Gilles HANUS </span><span class=Texte>(Directeur des Cahiers d’Études Lévinassiennes)<br />© Frémeaux & Associés 2016<br /></span><span class=Soustitre><br />Benny Lévy par Bernard-Henri Lévy, </span><span class=Texte><br />extrait de Pièces d’identité © Grasset<br />Commençons par le commencement : rappelez-nous quelles furent les circonstances de votre première rencontre avec Benny Lévy.<br />C’est une très vieille histoire. Je l’ai racontée dans le chapitre des Aventures de la liberté intitulé «?Ces effrayants jeunes gens?». Je suis en hypokhâgne. Mon père a demandé à son ami Jean-Pierre Vernant, qui a transmis à Louis Althusser, de me trouver un répétiteur intéressé, comme on disait dans le jargon de l’École normale supérieure, à me «?tapiriser?». Arrive alors, dans le bureau d’Althusser, un jeune homme aigu, laconique, doué d’une éloquence sèche, amateur de légendes et de grandes éruditions, que je reconnais aussitôt comme le déjà mythique chef des maoïstes français. Il y a, à l’époque, le tuteur idéologique du mouvement, qui est Jean-Claude Milner?; et le chef politique, ce tout jeune Benny qui a succédé à Robert Linhart, qui s’appelle encore Pierre Victor, et que je vois surgir dans le bureau d’Althusser. Il me donnera quelques cours. Peut-être jusqu’à Noël. Peut-être moins longtemps, je ne sais plus. Ne serait-ce que pour Althusser, qui est notre maître à tous deux, il joue en tout cas le jeu quelques semaines. Je me souviens d’un cours sur le Philèbe de Platon?; d’un autre sur la Critique du jugement?; et, aussi, d’une explication magistrale du Menteur de Corneille. Mais il avait, je le voyais bien, la tête ailleurs. C’était l’époque des débuts de la révolution culturelle chinoise. C’était le temps où l’on tenait, avec et après Freud, que les livres étaient fils du malheur. «?Changer l’homme en ce qu’il a de plus profond?», disait-on. Ou : «?visons l’homme droit dans son âme?». Ou encore : «?cassons en deux l’Histoire du monde?» — là-bas, en Chine, mais aussi ici, en France. Tous slogans dont le moins que l’on puisse dire est qu’ils ne prédisposaient guère à enseigner durablement Corneille et Kant à un fils de famille… Je le sais. Lui aussi. Je me rappelle même ma gêne à l’idée de ce précieux temps que je retirais, à cause de ces cours idiots, à la sainte militance. Et, assez vite, nous nous arrêtons. <br />(…)<br />De nombreux critiques se sont étonnés, ou indignés, du ton de Benny Lévy. Je crois que celui-ci est à mettre en relation avec la puissance de sa parole. Quiconque a rencontré Benny Lévy peut témoigner du fait que la moindre conversation avec lui prenait l’ampleur d’un dialogue au plus haut niveau. Avez-vous été sensible à cette parole ?<br />Évidemment. Le talent de Benny était aussi — certains disent même d’abord — un talent oral. C’était un lecteur hors pair. Il savait, comme personne, donner vie à un grand texte. Mais il n’était jamais si impressionnant que lorsqu’il le faisait oralement, dans la vibration de sa propre parole, soit qu’il ait en face de lui les étudiants de son Séminaire, soit que nous soyons seuls, tous les deux, dans une relation d’interlocution privilégiée. Dans ces moments-là, il y avait quelque chose de socratique en lui. Il y avait cet effet «?torpille?» dont parle Platon à propos de Socrate. L’effet de cette parole était, bien sûr, comme vous le dites, qu’elle conduisait «?au plus haut niveau?». Mais c’était aussi un effet de vérité, donc de liberté, qui va à l’inverse de la réputation d’autoritarisme ou de fanatisme qu’on lui a faite. Le «?ton?» de Benny ? Eh bien justement : gaieté, liberté. Et, quoi qu’on en ait dit, une vraie écoute de l’autre et, donc, une vraie tolérance.<br />Quid, maintenant, de Jérusalem ? C’est là, à Jérusalem, que, vingt ans plus tard, vingt ans après la mort de Sartre, vous fondez avec Benny l’Institut d’études lévinassiennes…<br />Voilà. C’est là. C’est là, à Jérusalem, au lieu même où nous sommes en train de parler, que nous nous sommes retrouvés, ce fameux jour, il y a cinq ans, Alain Finkielkraut, Benny Lévy et moi, pour fonder cet Institut qui, à l’époque, s’appelait encore l’«?Institut Levinas?» et qui était, pour Benny, et pour nous tous, quelque chose d’assez important. Pour des tas de raisons. Des raisons philosophiques, sûrement. Mais pour des raisons biographiques aussi. Je me souviens, ce jour-là, de ce que Benny appelait le «?climat d’émeute?» autour de la salle. En gros, et dans sa langue, cela voulait dire qu’il y avait un monde fou, que la salle était pleine, qu’il y avait des gens qui ne pouvaient pas entrer, etc… Benny avait donné une interview à la radio israélienne. Il l’avait fait avec cette fièvre et cette force qui étaient les siennes et qu’il avait gardées de son passé militant. Et il me semble qu’à Jérusalem ce moment-là a été un moment très intense. Le sentiment d’un vrai acte fondateur. Le sentiment qu’autour de nous trois peut-être, mais aussi, et surtout, autour du nom de Levinas, se jouait quelque chose d’important dans la façon que l’être-juif pouvait avoir de se figurer et décliner. C’était bizarre ce trio, finalement… Finkielkraut, Benny, moi… Il y avait des dissentiments entre les uns et les autres… Des origines philosophiques diverses et des points d’arrivée encore plus divers… Et c’est vrai que, lorsque je repense à ces trois discours à la fois juxtaposés et, dans mon souvenir, assez articulés, lorsque je revois ce juif laïque qu’était Finkielkraut, ce juif laïque et universaliste que j’étais aussi et ce juif religieux qu’était Benny, lorsque je repense à ce climat de fraternité entre nous trois, à cette volonté, non pas de dialoguer bien sûr (je t’ai dit ce que Benny pensait du dialogue et je ne suis pas loin de penser la même chose) mais de s’entendre, de se parler, lorsque je repense à ce pari qui était le nôtre et selon lequel, au confluent de nos trois discours, quelque chose allait se produire, cela me semble, avec le recul, un moment quand même exceptionnel. Et fort. Et inattendu. Et étrange. Elle ne manquait ni de mystère ni de sens, cette co-présence des trois. Et cette confrontation affectueuse, dans le Jérusalem du moment, de nos trois positions philosophiques. Un orthodoxe et des laïques. Un religieux et des non-religieux. Un juif installé en Israël et des juifs de la diaspora. Et, entre les deux juifs de la diaspora, entre Finkielkraut et moi, d’autres sortes de désaccords, assez sérieux aussi, mais soudain surmontés — en partie, du reste, grâce à Benny et à son arbitrage bienveillant et silencieux. Je crois que cela a provoqué une certaine surprise. La foule qui était là en témoignait. Et, comme Benny l’espérait, il y a bien eu «?émeute?» pour ce premier acte fondateur de l’Institut. <br /></span><span class=Soustitre>Bernard-Henri Lévy </span><span class=Texte><br />texte issu de Pièces d’identité aux éditions Grasset, <br />avec l’autorisation de Bernard-Henri Lévy et de Grasset © 2010<br />Benny Lévy, qui ne fut pas moins que l’élève d’Althusser, l’assistant de Sartre, le disciple de Levinas, dont l’œuvre se situe aux confins des traditions juives et occidentales, est aujourd’hui considéré comme l’un des intellectuels et des passeurs les plus brillants de sa génération. A travers l’étude de l’Alcibiade de Platon, grand texte philosophique fondateur puisqu’il interroge l’engagement politique, Benny Lévy délivre un formidable séminaire de 14 heures motivé par une indicible envie de transmettre et une manière particulièrement revigorante d’aborder et de s’approprier le texte et les idées. En effet, pédagogue passionné, lorsqu’il s’adresse à son auditoire tout son être s’exprime, dans sa façon de parler, de se déplacer, de gesticuler, mais également de dialoguer avec le texte et de l’apprivoiser… Il est l’éclatante figure de l’instruction dialogique de la philosophie, qui depuis Socrate et Platon préfère la transmission orale du savoir. Fasciné par l’enseignement de Benny Lévy, dont il fut l’auditeur pendant plusieurs années, Jackie Berroyer demande à Pascale Thirode de filmer le cours, afin d’en garder une trace audiovisuelle. Ce coffret DVD présente en sus le remarquable film documentaire de la réalisatrice, montrant des extraits du séminaire de février à mai 1996, entrecoupés de commentaires du philosophe lui-même, que Pascale Thirode et Jackie Berroyer sont allés filmer postérieurement à Jérusalem en 1997. Les passages de cet entretien rythment le film et lui donnent une dimension réflexive qui met en perspective la singularité de la parole enseignante de Benny Lévy, qui comme le soutient Bernard-Henri Lévy est «?l’un des rois cachés de notre temps?». <br /></span><span class=Soustitre>Christophe Lointier & Patrick Frémeaux</span><span class=Texte><br />• Le film document de l’ensemble des 11 cours sur près de 14 heures, réalisé par Pascale Thirode et monté par Bertrand Fecci.<br />• Le documentaire «?Benny Lévy : traces d’un enseignement?» de Pascale Thirode et Jackie Berroyer avec la collaboration de Gilles Hanus.<br /></span></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 49.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/1/9/17819-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => array:1 [ …1] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 49.992 "regular_price_amount" => 49.992 "regular_price" => "49,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#613 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#703 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 3 => ProductListingLazyArray {#716 -imageRetriever: ImageRetriever {#705 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#707} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#708} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#717 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5385" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302402888" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "25,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4028" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1849" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "321" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p align=justify><strong>DVD NTSC (compatible monde entier) 58 minutes.</strong></p><p align=justify><strong>4/3 TOUT PUBLIC, FRANCAIS VO, ANGLAIS AMOVIBLE.</strong></p><p align=justify><br /></p><p align=justify>En partenariat avec le Musée national Gustave Moreau, les Éditions Frémeaux & Associés proposent, dans ce DVD, un film de Nelly Kaplan présentant les chefs-d’oeuvre de la maison-musée du grand maître symboliste. <br />Ce support contient également trois courts-métrages de la réalisatrice sur les oeuvres graphiques de Victor Hugo et de Rodolphe Bresdin, ainsi que sur la collection Walter-Guillaume, au Musée de l’Orangerie, à Paris. <br /><strong>Christophe LOINTIER & Patrick FRÉMEAUX</strong><br /><strong>Gustave Moreau 21’37 :</strong><br />Lorsqu’en 1961, Nelly Kaplan investit le fonds du Musée Gustave Moreau à dessein de réaliser son court-métrage sur le maître du symbolisme, l’oeuvre de ce dernier est depuis longtemps négligé. En convoquant Baudelaire, Lautréamont, Huysmans, Moreau lui-même, ainsi que Breton au coeur de son commentaire, et en plaçant sa caméra au plus près du motif afin d’en révéler les alchimies de couleurs et de lumière, la réalisatrice mime au plus juste ce que le grand peintre s’était assigné pour fin : « L’évocation de la pensée par la ligne, l’arabesque et les moyens plastiques ». <br /><strong>Rodolphe Bresdin 17’20 :</strong><br />« Faute de talent, il avait du génie », soulignait malicieusement Baudelaire à propos de Rodolphe Bresdin. Injustement méconnu depuis le XIXe siècle, le graveur séduisit Huysmans, Breton et enfin, Nelly Kaplan. Celle-ci nous convie à parcourir une oeuvre, dont les accès romantiques nous propulsent en « une fuite éperdue » vers des paysages fantastiques, peuplés « d’êtres qui semblent planer entre deux mondes ». <br /><strong>(Victor Hugo) Dessins et merveilles 11’27 :</strong><br />« S’il n’était pas poète […], il serait un peintre de premier ordre », clamait Gautier à propos de Victor Hugo. Nelly Kaplan dévoile l’oeuvre buissonnière du grand homme - ses encres, ses fusains, ses sépias - et choisit de mettre en exergue deux de ses développements : les cycles architecturaux et océaniques. <br /><strong>La nouvelle Orangerie 8’07 : </strong><br />La réalisatrice de La Fiancée du pirate et du Regard Picasso (Lion d’argent au Festival de Venise 1967 et édité chez Frémeaux & Associés) nous guide au sein de la célèbre collection Walter-Guillaume, rassemblée en 1966 au Musée de l’Orangerie et constituée d’oeuvres de Cézanne, Renoir, le Douanier Rousseau, Matisse, Derain, Picasso, Soutine… Un témoignage haut en couleur de cinquante ans de création artistique à Paris, de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle. <br /></p><p align=justify><br /></p><p align=justify><strong>DROITS : CYTHERE FILMS</strong></p><p align=justify><strong>EDITION : FREMEAUX & ASSOCIES EN ACCORD AVEC LE MUSEE GUSTAVE MOREAU.</strong></p><p align=justify><strong>COMMERCIALISATION : FREMEAUX & ASSOCIES EN ACCORD AVEC CYTHERE FILMS ET NELLY KAPLAN.</strong></p><strong> </strong></p><br><br>" "description_short" => "<h3>NELLY KAPLAN - FILM DVD</h3>" "link_rewrite" => "gustave-moreau-et-autres-films-d-art-dessins-de-victor-hugo" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Gustave Moreau et autres Films D’Art (Dessins de Victor Hugo)" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1849 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5385-17816" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5385&rewrite=gustave-moreau-et-autres-films-d-art-dessins-de-victor-hugo&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:2 [ …2] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>Gustave Moreau FA4028</h3><p align=justify><span class=Soustitre><br />FRÉMEAUX & ASSOCIÉS TÉLÉVISIONS et Cythère Films présentent</span><br /><span class=Soustitre2>GUSTAVE MOREAU</span><br /><span class=Soustitre>Et autres films d’art de</span><br /><span class=Soustitre2>NELLY KAPLAN</span><br /><span class=Texte>En partenariat avec le Musée national Gustave Moreau, les Éditions Frémeaux & Associés proposent, dans ce DVD, un film de Nelly Kaplan présentant les chefs-d’œuvre de la maison-musée du grand maître symboliste. Ce support contient également trois courts-métrages de la réalisatrice sur les œuvres graphiques de Victor Hugo et de Rodolphe Bresdin, ainsi que sur la collection Walter-Guillaume, au Musée de l’Orangerie, à Paris. <strong> Christophe Lointier & Patrick Frémeaux</strong></span><br /><span class=Soustitre2>NELLY KAPLAN</span><br /><span class=Soustitre2>Le cinema en peinture </span><br /><span class=Soustitre>Par Mireille Calle-Gruber</span><br /><span class=Texte>C’est la langue qui me souffle l’entrée. Désireuse d’examiner l’œuvre filmique de Nelly Kaplan sur l’art et la peinture, c’est-à-dire un ensemble conséquent de courts-métrages qu’elle réalise entre 1961 et 1967, et en particulier Le Regard Picasso, tourné en 1967, à l’occasion de la rétrospective organisée à Paris au Petit et Grand Palais pour les 85 ans du peintre, je me suis demandé un titre, comme je l’ai fait pour tous, puisque nous sommes toujours sous cette contrainte : donner un nom à cela dont nous ne savons pas encore que nous parlerons.</span><br /><span class=Texte>« Le cinéma en peinture » : ce fut spontanément ce qui m’arriva. En suite de quoi, j’ai commencé à demander mon texte à ces mots.</span><br /><span class=Soustitre>Ce que dit la langue au cinéma et à la peinture</span><br /><span class=Texte>Car ce qui présentait ainsi comme point de départ, ce n’était pas : la peinture au cinéma. Ni filmée ; mais la préfiguration d’un espace singulier, qui se dessine en six réalisations. Par ordre chronologique : Gustave Moreau (1961), 22 min ; Rodolphe Bresdin (1962), 17 min ; A la source, la femme aimée (1965), 9 min ; Dessins et merveilles (1966), 12 min ; La Nouvelle Orangerie (1966), 8 min ; Le Regard Picasso (1967), 52 min.</span><br /><span class=Texte>L’expression « le cinéma en peinture » comporte en effet plus d’un angle de vue. On y entend, certes, « le cinéma dans la peinture », ce qui entraîne, on le verra, tout un questionnement sur le rapport au cadre, au cadrage et au décadrage. On y entend aussi, qu’il s’agira d’explorer, une façon – façon cinématographique de faire la peinture de la peinture (de Picasso, de Gustave Moreau). C’est-à- dire, de considérer les moyens que met en œuvre un art à la rencontre d’un autre art. Et le titre au générique annonce d’emblée le propos : « Gustave Moreau vu par Nelly Kaplan » ; « Rodolphe Bresdin vu et raconté par Nelly Kaplan » ; « André Masson vu par Nelly Kaplan » ; « Le Regard Picasso… vu par Nelly Kaplan ». Il ne s’agit donc pas de films didactiques ou de film d’érudition sur l’histoire de l’art, mais d’une aventure des sens et des subjectivités à l’œuvre ; une aventure de la perception (aisthesis) ; la mise en scène d’un événement esthétique. L’écriteau, au seuil du générique de Gustave Moreau, est à cet égard éloquent (ce sont les mots du peintre mis en exergue par la cinéaste) : « Je ne crois ni à ce que je touche ni à ce que je vois. Je ne crois qu’à ce que je ne vois pas et uniquement à ce que je sens.» Et la mention « Le regard Picasso » (et non « Le Regard de Picasso »), mettant l’accent sur la signature, exhausse cette relation de l’être-à-l’œuvre.</span><br /><span class=Texte>S’il y a théorie donc, ce sera bien, avec le film de Nelly Kaplan, au sens étymologique theorein de : voir ; aborder par l’œil ; donner les spectacles du regard dans le jeu des degrés de la vision. Celle du peintre, celle de la cinéaste, celle du spectateur : second degré, troisième degré, quatrième degré. Au passage des lentilles et des focales, des travellings, des zooms, un effet de télescope a lieu : une peinture, une étoile, elle tourne, si muove, elle se meut et elle émeut !</span><br /><span class=Texte>Le tournage, dès lors, est affaire de tourner et retourner les regards : où les facultés de l’œil sont portées à la puissance n (infinie) du cinéma. Le montage, régissant la rythmique du défilé d’images, organise une surexposition des matières et des formes : où l’informe prend corps.</span><br /><span class=Texte>« Le cinéma en peinture », cela fait entendre non moins qu’un certain portrait du cinéma Kaplan est en cours.</span><br /><span class=Texte>L’exercice qui traite et retraite la peinture en matière filmique, en fait une matière à monstration et à récits, devient révélateur du travail cinématographique : il élabore – aujourd’hui on le mesure rétrospectivement – un véritable art poétique de Nelly Kaplan […]</span><br /><span class=Texte>[…] Deux autres expressions viennent hanter le syntagme « le cinéma en peinture ». D’une part, il y a « la vérité en peinture », titre d’un volume où Jacques Derrida analyse, entre autres, le texte de Heidegger sur L’Origine de l’œuvre d’art. Qu’il y ait, se constituant de l’opération cinématographique, l’émergence d’une vérité en peinture dans les films de Nelly Kaplan, nous le verrons : parce que, chaque fois, il y va d’un mouvement lectoral, d’une interprétation, d’un parcours, et que chaque court-métrage comporte une économie propre, la cohérence interne qui fait la vérité de sa construction. Ce n’est pas un reportage de circonstance, pas une exposition filmée, pas un musée ou un atelier enregistré. </span><br /><span class=Texte>C’est un mouvement d’introspection de l’art dont la dynamique traverse les œuvres – et où le cinéma se demande à l’autre. S’y confronte, s’y oublie. Et c’est de cet oubli qu’il vient à existence.</span><br /><span class=Texte>Le mouvement d’introspection est notamment marqué dans Gustave Moreau où le film entre par le tableau représentant un autoportrait du peintre, et se termine par le mouvement inverse de « sortie » du même tableau (du regard du peintre qui fonctionne ici comme « regard intérieur »).</span><br /><span class=Texte>Chaque film est un univers : hospitalier, habitable. Habitées par l’œil Kaplan qui précède et exorbite le nôtre, les toiles de Gustave Moreau ou de Picasso, les dessins de Masson ou de Hugo, nous aspirent. Ils nous appréhendent plus que nous ne les appréhendons. Ils nous adressent à l’étranger, à des associations, à des découpages sans nom. Cette vérité de l’œil est une vérité éminemment sensible.</span><br /><span class=Texte>D’autre part, la langue populaire fait également écho par l’expression familière : je ne peux plus (le) voir en peinture, signalant le plus souvent un jugement négatif, voire que les limites du supportable ont été franchies. Or, sans qu’il y ait, évidemment, dans les films sur l’art de Nelly Kaplan, le moindre accent péjoratif, le « voir en peinture » (qui est bien davantage que le « voir la peinture » ) ne cesse de toucher et de dépasser les limites : voir et ne plus voir, pour voir voir voir – à perte de vue. Ainsi, la citation précédente de Gustave Moreau « Je ne crois qu’à ce que je ne vois pas » joue en contrepoint avec les dernières phrases du commentaire du film :</span><br /><span class=Texte>« Dans cette île du docteur Moreau, des monstres sommeillent. Des monstres magnifiques. Allez-y voir vous-même si vous ne voulez pas me croire. »</span><br /><span class=Texte>L’allusion, ici, à L’invention de Morel d’Adolfo Bioy Casarès, où l’illusion filmique fait monde et la projection réinvente sans fin l’espace et le temps, donne le dernier mot à la mise en scène cinématographique. Chez Kaplan, il y va d’abord de la mise en jeu subtile des frontières des arts que l’œuvre ne cesse de passer et repasser, articulant du supplément sensible. Ainsi, là où l’œil non-voit et s’adonne à voyance, le film dresse l’oreille à l’écoute de la poésie. C’est, par exemple, la gravure de Rodolphe Bresdin inspirée du poème de Victor Hugo La Mêlée, dont la récitation fait un contre-champ à l’image : « Pâtre, change de route […] Vois ces deux bataillons, l’un vers l’autre marchant […] ». C’est Gustave Moreau dont les peintures ont pour chambre d’écho les citations, inscrites au générique, de Baudelaire, Breton, Huysmans, Alfred Jarry, Lautréamont, Jean Racine. Sur l’apparition de la figure peinte de Pasiphaé, le vers de Racine fait entendre la tragique fatalité des généalogies mythologiques : évoquant Phèdre « La fille de Minos et de Pasiphaé ». De la venue, sur la toile, de Cléopâtre, les vers de Baudelaire accentuent l’érotisation :</span><br /><span class=Texte>La très chère était nue</span><br /><span class=Texte>Et connaissant mon cœur,</span><br /><span class=Texte>Elle n’avait gardé</span><br /><span class=Texte>Que ses bijoux sonores. […]</span><br /><span class=Texte>[…] Autre processus qui tend à infinir le parcours : le parti pris d’achronie des films privilégie les rapports analogiques, les associations libres, les constellations figurales. Rodolphe Bresdin est le seul film qui déroge, en partie, à cette règle puisque le fil conducteur en est biographique – la grande méconnaissance de l’artiste et de l’œuvre motive amplement ce choix. Le film de Nelly Kaplan, en exhumant dessins et gravures du Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Nationale, fait un travail de dé-couverte et de réhabilitation, rappelant que Bresdin fut un proche de Hugo, prisé de ses contemporains, Baudelaire notamment1.</span><br /><span class=Texte>Ce mode de cheminement vise à faire un inventaire de l’art, à élaborer un répertoire, c’est-à-dire à s’attacher au travail des formes, à leur présence au présent de la narration filmique. Importe, par suite, une présentification des œuvres qui préfère à une démarche historisante et évolutionniste, la libre circulation dans et entre les œuvres. […]</span><br /><span class=Texte>[…] Il est clair que dans ces courts-métrages, Nelly Kaplan révèle ses affinités, ses généalogies poétiques. Elle donne ses coordonnées artistiques, indique, comme le dit Picasso pour ses tableaux, « de combien loin » lui viennent films et écrits. Elle pourrait sans doute, comme André Breton dans son film sur Gustave Moreau, avouer « l’envoûtement complet » :</span><br /><span class=Texte>« La découverte du musée Gustave Moreau, quand j’avais seize ans, a conditionné pour toujours ma façon d’aimer. La beauté, l’amour, c’est là que j’en ai eu la révélation : à travers quelques visages, quelques poses de femme. Le type de ces femmes m’a probablement caché toutes les autres. Ça a été l’envoûtement complet. »<br /></span><span class=Texte>1. Il faut noter la démarche « pionnière » de Nelly Kaplan : lorsqu’elle tourne Dessins et Merveilles, les encres de Victor Hugo sont encore mal connues. Elles seront amplement publiées, vingt ans plus tard que le film, lors de la célébration du Centenaire de la mort de l’écrivain. Pour Gustave Moreau, il en va de même, qui commence à sortir de l’oubli avec les surréalistes.</span><br /><span class=Soustitre2>MES FILMS DITS D’ART<br />Par Nelly Kaplan</span><br /><span class=Soustitre>RODOLPHE BRESDIN</span><br /><span class=Texte>Je ne connaissais pas l’existence du graveur Rodolphe Bresdin jusqu’au jour où je lis « A rebours » de J.K.Huysmans, où un long passage enthousiaste lui est consacré. </span><br /><span class=Texte>« A rebours » est un roman fascinant. J’ai voulu l’adapter pour le cinéma, sans y parvenir : il n’intéressait pas les producteurs. Le personnage principal, Des Esseintes, un être aussi bizarre que décadent et fortuné, vit isolé du monde dans une maison peuplée de ses fantasmes. Parmi bien d’autres passions, dont les jeunes garçons ne sont pas exclus, des Esseintes collectionne des tableaux de Gustave Moreau et des gravures de Rodolphe Bresdin. </span><br /><span class=Texte>Gustave Moreau, je connais. Mais Rodolphe Bresdin, qui est-ce ? Cela éveille ma curiosité. Je pars à la Bibliothèque Nationale et découvre, éblouie, l’œuvre de cet artiste singulier quelque peu tombé dans l’oubli, dont Baudelaire disait : « Faute de talent, il a du génie… ».</span><br /><span class=Texte>Portée par mon enthousiasme, je réalise en 1961 un film autour de son œuvre, dont j’écris aussi le texte du commentaire. Je demande à Michel Bouquet de prêter sa voix magnifique pour évoquer ces visions uniques de villes fabuleuses, de foules exotiques, de sorcières, de paysages irréels où la Mort séjourne toujours en embuscade…</span><br /><span class=Texte>« Rodolphe Bresdin » est sélectionné en tant que film documentaire lors du Festival de Cannes de 1961 où il sera projeté un soir avec un film congolais, dans une salle presque déserte…</span><br /><span class=Texte>Heureusement, je parviens à le faire programmer par la suite dans les salles de cinéma parisiennes avec le superbe « Viridiana » de Luis Buñuel.</span><br /><span class=Soustitre>DESSINS ET MERVEILLES </span><br /><span class=Texte>« Surréaliste quand il n’est pas bête ». C’est ainsi qu’André Breton définissait Victor Hugo. </span><br /><span class=Texte>Il n’est pas trop bête, en effet, quand il exécute ses étranges dessins que l’on peut admirer dans sa maison-musée de la Place des Vosges. La lecture d’un livre de Gaëtan Picon consacré à son œuvre picturale m’incite à partir à sa découverte. Et à tourner un film d’une douzaine de minutes, « Dessins et Merveilles », qui sera programmé plus tard en première partie d’un de mes longs métrages.</span><br /><span class=Soustitre>LA NOUVELLE ORANGERIE</span><br /><span class=Texte>En 1966 également, et toujours à la demande des services culturels du Ministère des Affaires Etrangères, je réalise « La Nouvelle Orangerie », autour de la collection Walter-Guillaume exposée dans l’Orangerie des Tuileries. Les responsables de l’exposition m’accordent une seule journée de tournage, que j’exécute au pas de charge. Le résultat, bien qu’honorable, ne marquera pas d’une pierre blanche les annales des films d’art, s’agissant plus d’un inventaire filmé que d’un véritable travail de création. </span><br /><strong><span class=Texte>Extrait de </span></strong><br /><span class=Soustitre>MASSON – KAPLAN, UN DIALOGUE EXEMPLAIRE : <br />Le réservoir des sens<br />Par Germana Orlandi Cerenza</span><br /><span class=Texte>Les vingt-six titres de la dernière édition du Réservoir (Le Castor Astral, 1995, celle de 1966 en comptait vingt-deux), sont construits sur des jeux de mots étourdissants. Le rapport du titre avec le texte s’établit tantôt sur une relation d’amplification parodique, tantôt se présente comme un piège de signes dissimulés dans le texte. Le premier conte du recueil, « Prenez garde à la Panthère », par exemple, demande un travail de décodage assez intrigant. La narration, introduite par une épigraphe de Pierre-Jean Jouve, procède comme un conte fabuleux où l’emploi réitéré de la répétition confère au texte un suspens mystérieux. Le récit s’achève sur une sorte d’avis au lecteur qui nous ramène à l’exhortation du titre : « Mais vous qui me lisez, prenez garde. »</span><br /><span class=Texte>Cette fable ne manque d’ailleurs pas de nous inquiéter si nous essayons de décrypter dans cette écriture un sous-texte biographique. La protagoniste, comme Nelly Kaplan, naît un 11 avril ; l’héroïne habite au Louvre ; le lecteur complice sait qu’il s’agit du lieu du rendez-vous fatal qui déclencha l’amour incandescent entre Breton et Kaplan. Une résonnance de l’angoisse du père putatif qui aime passionnément et craint de ne pouvoir garder la jeune «sauvage» qu’il aime, se retrouve dans la lettre de Breton de juin 1957 où trois fois il s’exclame : « Nelly, à aucun prix je n’accepte de te perdre ! » et il ajoute : « Ton sang et ta sève affluent dans mon cœur »1.</span><br /><span class=Texte>D’autres références sont disséminées dans le texte où la beauté de la jeune fille semi-léonine nous ramène à la sublime création de la sphinge de Gustave Moreau luttant avec Œdipe. On connaît la fascination exercée par ce peintre sur Breton et Kaplan qui aimaient se rendre dans son atelier. En 1961, Kaplan réalise son premier film sur Moreau où, s’inspirant des didascalies de l’artiste, elle écrit le texte, enrichi des citations de Baudelaire, Jarry, Lautréamont, Huysmans, Racine. André Breton, invité à participer au scénario, dit ainsi son inquiétude pour le type de beauté féminine créé par l’artiste :</span><br /><span class=Texte>La découverte du musée Gustave Moreau, quand j’avais seize ans, a conditionné ma façon d’aimer. La beauté, l’amour, c’est là que j’en ai eu la révélation ; […] Ça a été l’envoûtement complet.</span><br /><span class=Texte>Kaplan souligne « le trouble des beauté androgynes » du peintre fasciné par la mythologie classique. Elle est saisie par Œdipe et le sphinx, sphinx qui est une sphinge. Son combat de vie et de mort avec Œdipe est vu comme l’allégorie de la lutte entre l’homme et la femme ; entre ce qui, pour Moreau, représente le Bien et le Mal. Le film passe en revue l’univers mythique du peintre dont certaines héroïnes permettent à Kaplan d’évoquer la Phèdre de Racine à travers une citation détournée par l’emploi du futur :</span><br /><span class=Texte>Tout changera [a changé] de face maintenant que sur ces bords les dieux vont envoyer [ont envoyé] la fille de Minos et de Pasiphaé. </span><br /><span class=Texte>Dans le cortège de toiles qu’elle fait défiler, Kaplan s’arrête sur des allégories qui iront hanter son univers symbolique. Le Lion amoureux, Femme et Panthère. Dans la fascinante aquarelle intégrée dans le film, on ne voit clairement qu’une femme – serait-ce Salomé ? – magnétisée par la tache noire d’une panthère simplement ébauchée qui s’agrippe à elle. Kaplan invite le spectateur à remarquer la bête sauvage : « Prenez garde à la panthère… » dit le commentaire du film, donnant peut-être ainsi la clef du récit éponyme du Réservoir…</span><br /><span class=Texte>Au passage, rappelons que la plaquette de 1959 La Géométrie dans les spasmes, première ébauche du Réservoir, s’enrichissait de sept croquis préparatoires de Moreau, dont Jeune fille portant la tête d’Orphée – « une des rares héroïnes de Moreau, semblant exprimer la pitié », commente Kaplan dans le film -, Une Péri, deux dessins pour Hercule et l’hydre.</span><br /><span class=Texte>1. Thème des plus symbolistes, porté à son sommet par Barbey d’Aurevilly. Voir « Le bonheur dans le crime », in : Les Diaboliques, Gallimard, Pléiade, t.II, 1972, p.425-426</span><br /><span class=Soustitre2><br />À QUOI JE PENSE ?</span><span class=Soustitre><br />Carte pneumatique autographe d’André Breton<br />à Nelly Kaplan, juin 1957, Paris (extrait)<br /></span><span class=Texte>À quoi je pense ? Je pense à cette lampe sœur de celle au bec d’argent qui glisse sur la Seine et qui s’est posée entre nous ce matin avec une telle gravité. Je vois les protagonistes qu’elle éclaire à les aveugler, dont deux qui s’étaient perdus de vue dans la jeunesse et que revoici, sans qu’on puisse rien préciser de leurs relations qui ont à coup sûr été intimes, ne fût-ce que par le regard qu’ils ont eu jadis pour cette lampe au bec d’argent (qu’ils ont alors été seuls à avoir). Pourquoi faut-il qu’ils soient remis en présence dans l’abstrait. Je pense à la formule si belle, mais aussi si mystérieuse - qui l’expliquera ? - qui dit que les attractions sont proportionnelles aux destinées. Et la lampe de Lautréamont, c’est donc toi à quoi ils risquent tous autant de se brûler les ailes, puisqu’aussi bien ils en ont encore, sans pouvoir aller jusqu’à s’en vouloir en profondeur de la mettre cette lampe au-dessus de tout (et qu’est-ce qui importe d’autre – pas même la mort, bien sûr). Situation inextricable… Nelly, à aucun prix je n’accepterai de te perdre. Nelly, c’est vrai n’est-ce pas, c’est bien miraculeusement vrai que, quand je te l’ai dit, tu as mis tes doigts dans les miens ? Nelly, mon Amour, je ne veux pas te perdre. Ton sang et ta sève affluent dans mon cœur. Je ne veux pas te perdre et je ne veux pas t’ôter la moindre force, à supposer que cela soit possible. Il y a un coin du voile qui s’est déchiré, je t’en conjure, prends-y garde, il n’est pas question qu’il recouvre ce qu’il recouvrait. Les menaces sont certaines et obscures, ne te borne pas de secouer sur elles tes cheveux comme tu le faisais à la pièce de Ionesco et […].</span><br /><span class=Soustitre2><br />SOUS LE SIGNE DE MALDOROR</span><br /><span class=Soustitre>François Martinet</span><br /><span class=Texte>André Breton et Philippe Soupault n’ont pu s’asseoir à la table des Champs magnétiques qu’après l’apostrophe vertigineuse des Chants de Maldoror, qu’ils lurent dans un exemplaire trouvé par Philippe Soupault, quelques mois plus tôt, au rayon « Mathématiques » de la librairie ars et vita.</span><br /><span class=Texte>André Breton et Philippe Soupault braconnèrent dès lors sur les terres de la psychiatrie asilaire et détournèrent au profit de la poésie l’écriture dite automatique, que Pierre Janet voulait domestiquer. Ils se mirent à écrire à perdre haleine… A la folie !</span><br /><span class=Texte>Aussi, certain soirs de vertige du printemps 1919, gagnés par l’hallucination après quelques heures de « Surréalisme », l’un ou l’autre, solitaires, ont-ils laissé leurs pas les conduire sur les berges de la Seine. C’est alors qu’ils ont pu voir dériver « la lampe au bec d’argent » que Maldoror avait jetée dans le fleuve, aux pieds de Notre-Dame.</span><br /><span class=Texte>Cette lampe, que peu d’hommes avant eux avaient pu voir, et qu’ils étaient seuls à contempler, devait sceller leurs destinées et accompagner secrètement toute l’histoire du Surréalisme même, en dépit des querelles, des errances et des errements. Mais pouvait-on imaginer, qu’après avoir affronté ensemble les sortilèges de la « Glace sans tain », les deux auteurs des Champs magnétiques allaient retrouver, trente ans après, un même vertige aux détours d’un regard aux reflets de comète, celui de Nelly Kaplan ?</span><br /><span class=Texte>Philippe Soupault, du haut du Pont des Arts, un soir de juin 1954, revit flotter sur la Seine la « lampe au bec d’argent » que lui désignait cette jeune argentine au « sourire inextinguible », et bientôt il ne put savoir, de la lampe arrachée à l’ange ou de l’étonnante panthère qui frissonnait auprès de lui, laquelle incarnait le mieux « la lampe poétique » chère à Maldoror…</span><br /><span class=Texte>La suite appartient au secret des cœurs, mais combien est précieuse la révélation de cette rencontre d’exception, qui sut préserver l’amitié dans les orages de la passion amoureuse et se garder des blessures de la jalousie et de la possession.</span><br /><span class=Texte>Nelly Kaplan m’a laissé lire des poèmes, où se lève l’incendie, et quelques lettres arrachées au silence. Elles suffisent à dire la joie de Philippe Soupault à rencontrer un être qui ne pouvait le décevoir et à encourager l’éclosion des talents de cette jeune cinéaste et écrivain, dont les œuvres prolongèrent les conquêtes du Surréalisme. Il voulait qu’à son tour elle « signe sa vie » et l’on sait à quel point il fut entendu !</span><br /><span class=Texte>André Breton croisa le regard de cette jeune panthère, au « hasard » d’une exposition précolombienne, puis quelques mois plus tard, au Louvre, le 6 janvier 1957. Il se livra, dès lors, à corps perdu, aux défis impérieux que ne manqua pas de lui adresser la « convulsive » Belen. Les lettres d’André Breton, celles qui survécurent à une rupture orageuse, nous disent combien il fut transporté devant celle qu’il nommait : « Beauté et Flamme » et pour laquelle il retrouvait l’injonction de Rimbaud : « Je veux qu’elle soit Reine… ».</span><br /><span class=Texte>Plus encore, André Breton, dans une lettre bouleversante, lui dit combien il avait reconnu en elle « la lampe poétique » des Chants de Maldoror, « la lampe au bec d’argent ». Toutefois cet aveu prit des accents douloureux. Il avait tout à coup peur de la perdre, car il venait de se découvrir un rival. Or voilà que ce dernier n’était autre que Philippe Soupault, celui-là même qui fut le seul à contempler, avec lui, aux temps des « Champs magnétiques », la lampe cachée dans les plis du manteau de la nuit.</span><br /><span class=Texte>Hasard objectif, rencontres électives ou pures rencontres de hasard, force est de cons­tater l’étonnant écheveau que semblent tisser des fils invisibles, et qui relièrent, à travers le temps ces fous de poésie hantée par les rêves de Maldoror !</span><br /><span class=Texte>Avec André Breton, Nelly Kaplan et Philippe Soupault, le Surréalisme exerça de puissants sortilèges !</span><br /><strong><br /><span class=Texte>Cythère Films</span><br /><span class=Texte>Filmographie de Nelly Kaplan et Claude Makovski</span></strong><br /><strong><br /><span class=Texte>Films documentaires de Nelly Kaplan</span></strong><br /><span class=Texte>L Gustave Moreau (1961), 22 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Musique : Jean Ledrut</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Lolleh Bellon, André Breton, Jean Martin et José Squinquel</span><br /><span class=Texte>(Festival de Berlin)</span><br /><span class=Texte>L Rodolphe Bresdin (1962), 17 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : Arcady</span><br /><span class=Texte>Musique : Michel Magne</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Michel Bouquet</span><br /><span class=Texte>(Festival de Cannes)</span><br /><span class=Texte>L Abel Gance, hier et demain (1963), 28 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : Nelly Kaplan, Giovanni Ciarlo, Arcady</span><br /><span class=Texte>Musique : Michel Magne</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Abel Gance</span><br /><span class=Texte>(Festival de Venise)</span><br /><span class=Texte>L À la source, la femme aimée (1965), 9 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Musique : Bernard Gérard</span><br /><span class=Texte>Texte d’André Masson</span><br /><span class=Texte>(New York Film Festival)</span><br /><span class=Texte>L Dessins et Merveilles (1966), 12 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Texte de Gaëtan Picon dit par Claude Makovski</span><br /><span class=Texte>L La Nouvelle Orangerie (1966), 8 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span><br /><span class=Texte>L Les Années 25 (1966), 10 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Chansons de Ricet-Barrier</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span><br /><span class=Texte>(London Film Festival)</span><br /><span class=Texte>L Le Regard Picasso (1967), 52 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Partition sonore : Michel Fano</span><br /><span class=Texte>Musique : Variations de Beethoven sur un thème de Diabelli</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span><br /><span class=Texte>(Lion d’argent au Festival de Venise 1967)</span><br /><span class=Texte>L Abel Gance et son Napoléon (1984), 60 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : Jean Monsigny</span><br /><span class=Texte>Musique : Betty Willemetz et Hubert Rostaing</span><br /><span class=Texte>Présentation : Michel Drucker</span><br /><span class=Texte>Avec la voix d’Abel Gance</span><br /><span class=Texte>(Sélection officielle Un certain regard, Festival de Cannes 1984)</span><br /><strong><br /><span class=Texte>Films de fiction de Nelly Kaplan</span></strong><br /><span class=Texte>L La Fiancée du pirate (1969), 1 h 47 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc. Original : Nelly Kaplan et Claude Makovski</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean Badal</span><br /><span class=Texte>Musique : Georges Moustaki. La chanson originale Moi, je m’en balance est chantée par Barbara.</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Bernadette Lafont, Georges Géret, Julien Guiomar, Jean Paredès, Claire Maurier, Francis Lax, Henry Czarniak, Jacques Marin, Claude Makovski, Louis Malle, Emilia Palacio, Pascal Mazzotti, Marcel Perés, Micha Bayard, Fernand Berset, Gilbert Géniat, Jacques Masson, Renée Duncan, Michel Constantin</span><br /><span class=Texte>(Festival de Venise 1969).</span><br /><span class=Texte>L Papa, les petits bateaux… (1971), 1 h 39 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan, Claude Makovski et René Guyonnet, librement adapté du roman de Jean Laborde Bande de Raptés.</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Ricardo Aronovich</span><br /><span class=Texte>Musique : André Popp</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Sheila White, Michel Bouquet, Judith Magre, Michael Lonsdale, André Valardy, Pierre Mondy, Sidney Chaplin, Bernard Mousson, Catherine Allégret, Dalio, Jean Paredès, Belen, Iks Vokam, Tenno Yug, J.-C. Massoulier, Régine Deforges, J.-J. Pauvert</span><br /><span class=Texte>L Charles et Lucie (1979), 1 h 38 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan, Jean Chapot et Claude Makovski, d’après une idée originale de Jean Chapot</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Gilbert Sandoz</span><br /><span class=Texte>Musique : Pierre Perret qui interprète également la chanson originale du film</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Ginette Garcin, Daniel Ceccaldi, Belen, Jean-Marie Proslier, Georges Claisse, Guy Grosso, Henri Tisot, Féodor Atkine, Pierre Repp, Jacques Maury, Renée Duncan, Samson Fainsilber, Robert Beauvais, Claude Makovski, Jean Chapot</span><br /><span class=Texte>(Chicago International Film Festival, 1980)</span><br /><span class=Texte>L Pattes de velours (1985), 1 h 30 mn</span><br /><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan et Jean Chapot</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Michel Carré</span><br /><span class=Texte>Musique : Betty Willemetz. Chanson originale du film : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Michel Bouquet, Pierre Arditi, Bernadette Lafont, Caroline Silhol, Roger Carel, Cécile Auclert, Yves Jouffroy, Jean Chapot, Claude Makovski, Grégorio Manzur, Guillermo Nunez</span><br /><span class=Texte>L Plaisir d’amour (1991), 1 h 47 mn</span><br /><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan et Jean Chapot</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean-François Robin</span><br /><span class=Texte>Musique : Claude Bolling</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Pierre Arditi, Fran­çoise Fabian, Dominique Blanc, Cécile Sanz de Alba, Heinz Bennent, Pierre Dux, Jean-Jacques Moreau, Roger Robinel</span><br /><span class=Texte>(Festival de Sarasota, 1991)</span><br /><strong><br /><span class=Texte>Film de fiction de Claude Makovski</span></strong><br /><span class=Texte>L Il faut vivre dangereusement (1974), 1 h 37 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc. : Claude Makovski, Nelly Kaplan, Claude Veillot d’après le roman de Raymond Marlot, Les suicidés du printemps.</span><br /><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean Badal</span><br /><span class=Texte>Musique : Claude Bolling</span><br /><span class=Texte>Interprètes : Annie Girardot, Claude Brasseur, Sydne Rome, Hans Christian Blech, Roger Blin, Daniel Ivernel, Gérard Sety, Roland Lesaffre, Muni, Karin Albin, Jeanik Ducot, Bouboule, Jacques Rispal, Samson Fainsilber, Mylène Demongeot.</span><br /><span class=Soustitre2><br />Gustave Moreau 21’37 :</span><br /><span class=Texte>Lorsqu’en 1961, Nelly Kaplan investit le fonds du Musée Gustave Moreau à dessein de réaliser son court-métrage sur le maître du symbolisme, l’œuvre de ce dernier est depuis longtemps négligé. En convoquant Baudelaire, Lautréamont, Huysmans, Moreau lui-même, ainsi que Breton au cœur de son commentaire, et en plaçant sa caméra au plus près du motif afin d’en révéler les alchimies de couleurs et de lumière, la réalisatrice mime au plus juste ce que le grand peintre s’était assigné pour fin : « L’évocation de la pensée par la ligne, l’arabesque et les moyens plastiques ».</span><br /><span class=Texte>When Nelly Kaplan invested funds from the Gustave Moreau Museum in 1961 to make her short-film on the master of Symbolism, the work of Moreau had been neglected for years. By drawing Baudelaire, Lautréamont, Huysmans, Breton (and Moreau himself) into the heart of her commentary, and by placing her camera very close to the motif in order to reveal the alchemy of colours and light contained there, the filmmaker mimed precisely those aims which the great painter had set for himself: “The evoking of thought in lines, arabesques and plastic means.”<br /></span><span class=Soustitre2>Rodolphe Bresdin 17’20 :</span><br /><span class=Texte>« Faute de talent, il avait du génie », soulignait malicieusement Baudelaire à propos de Rodol­phe Bresdin. Injustement méconnu depuis le XIXe siècle, le graveur séduisit Huysmans, Breton et enfin, Nelly Kaplan. Celle-ci nous convie à parcourir une œuvre, dont les accès romantiques nous propulsent en « une fuite éperdue » vers des paysages fantastiques, peuplés « d’êtres qui semblent planer entre deux mondes ». </span><br /><span class=Texte>“For want of a talent, he had genius,” emphasized Baudelaire impishly in referring to Rodolphe Bresdin. Unfairly neglected since the 19th century, the engraver seduced Huysmans, Breton and, lastly, Nelly Kaplan. She extends us an invitation to run our eye over an opus whose romantic élans thrust us into “headlong flight” towards fantasy landscapes populated by “creatures that seem to glide between two worlds.” </span><br /><span class=Soustitre2><br />(Victor Hugo) Dessins et merveilles 11’27 :</span><br /><span class=Texte>« S’il n’était pas poète […], il serait un peintre de premier ordre », clamait Gautier à propos de Victor Hugo. Nelly Kaplan dévoile l’œuvre buissonnière du grand homme - ses encres, ses fusains, ses sépias - et choisit de mettre en exergue deux de ses développements : les cycles architecturaux et océaniques.</span><br /><span class=Texte>“If he wasn’t a poet […], he’d be a first-rate painter,” cried Gautier on the subject of Victor Hugo. Nelly Kaplan unveils the work of the great man playing truant from literature — his ink and charcoal drawings, his sepias — while choosing two of its developments as inscriptions: the architectural and oceanic cycles.<br /></span><span class=Soustitre2>La nouvelle Orangerie 8’07 :</span><br /><span class=Texte>La réalisatrice de La Fiancée du pirate et du Regard Picasso (Lion d’argent au Festival de Venise 1967 et édité chez Frémeaux & Associés) nous guide au sein de la célèbre collection Walter-Guillaume, rassemblée en 1966 au Musée de l’Orangerie et constituée d’œuvres de Cézanne, Renoir, le Douanier Rousseau, Matisse, Derain, Picasso, Soutine… Un témoignage haut en couleur de cinquante ans de création artistique à Paris, de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle.</span><br /><span class=Texte>The filmmaker who directed La Fiancée du pirate and Le Regard Picasso (the Silver Lion at the 1967 Venice Festival, released through Frémeaux & Associés) guides us into the heart of the famous Walter-Guillaume Collection, gathered in 1966 at the Orangerie and comprising works by Cézanne, Renoir, Douanier Rousseau, Matisse, Derain, Picasso, Soutine… An edifying, colourful testament to fifty years of artistic creation in Paris, from the end of the 19th century to the beginning of the 20th.</span><br /><span class=Texte>Née à Buenos Aires, <strong>Nelly Kaplan</strong>, après des études à la Faculté des Sciences Économiques, se rend à Paris à 19 ans, en tant que correspondante de divers journaux et magazines argen­tins. Elle ren­contre Henri Langlois et Abel Gance à la Cinémathèque française, elle devient l’assistante de ce dernier et participe à divers projets comme : le « Magirama » un programme expéri­mental en Poly­vi­sion, les films « Aus­terlitz » et « Cyrano et D’Arta­gnan ». Elle côtoie éga­lement des écrivains comme Philippe Soupault, André Breton, André Pieyre de Mandiargues, et réalise, entre 1961 et 1967 des courts-métrages sur l’art. Elle reçoit un Lion d’argent à la Mostra de Venise pour son film « Le Regard Picasso ». Nelly Kaplan rencontre Claude Makovski en 1964 et fonde avec lui la société de production Cythère films. Son premier long métrage, La Fiancée du pirate, coécrit avec Makovski, parait en 1969. Elle réalise ensuite « Papa, les Petits Bateaux », « Néa », « Charles et Lucie », « Pattes de Velours », « Plaisir d’Amour »… Puis coécrit avec Jean Chapot plusieurs téléfilms. Nelly Kaplan a écrit également des romans et des essais sur le cinéma. Nelly Kaplan est commandeur des Arts et des Lettres, officier dans l’Ordre National du Mérite, officier dans l’Ordre national de la Légion d’Honneur. Et Académicienne de L’Académie Alphonse Allais… Nelly Kaplan a assuré la rubrique cinéma dans le mensuel « Magazine Littéraire », et collabore sur France Culture à l’émission « Des Papous dans la tête »</span><br /><strong><br /><span class=Texte>GUSTAVE MOREAU ET AUTRES FILMS D’ART DE NELLY KAPLAN</span></strong><br /><span class=Texte>Gustave Moreau (1961), 22 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Musique : Jean Ledrut</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Lolleh Bellon, André Breton, Jean Martin et José Squinquel</span><br /><span class=Texte>(Festival de Berlin)</span><br /><span class=Texte>Rodolphe Bresdin (1962), 17 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : Arcady</span><br /><span class=Texte>Musique : Michel Magne</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Michel Bouquet</span><br /><span class=Texte>(Festival de Cannes)</span><br /><span class=Texte>Dessins et Merveilles (1966), 12 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Texte de Gaëtan Picon </span><br /><span class=Texte>dit par Claude Makovski</span><br /><span class=Texte>La Nouvelle Orangerie (1966), 8 mn.</span><br /><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly kaplan</span><br /><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span><br /><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span><br /><span class=Texte>Photos : Collection Nelly Kaplan et Claude Makovski</span><br /><span class=Texte>Production : Nelly Kaplan, Claude Makovski, Cythère Films</span><br /><span class=Texte>Authoring : Cité de mémoire</span><br /><span class=Texte>Conception éditoriale : Augustin Bondoux et Christophe Lointier </span><br /><span class=Texte>pour les Éditions et Galerie Frémeaux & Associés</span><br /><span class=Texte>Remerciements à Marie-Cécile Forest et David Ben si Mohand pour le Musée Gustave Moreau</span><br /><span class=Texte>Direction éditoriale : Patrick Frémeaux et Claude Colombini</span><br /><span class=Texte>Fabrication & distribution DVD : Frémeaux & Associés</span><br /><span class=Texte>preprod.fremeaux.com</span><br /><span class=Texte>« (…) Même si les puissances de la Magie n’ont pas toujours été pour moi (il s’en faut), elles seront, parce qu’elles l’ont déjà montré, toujours pour vous et pour Abel Gance, à qui je vous prie de renouveler mon très grand salut. Ce que vous me dites du Royaume de la Terre me sollicite électivement : c’est par là que j’ai toujours cherché. Sachez, Nelly Kaplan, que vous m’êtes chère et telle que je me flatte d’avoir obscurément deviné, sans vous connaître, qui vous étiez. » <br />Extrait de la lettre d’<strong>André Breton</strong> à Nelly Kaplan</span><span class=Texte> Le 2 janvier 1957.</span><br /></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/1/6/17816-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => [] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#669 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#694 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 4 => ProductListingLazyArray {#706 -imageRetriever: ImageRetriever {#696 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#698} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#699} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#700 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5387" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302402789" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "25,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4027" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1850" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "321" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p align=justify>«Un même regard à travers trois quarts de siècle de création ininterrompue, comment l’inventorier ? » <br />Telle est la question posée par Nelly Kaplan, écrivain et figure incontournable du cinéma français (La Fiancée du pirate, Charles et Lucie…) à propos de l’oeuvre de Picasso. <br />Et d’y répondre par un magnifique moyen-métrage (Lion d’argent du Festival de Venise en 1967) dont le style à la fois fluide, à travers l’usage du travelling et du zoom, et vigoureux, par le truchement des effets d’éclairages et du montage, épouse au plus intime les contours expressifs et les audaces formelles toujours renouvelées du grand maître espagnol. <br />Ce premier film aujourd’hui remis à la disposition du public par les éditions Frémeaux & Associés est accompagné d’un second court-métrage : A la source, la Femme Aimée. <br />La réalisatrice y pose un regard complice sur les dessins érotiques d’André Masson, sur les lignes des corps transis par les « vertiges d’Eros » dont l’expressivité n’exclue pas l’humour. <br />La réédition de ces oeuvres cinématographiques est donc l’occasion d’une vue rafraîchie sur les travaux de deux des plus grandes figures du désir en peinture qui, comme l’écrivait Arthur Rimbaud cité en épigraphe par Nelly Kaplan, ont su « reproduire des sentiments grâce à des lignes, des couleurs et des schémas […] simplifiés ou domptés. 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Leur notoriété diffère. Le génie de Picasso a une résonnance universelle. Celui de Masson, sans doute moins incandescent, est quelque peu occulté, même si son œuvre dégage également une extraordinaire fureur tellurique. Je pense qu’elle refera surface, comme ces volcans que l’on croit endormis et qui, un beau matin, manifestent leur présence. » </span><span class=Soustitre>Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><br /><p class=MsoNormal><span class=Texte>«Un même regard à travers trois quarts de siècle de création ininterrompue, comment l’inventorier ? » Telle est la question posée par Nelly Kaplan, écrivain et figure incontournable du cinéma français (La Fiancée du pirate, Charles et Lucie…) à propos de l’œuvre de Picasso. Et d’y répondre par un magnifique moyen-métrage (Lion d’argent du Festival de Venise en 1967) dont le style à la fois fluide, à travers l’usage du travelling et du zoom, et vigoureux, par le truchement des effets d’éclairages et du montage, épouse au plus intime les contours expressifs et les audaces formelles toujours renouvelées du grand maître espagnol.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Ce premier film aujourd’hui remis à la disposition du public par les éditions Frémeaux & Associés est accompagné d’un second court-métrage : A la source, la Femme Aimée. La réalisatrice y pose un regard complice sur les dessins érotiques d’André Masson, sur les lignes des corps transis par les « vertiges d’Eros » dont l’expressivité n’exclue pas l’humour.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>La réédition de ces œuvres cinématographiques est donc l’occasion d’une vue rafraîchie sur les travaux de deux des plus grandes figures du désir en peinture qui, comme l’écrivait Arthur Rimbaud cité en épigraphe par Nelly Kaplan, ont su « reproduire des sentiments grâce à des lignes, des couleurs et des schémas […] simplifiés ou domptés. Une véritable magie. » </span><span class=Soustitre>Christophe Lointier & Patrick Frémeaux</span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte><br /></span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>“A same vision across three-quarters of a century of uninterrupted creation; how can you take inventory of that?” Nelly Kaplan, a writer and unavoidable figure in French films (to whom we owe La Fiancée du pirate, Charles et Lucie…) asked that very question about the work of Picasso. She provided her own answer in the form of a magnificent medium-length film that received the Golden Lion at the 1967 Venice Film Festival. The style of her film, at once fluid (in its use of tracking-shots and zooms) and vigorous (lighting-effects, editing…) stayed intimately as close as possible to the great Spanish master’s expressive contours and continually renewed audacities of form. This first film is now available to the public again through Frémeaux & Associés, together with a second short-film entitled A la source, la Femme Aimée, a film where the director, full of complicity, takes a look at the erotic drawings of André Masson, whose bodylines transfixed by the dizzy vertiges d’Eros have an expressiveness that sometimes doesn’t exclude humour.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>The reissue of these cinematographic works provides the opportunity for a fresh overview of the work of two of the greatest representatives of desire in painting, two artists who could, as Arthur Rimbaud wrote (quoted by Nelly Kaplan in her epigraph), “reproduce sentiments thanks to lines, colours and diagrams […] simplified or tamed. 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Elle ren­contre Henri Langlois et Abel Gance à la Cinémathèque française, elle devient l’assistante de ce dernier et participe à divers projets comme : le « Magirama » un programme expéri­mental en Poly­vi­sion, les films « Aus­terlitz » et « Cyrano et D’Arta­gnan ». Elle côtoie éga­lement des écrivains comme Philippe Soupault, André Breton, André Pieyre de Mandiargues, et réalise, entre 1961 et 1967 des courts-métrages sur l’art. Elle reçoit un Lion d’argent à la Mostra de Venise pour son film « Le Regard Picasso ». Nelly Kaplan rencontre Claude Makovski en 1964 et fonde avec lui la société de production Cythère films. Son premier long métrage, La Fiancée du pirate, coécrit avec Makovski, parait en 1969. Elle réalise ensuite « Papa, les Petits Bateaux », « Néa », « Charles et Lucie », « Pattes de Velours », « Plaisir d’Amour »... Puis coécrit avec Jean Chapot plusieurs téléfilms. Nelly Kaplan a écrit également des romans et des essais sur le cinéma. En 1996 elle est nommée Chevalier de la Légion d’honneur pour l’ensemble de son œuvre littéraire et cinématographique. Nelly Kaplan a assuré la rubrique cinéma dans le mensuel « Magazine Littéraire », et collabore sur France Culture à l’émission « Des Papous dans la tête ».</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Soustitre2> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>Mes films dits d’art</span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre>Par Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>J’aurais bien aimé rencontrer Gustave Moreau ou Rodolphe Bresdin, créateurs auxquels j’ai consacré deux films, mais les caprices du continuum « Espace-Temps » en ont décidé autrement. </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Par contre, j’ai eu la chance de fréquenter Picasso et Masson, tous deux des créateurs magnifiquement libres, je dirais même sauvages, habités par un érotisme qui les propulse et les consume. </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Leur notoriété diffère. Le génie de Picasso a une résonnance universelle. Celui de Masson, sans doute moins incandescent, est quelque peu occulté, même si son œuvre dégage également une extraordinaire fureur tellurique. Je pense qu’elle refera surface, comme ces volcans que l’on croit endormis et qui, un beau matin, manifestent leur présence.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>J’ai eu en outre le privilège de pouvoir filmer leurs œuvres en toute liberté. </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><span class=Soustitre> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre>« À LA SOURCE, LA FEMME AIMÉE… »</span></p><span class=Texte> </span><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>« A la Source, la Femme Aimée… » est le résultat d’un pari. En 1965, année des vaches que je qualifierais de sveltes en ce qui me concerne, je travaillais pour les Actualités Pathé, avant qu’elles ne disparaissent lors de l’arrivée de la télévision. Chaque magazine Pathé, qui changeait toutes les semaines, comportait une petite séquence sur l’art et les spectacles. J’avais déjà tourné pour cette série un film autour de Man Ray, petit reportage disparu car les sujets non intégrés partaient à la poubelle ! J’ai même vu un des monteurs couper la pellicule avec ses dents! Cela cadrait mal avec le respect des images que Gance m’avait inculqué, où chaque photogramme non utilisé doit être classé soigneusement dans les boîtes de chutes, puisque un pentimento est toujours envisageable. </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Mon reportage sur Man Ray ayant plu à la responsable des Actualités, elle me demande de lui proposer un autre sujet. Je choisis André Masson, que je connais grâce à mes amitiés surréalistes et dont j’admire l’œuvre. </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Lors du tournage, Masson extrait un grand carton d’un tiroir et, arborant un sourire malicieux, me dit qu’il ne croit pas que j’oserai filmer son contenu. En effet, il comporte une série de très beaux dessins érotiques qui s’insèrent difficilement dans les carcans moraux des Actualités Pathé. Mais c’est mal me connaître. A leur vue, enthousiasmée, je décide de réaliser un film qui sera produit par Cythère Films, la petite société que j’administre avec Claude Makovski. C’est ainsi que sera tourné « A la Source, la Femme Aimée… ». Chaque séquence est précédée d’un intertitre avec un texte autographe de Masson, à l’égal de ceux qui existaient à l’époque des films muets.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Le film fini, nous le présentons à la Commission de Contrôle car aucune œuvre ne peut sortir sur les écrans français sans un visa de censure. Mauvaise surprise : il est totalement interdit ! Décidément, Anastasie, sœur de lait de Torquemada, ne me porte pas dans son cœur.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Très en colère, j’obtiens un rendez-vous avec André Malraux, à l’époque ministre de la Culture. J’entre en trombe dans son bureau et, comediante-tragediante, lui débite un discours enflammé à la hauteur des meilleures Catilinaires : </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>« -Et c’est vous, André Malraux, qui laisserait interdire un film sur un artiste que vous admirez, dont l’œuvre est exposée grâce à vous dans les musées, et dont certaines fresques ornent, à votre demande, le plafond du Théâtre de l’Odéon ? »</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Mes coups portent. Sa condition humaine se trouve mal à l’aise. En totale mauvaise foi, j’enchaîne avec une allusion subtile aux neiges d’antan des courageuses Brigades Internationales. La Culture, serait-elle en exil rue de Valois ? Moi, qui croyais que la France était le pays de toutes les libertés..! Je conclus ma tirade, me disant in petto que Sarah Bernhardt aurait été fière de moi. Je prends un air pathétique et j’attends le verdict. Un long silence s’ensuit. Puis, entre deux tics nerveux, Malraux finit par dire de sa voix aux intonations uniques :</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>« -Bon…Coupez tout ce qui dépasse, et je vous obtiendrai le visa ! »</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Ce qui dépasse? Je retiens un fou-rire car si l’on retirait la quantité industrielle de phallus « qui dépassent » dans les dessins de Masson, il ne resterait pas grande chose… </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Mais comme il faut que j’obtienne ce sacré visa sous peine de ne pouvoir jamais sortir le film, j’enlève quelques plans parmi les plus ithyphalliques. Nous le repassons en commission de censure, obtenant cette fois un visa d’interdiction aux moins de 18 ans. Ce qui est mieux qu’une interdiction totale, même si cela portera atteinte à l’éducation sexuelle de la jeunesse... </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Quelque peu circoncise, « À la Source, la Femme Aimée » est programmée en première partie d’un film à sketches réalisé notamment par Vadim, Chabrol et Molinaro : « Les sept péchés capitaux ». Je serai le huitième.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Les années passant je rétablis la version intégrale et, o tempora o mores, je demande et j’obtiens un visa tous publics !</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>NELLY KAPLAN</span></p><span class=Soustitre2> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>Le cinema en peinture</span><span class=Soustitre> </span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre>Par Mireille Calle-Gruber</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>C’est la langue qui me souffle l’entrée. Désireuse d’examiner l’œuvre filmique de Nelly Kaplan sur l’art et la peinture, c’est-à-dire un ensemble conséquent de courts-métrages qu’elle réalise entre 1961 et 1967, et en particulier Le Regard Picasso, tourné en 1967, à l’occasion de la rétrospective organisée à Paris au Petit et Grand Palais pour les 85 ans du peintre, je me suis demandé un titre, comme je l’ai fait pour tous, puisque nous sommes toujours sous cette contrainte : donner un nom à cela dont nous ne savons pas encore que nous parlerons.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>« Le cinéma en peinture » : ce fut spontanément ce qui m’arriva. En suite de quoi, j’ai commencé à demander mon texte à ces mots.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Ce que dit la langue au cinéma et à la peinture</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Car ce qui présentait ainsi comme point de départ, ce n’était pas : la peinture au cinéma. Ni filmée ; mais la préfiguration d’un espace singulier, qui se dessine en six réalisations. Par ordre chronologique : Gustave Moreau (1961), 22 min ; Rodolphe Bresdin (1962), 17 min ; A la source, la femme aimée (1965), 9 min ; Dessins et merveilles (1966), 12 min ; La Nouvelle Orangerie (1966), 8 min ; Le Regard Picasso (1967), 52 min.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>L’expression « le cinéma en peinture » comporte en effet plus d’un angle de vue. On y entend, certes, « le cinéma dans la peinture », ce qui entraîne, on le verra, tout un questionnement sur le rapport au cadre, au cadrage et au décadrage. On y entend aussi, qu’il s’agira d’explorer, une façon – façon cinématographique de faire la peinture de la peinture (de Picasso, de Gustave Moreau). C’est-à- dire, de considérer les moyens que met en œuvre un art à la rencontre d’un autre art. Et le titre au générique annonce d’emblée le propos : « Gustave Moreau vu par Nelly Kaplan » ; « Rodolphe Bresdin vu et raconté par Nelly Kaplan » ; André Masson vu par Nelly Kaplan » ; « Le Regard Picasso…vu par Nelly Kaplan ». Il ne s’agit donc pas de films didactiques ou de film d’érudition sur l’histoire de l’art, mais d’une aventure des sens et des subjectivités à l’œuvre ; une aventure de la perception (aisthesis) ; la mise en scène d’un événement esthétique. L’écriteau, au seuil du générique de Gustave Moreau, est à cet égard éloquent (ce sont les mots du peintre mis en exergue par la cinéaste) : « Je ne crois ni à ce que je touche ni à ce que je vois. Je ne crois qu’à ce que je ne vois pas et uniquement à ce que je sens. » Et la mention « Le regard Picasso » (et non « Le Regard de Picasso »), mettant l’accent sur la signature, exhausse cette relation de l’être-à-l’œuvre.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>S’il y a théorie donc, ce sera bien, avec le film de Nelly Kaplan, au sens étymologique theorein de : voir ; aborder par l’œil ; donner les spectacles du regard dans le jeu des degrés de la vision. Celle du peintre, celle de la cinéaste, celle du spectateur : second degré, troisième degré, quatrième degré. Au passage des lentilles et des focales, des travellings, des zooms, un effet de télescope a lieu : une peinture, une étoile, elle tourne, si muove, elle se meut et elle émeut !</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Le tournage, dès lors, est affaire de tourner et retourner les regards : où les facultés de l’œil sont portées à la puissance n (infinie) du cinéma. Le montage, régissant la rythmique du défilé d’images, organise une surexposition des matières et des formes : où l’informe prend corps.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>« Le cinéma en peinture », cela fait entendre non moins qu’un certain portrait du cinéma Kaplan est en cours.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>L’exercice qui traite et retraite la peinture en matière filmique, en fait une matière à monstration et à récits, devient révélateur du travail cinématographique : il élabore – aujourd’hui on le mesure rétrospectivement – un véritable art poétique de Nelly Kaplan […]</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>[…] Ou encore, sur les géantes baigneuses de Picasso, le poème d’Apollinaire, dont les premiers mots sont écrits sur écran, est lu par la voix off : « C’était un temps béni, nous étions sur les plages », qui poursuit, cependant que la caméra suit la composition picturale : « Va-t’en de bon matin, pieds nus et sans chapeau / Et vite comme va la langue d’un crapaud / L’amour blessait au cœur les fous comme les sages. »</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Ou bien la bande-son soutient à l’ouïe la vision picturale : ainsi, dans Le Regard Picasso, les autoportraits du peintre sont accompagnés du portrait littéraire de Picasso par Max Jacob : sur un autoportrait de 1904, « Il était parfaitement beau, une figure comme de l’ivoire où brillaient ses yeux […] » ; sur un autoportrait de 1932 qui vient se substituer au précédent, le texte de Max Jacob continue : « et l’aile de corbeau de ses cheveux ».</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>L’intérêt est ici, bien sûr, que deux portraits d’époque et de factures différentes répondent tous deux au même texte poétique – lequel cependant fait ici fonction d’ekphrasis : une description littéraire de l’œuvre d’art. En fait, le jeu des correspondances peinture – poésie ne se réduit jamais à un jeu de miroir parfait : de part et d’autre advient la dimension supplémentaire de l’art.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>C’est à exhausser une esthétique plurielle que s’emploie Nelly Kaplan, et à cet égard, le plus abouti est sans aucun doute le film sur Picasso. La parole de l’artiste y travaille par des citations serties dans le commentaire (qui est écrit par Kaplan et dit par Jacques Paoli). Ce sont souvent des aphorismes, montés de façon contradictoire, tel le célèbre : « Je ne cherche pas, je trouve », que contrebalance aussitôt cet autre : « On n’a jamais fini de chercher parce qu’on ne trouve jamais ». Dans la même perspective, vient l’évocation de l’artiste en tant qu’aveugle – voyant :</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Je l’ai deviné, je l’ai vu, je l’ai fait, et cependant le lendemain, je ne vois pas moi-même ce que j’ai réalisé. […]</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>[…] Quant à la musique, le soin qui la dispose participe de ce calcul poétique du film. En choisissant notamment les 33 variations sur un thème de Diabelli de Beethoven pour Le Regard Picasso, dont elle sélectionne certaines selon rythme et tonalité, et qu’elle fait venir en un jeu complexe de reprises entre les citations, Nelly Kaplan donne aux motifs du peintre qu’elle traite à l’image en thèmes et variations, un pendant acoustique. De sorte que peinture-cinéma-musique s’inscrivent l’un l’autre, ou plutôt l’un dans l’autre (: approximation) en un rapport de fugue infinie.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Une sorte de mobile esthétique (mobile des perceptions) : tel est le film d’art selon Kaplan. […]</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>[…]Envoi</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Jean Paulhan raconte, à propos de Braque : « On lui disait, devant une nature morte, « Mais cet éclairage n’est pas dans la nature. – Et moi, alors, je ne suis pas dans la nature ? – Mais cette lumière encore, d’où vient-elle ? – Ah, c’est d’une autre toile que vous ne connaissez pas. » Et Braque va chercher l’autre toile. »</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>C’est dire que pour Braque, il y a, source d’œuvre, l’œil et l’art. C’est pareil pour Nelly Kaplan qui voit toute chose avec le troisième œil du cinéma : cyclopéen, surnaturel, intérieur, télescopique. Mais encore, ce regard sur la peinture Picasso, d’où vient-il ?</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>- Ah, c’est d’un autre film. Gustave Moreau, vu par Nelly Kaplan en 1961 ; Rodolphe Bresdin vu et raconté par Nelly Kaplan en 1962 ; À la source, la femme aimée vu par Nelly Kaplan en 1965 ; Dessins et Merveilles avec un texte de Gaétan Picon réalisé en 1966.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Tout comme, sans doute, La Fiancée du pirate ou Plaisir d’amour viennent du Regard Picasso… vu par Nelly Kaplan.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Et l’on est loin d’en avoir fini avec ce générique des œuvres de la « nature Kaplan ». Une étrange planète.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>MASSON – KAPLAN, UN DIALOGUE EXEMPLAIRE : </span></p><span class=Soustitre2> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>Le réservoir des sens</span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre>Par Germana Orlandi Cerenza</span></p><span class=Texte> </span><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Placer la rencontre Nelly Kaplan-André Masson suivant un tracé prédestiné de la vie « excessive »1 de cette créatrice à multiples facettes, c’est façon de rappeler la réponse que, dans les dernières années de sa vie, Masson adresse à son interlocuteur désireux d’apprendre le secret de sa création : « la liberté de l’esprit », « la liberté d’être comme est la vie : imprévisible, diverse, mutante, mystérieuse ». Sa quête personnelle n’aurait pu atteindre les résultats obtenus, s’empresse-t-il d’ajouter, sans la lecture des « maudits », « de ceux qui troublent le sommeil des consciences »2. De son côté, révoltée et rebelle, désormais entrée dans la traîne de la comète surréaliste par ses rapports avec Soupault, Breton, Fraenkel, Nelly Kaplan se devait de croiser aussi le «maudit» André Masson. À cette époque, le peintre aimait se définir le « rebelle », le « vagabond », l’« insurgé » du surréalisme, tout en affirmant sa fidélité à l’esprit « de la première heure » du mouvement ; esprit partagé avec Artaud et Leiris lorsqu’en 1924 est fondé le « Bureau des recherches surréalistes ». Il fait allusion à l’« état de fureur » qui avait inspiré les premiers numéros de La Révolution surréaliste auxquels Masson contribua soit en participant à la rédaction des manifestes, soit par des dessins dont le trait personnel anticipe les points forts de l’esthétique surréaliste : automatisme et onirisme. Les avatars de la politique qui déchirent le groupe, des divergences personnelles, l’éloignèrent du mouvement, sans entamer en rien les raisons foncières d’une quête héroïque qu’il va, à partir de 1928, poursuivre tout seul.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Au climat fiévreux de la première après-guerre, Masson doit l’élaboration de la violence érotique et de la déflagration cosmique qui deviendra sa marque personnelle et l’amènera à la représentation épique des massacres et du sacrifice. Ses premiers dessins et aquarelles érotiques datent en effet, de 1919-1921, empreints d’une force subversive qui rapproche son univers de celui de Rimbaud et Lautréamont, de Sade, Blake, Novalis. Ses lectures de Nietzsche et Dostoïevski - auteurs, à sa grande surprise, détestés de Breton -, ainsi que sa fascination pour les mystiques de toutes époques et de tous pays, ses méditations sur les philosophes présocratiques et les grands occultistes tels Paracelse et Raymond Lulle, nourrissent un imaginaire où se mêlent des éléments extra-naturels et extra-humains désignant les forces obscures qui imprègnent l’univers. Sa double nature de poète et de peintre le destine à entretenir avec les poètes des relations d’échange fertile : « J’accepte – dit-il à Jean-Paul Clébert – que des souvenirs disons littéraires aient autant d’influence sur moi que la vue d’une fleur, d’une femme nue. Non seulement je l’accepte mais je le sollicite »3.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Le dialogue qui, dans un tout autre contexte historique, s’instaure entre Masson et Kaplan tire son origine de la solidarité élective qui porte deux artistes à se reconnaître mutuellement. Limbour, Leiris, Artaud, Tual, Aragon, Éluard, Bataille, Breton, Sartre ont donné maints témoignages de cette perméabilité qui peut se transformer en communion incandescente : citons les épisodes exemplaires où l’étroite collaboration de Masson avec Bataille, en 1936, et avec Breton, en 1941, oblige le peintre à doubler sa création figurale du verbe poétique. En compagnie de Bataille, eut lieu une ascension à l’abbaye de Montserrat, à l’origine d’un texte où, sous le titre unique de Montserrat, paraissent des fragments oraculaires de Bataille (repris dans son roman Le Bleu du ciel et dans L’Expérience intérieure) ainsi qu’un poème de Masson : « Du haut de Montserrat ». L’expérience de l’extase « religieuse » connue devant le paysage incandescent du Montserrat sera destinée à charger d’un sens nouveau les thèmes depuis toujours présents dans l’univers de Masson : représentation du délire cosmique, de la violence des quatre éléments primordiaux, du ciel perçu comme un abîme, « le vertige du haut en même temps que le vertige du bas ». Dans son poème paru dans Minotaure (n°8, juin 1936), Masson se fait l’écho sonore du verbe oraculaire d’Héraclite, de Paracelse, de Zarathoustra, une triade depuis toujours présente dans sa constellation symbolique.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>De même, le séjour avec Breton à la Martinique, en 1941, signe une étape également privilégiée de la vie et de la création de Masson dont Martinique charmeuse de serpents est le témoignage. L’abolition identitaire des interlocuteurs du Dialogue créole qui ouvre le texte géminé dont le titre est emprunté à la célèbre toile du Douanier Rousseau, scelle un état d’exaltation réciproque qui s’exprime par l’unité des voix des deux créateurs. L’effervescente production figurale de l’artiste se double de l’écriture du poète : son poème Antille, paraîtra à l’ouverture de Martinique charmeuse de serpents, en 1948.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Les deux exemples que l’on vient de citer représentent la pointe extrême d’une familiarité de Masson avec des poètes : l’illustration de leurs livres a toujours été une pratique privilégiée4. D’Artaud à Butor, de Leiris à Malraux, de Breton jusqu’à Belen-Nelly Kaplan, on constate l’ampleur et l’unité intellectuelle de ses intérêts (…)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> Déjà, dans sa co-présentation de la première édition de 1966, Mandiargues faisait remarquer que sous un pseudonyme solaire Kaplan « brandit le drapeau noir ». Cette bannière de transgression et de scandale place d’emblée Kaplan dans la lignée des « Grands Éveilleurs »5 Bataille et Masson qui ont mis au centre de leurs investigations un érotisme déstabilisant, au ton nouveau. Ce qui attire Kaplan vers Masson, qu’elle connut dans son atelier par l’entremise de Soupault, c’est l’approche passionnelle de l’érotisme tellurique du peintre. En 1965, Kaplan réalise un court-métrage sur les dessins érotiques de Masson. Le film n’a aucun commentaire vocal, seule l’accompagne la musique originale de Bernard Gérard. Le générique qui annonce les dessins tirés de carnets secrets de Masson, est dû au peintre lui-même. Le dialogue entre les deux créateurs va commencer, renouvelant la collaboration élective du peintre avec Bataille et Breton. Création d’un poème à deux voix où le travail de la cinéaste pénètre avec force et tendresse dans les replis les plus secrets d’un érotisme édénique susceptible d’entraîner une tempête de forces incontrôlées.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>À la source, la femme aimée : le titre du film reproduit les vers de Masson, commentaire de son obsédante Mythologie de la nature (1936-1938) : « À la source, la femme aimée/À la fois le piège et la proie. » Un ensemble de petits textes aphoristiques suivent, dont le ton inspiré confère à l’érotisme des dessins la nuance de sacré qui leur est intrinsèque. C’est la vision de la femme où l’imaginaire du peintre-poète et de l’écrivain-artiste se rencontrent, vision tout à fait étrangère à l’idéalisation surréaliste : « Loin des désuètes bergerades / Surréaliste ! Invente un geste nouveau. / Toutes choses, et jusqu’au mobilier / vont se joindre au “Vertiges d’Éros” ». Quelques années plus tard, dans ses entretiens avec Clébert (1971), Masson confirme sa vision de la femme comme un tout où la vie et la mort se rencontrent : « […] Quant à la femme, elle est salvatrice et elle est piège, la femme est l’essentiel, c’est-à-dire que représentant la vie, elle représente forcément la mort, aussi. » D’après ses lectures de Bachofen, Masson rappelle que, chez les Grecs, le Sphinx est « la dernière hantise du matriarcat, la peur », et il ne pouvait manquer de citer les tableaux de Gustave Moreau6. Évocation révélatrice. Une Sphinx ouvre la série des illustrations que Masson crée pour Le Réservoir de Kaplan : hommage métonymique « au magicien Moreau » en même temps qu’à la « prêtresse » Kaplan ? (…)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Envoyant ses dessins à Kaplan, le peintre les accompagne d’une lettre7 où il s’étonne « d’avoir composé [l]es dessins les plus surréalistes que j’aie faits depuis l’époque « primitive » de ce mouvement ». S’ils sont marqués par la même « ligne errante »8, entrecoupée des signes géométriques des années 1924-1925, on y remarque aussi le mouvement dionysiaque et frénétique de l’époque trouble d’Acéphale. Les dessins du Réservoir dialoguent avec l’écriture de Kaplan. Sur le même plan intellectuel de révolte iconoclaste ayant pour cible la tabula rasa des valeurs conventionnelles ; mais si l’écriture de Kaplan connaît parfois l’échappée du divertissement ironique, les dessins de Masson suivent ici un tracé noir et terrible, sans aucun aperçu de bonheur.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>1. La terminologie de Bataille nous paraît parfaitement s’adapter à la personnalité de Nelly Kaplan.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>2. Cf. Cleto Poncina, « André Masson par André Masson », in : André Masson, 1941-1945, Leader / Cataloghi, Rome, Galleria Due CI, novembre-décembre 1983. Cette interview a été reproduite dans le catalogue André Masson, Nîmes, été 1985.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>3. Jean-Paul Clébert, Mythologie d’André Masson, Genève, Pierre Cailler, 1971, p.58.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>4. Françoise Will-Levaillant a dressé une liste de livres illustrés par Masson, de 1924 à Février 1972, comprenant 117 titres.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>5. Masson emploie cette dénomination à propos de Nietzsche, « le Grand Éveilleur, celui qui empêche de dormir, tel un volcan », in : André Masson, Entretiens avec Georges Charbonnier, préface de Georges Limbour, Julliard, Coll. « Les Lettres Nouvelles », 1958, p.36.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>6. Jean-Paul Clébert, op.cit., p.39.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>7. Reproduite dans Denys-Louis Colaux, Nelly Kaplan. Portrait d’une flibustière, op.cit., p.127</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>8. Définition de Gertrude Stein citée par Leiris. Cf. Michel Leiris et Georges Limbour, André Masson et son univers, Genève-Paris, Éd. Des Trois Collines, 1947, p.172.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre2>PORTRAIT DE NELLY KAPLAN</span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Soustitre>Par Abel Gance</span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><span class=Texte>21 juin 1955</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>A – Intelligence incomparable – d’une acuité et d’une rapidité électronique au service d’une sensibilité d’avertie – d’une qualité transcendantale – Contrôle constant de l’intuition – Esprit analytique et synthétique sans faille – Ambition et orgueil illimités mais dominés par une pudeur constamment émouvante – Expose difficilement ses diamants – mais cependant prête à dilapider ses trésors si un grand sentiment l’embrase dans le cas où il lui apparaîtrait que ses diamants ne sont pas estimés à leur valeur.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Une subtilité psychologique inouïe lui permettant d’être toujours au-dessus de n’importe quel interlocuteur – aucune nuance fussent-elles les plus cachées – ne lui échappant – Déshabillant en éclair cœur – corps – et esprit de n’importe quel homme avec une jauge à peu près infaillible.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>B – Nature impériale faite pour dominer – Amoralisme de haut lignage par-delà le bien et le mal – À la fois hermine et panthère noire – Propreté morale dans l’acception la plus élevée – Incapable de vile transaction physique – mais coquetterie active lorsque les événements le lui dictent.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Noble – entière – farouche – tendresse énorme mais dissimulée – distinction. Ne sait pas se pencher – mais sait se donner. Peut se reprendre sans plainte. Érotisme complexe qui n’a pas encore trouvé sa nourriture et qui la consume subconsciemment. Royale en toutes choses – ne peut que diriger les orchestres de la vie sans jamais laisser jouer sur elle-même le plus habile.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>C – Sens critique, esthétique et plastique subjectifs et objectifs quasi infaillibles. Recherche du bizarre – de l’insolite – du « jamais vu » - Ambitions artistiques et sociales illimitées.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Toutes ces qualités ne sont rien à côté de la singulière énigme radio active de cette nature « unique » dont je parlerai par ailleurs.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p align=center class=MsoNormal><strong><span class=Texte>Cythère Films</span></strong></p><strong><span class=Texte> </span></strong><p align=center class=MsoNormal><strong><span class=Texte>Filmographie de Nelly Kaplan et Claude Makovski</span></strong></p><span class=Texte> </span><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><strong><span class=Texte>Films documentaires de Nelly Kaplan</span></strong></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Gustave Moreau (1961), 22 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Jean Ledrut</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Lolleh Bellon, André Breton, Jean Martin et José Squinquel</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Festival de Berlin)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Rodolphe Bresdin (1962), 17 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : Arcady</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Michel Magne</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Michel Bouquet</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Festival de Cannes)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Abel Gance, hier et demain (1963), 28 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : Nelly Kaplan, Giovanni Ciarlo, Arcady</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Michel Magne</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Abel Gance</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Festival de Venise)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>À la source, la femme aimée (1965), 9 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Bernard Gérard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte d’André Masson</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(New York Film Festival)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Dessins et Merveilles (1966), 12 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte de Gaëtan Picon dit par Claude Makovski</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>La Nouvelle Orangerie (1966), 8 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Les Années 25 (1966), 10 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Chansons de Ricet-Barrier</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(London Film Festival)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Le Regard Picasso (1967), 52 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : François Bogard</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Partition sonore : Michel Fano</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Variation de Beethoven sur un thème de Diabelli</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Texte dit par Jacques Paoli</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Lion d’argent au Festival de Venise 1967)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Abel Gance et son Napoléon (1984), 60 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc., réal. et mont. : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Prises de vue : Jean Monsigny</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Betty Willemetz et Hubert Rostaing</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Présentation : Michel Drucker</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Avec la voix d’Abel Gance</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Sélection officielle Un certain regard, Festival de Cannes 1984)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><strong><span class=Texte>Films de fiction de Nelly Kaplan</span></strong></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>La Fiancée du pirate (1969), 1 h 47 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. Original : Nelly Kaplan et Claude Makovski</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean Badal</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Georges Mous­taki. La chanson originale Moi, je m’en balance est chantée par Barbara.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprètes : Bernadette Lafont, Georges Géret, Julien Guiomar, Jean Paredès, Claire Maurier, Francis Lax, Henry Czarniak, Jacques Marin, Claude Makovski, Louis Malle, Emilia Palacio, Pascal Mazzotti, Marcel Perés, Micha Bayard, Fernand Berset, Gilbert Géniat, Jacques Masson, Renée Duncan, Michel Constantin</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Festival de Venise 1969).</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Papa, les petits bateaux… (1971), 1 h 39 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan, Claude Makovski et René Guyonnet, librement adapté du roman de Jean Laborde Bande de Raptés.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Ricardo Aronovich</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : André Popp</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprètes : Sheila White, Michel Bouquet, Judith Magre, Michael Lonsdale, André Valardy, Pierre Mondy, Sidney Chaplin, Bernard Mousson, Catherine Allégret, Dalio, Jean Paredès, Belen, Iks Vokam, Tenno Yug, J.-C. Massoulier, Régine Deforges, J.-J. Pauvert</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Charles et Lucie (1979), 1 h 38 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan, Jean Chapot et Claude Makovski, d’après une idée originale de Jean Chapot</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Gilbert Sandoz</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Pierre Perret qui interprète également la chanson originale du film</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprètes : Ginette Garcin, Daniel Ceccaldi, Belen, Jean-Marie Proslier, Georges Claisse, Guy Grosso, Henri Tisot, Féodor Atkine, Pierre Repp, Jacques Maury, Renée Duncan, Samson Fainsilber, Robert Beauvais, Claude Makovski, Jean Chapot</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Chicago International Film Festival, 1980)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Pattes de velours (1985), 1 h 30 mn</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan et Jean Chapot</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Michel Carré</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Betty Willemetz. Chanson originale du film : Nelly Kaplan</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprète : Michel Bouquet, Pierre Arditi, Bernadette Lafont, Caroline Silhol, Roger Carel, Cécile Auclert, Yves Jouffroy, Jean Chapot, Claude Makovski, Grégorio Manzur, Guillermo Nunez</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>Plaisir d’amour (1991), 1 h 47 mn</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. : Nelly Kaplan et Jean Chapot</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean-François Robin</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Claude Bolling</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprètes : Pierre Arditi, Fran­çoise Fabian, Dominique Blanc, Cécile Sanz de Alba, Heinz Bennent, Pierre Dux, Jean-Jacques Moreau, Roger Robinel</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>(Festival de Sarasota, 1991)</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte> </span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><strong><span class=Texte>Film de fiction de Claude Makovski</span></strong></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><u><span class=Texte>L Il faut vivre dangereusement (1974), 1 h 37 mn.</span></u></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Sc. : Claude Makovski, Nelly Kaplan, Claude Veillot d’après le roman de Raymond Marlot, Les suicidés du printemps.</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Dir. De la photo : Jean Badal</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Musique : Claude Bolling</span></p><span class=Texte> </span><p class=MsoNormal><span class=Texte>Interprètes : Annie Girardot, Claude Brasseur, Sydne Rome, Hans Christian Blech, Roger Blin, Daniel Ivernel, Gérard Sety, Roland Lesaffre, Muni, Karin Albin, Jeanik Ducot, Bouboule, Jacques Rispal, Samson Fainsilber, Mylène Demongeot.</span></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/1/3/17813-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => array:1 [ …1] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" 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capitale de l’histoire de la musique occidentale, ce cours vidéo réalisé par la musi cologue Constance Frei, convient tant aux violonistes qu’aux passionnés de l’histoire de la musique classique, car dévoile les processus historiques et musicologiques qui ont fait du violon l’instrument soliste par excellence. <br /><strong>Patrick FRÉMEAUX</strong><br />Constance Frei, musicologue à l’Université de Genève, violoniste et documentariste propose un cours vidéo en 3 heures sur le violon en Italie au XVIIè siècle. <br />Un programme sous forme de carte interactive permet de naviguer à l’intérieur de ce passionnant corpus didactique divisé en 6 parties, elles-mêmes regroupant plusieurs chapitres.<br />Ce DVD regroupe analyses historiques et musicologiques, pratiques d’exécutions musicales, études de lutherie, de partitions, entretiens et concert. <br />A noter la participation de Stefano Montanari, violoniste virtuose, chef d’orchestre de nombreux opéras à la Fenice de Venise et l’Opéra de 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FRÉMEAUX </strong><br /><em>Constance Frei, a musicologist at the University of Geneva and herself a violinist and documentary-maker, has provided us with a three-hour video-class on the violin in 17th century Italy. </em><br /><em>Her programme takes the form of an interactive chart allowing us to navigate through an absorbing didactic work divided into six parts, each subdivided into different chapters. </em><br /><em>This DVD groups together historical and musicological analyses, musical performance-practises, studies related to instrument-making, various scores, interviews and concerts. 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Un document exceptionnel, à la fois exigeant et accessible, qui, à travers l’étude et la restitution de partitions oubliées, la mise à disposition de documents inédits, et les formidables interprétations de Stefano Montanari, permet de redécouvrir le langage violonistique baroque. Remarquable mise en lumière d’une période capitale de l’histoire de la musique occidentale, ce cours vidéo réalisé par la musicologue Constance Frei, convient tant aux violonistes qu’aux passionnés de l’histoire de la musique classique, car dévoile les processus historiques et musicologiques qui ont fait du violon l’instrument soliste par excellence. <strong><br />Patrick FRÉMEAUX</strong></span><br /><span class=Texte>« Qui penserait que pour construire un violon, </span><span class=Texte>il faut d’abord tracer deux pentagones dans un cercle ? » </span><br /><strong><span class=Texte>Stradivarius</span></strong><br /><span class=Soustitre2>La main droite du violoniste</span><br /><span class=Texte>Depuis 2001 mon travail de musicologue m’a conduit à l’étude de l’histoire du violon en Italie au XVIIe siècle : plus précisément sur un aspect spécifique de la pratique de l’instrument. Celle qui concerne la main droite du violoniste, celle qui manie l’archet. L’archet du violoniste est son moyen d’expression, c’est avec lui qu’il parle, raconte, récite, prononce…</span><br /><span class=Texte>Ce documentaire de trois heures à la découverte des inventions les plus extravagantes, capricieuses et singulières de la pratique violonistique italienne présente de nombreuses œuvres de compositeurs célèbres comme Biagio Marini, Marco Uccellini, Arcangelo Corelli : et pour la première fois de nombreux extraits du répertoire violonistique d’auteurs peu connus comme Tomaso Pegolotti, Ipolito Boccaletti, Giuseppe Colombi, Bartolomeo Montalbano et bien d’autres. Ces trésors du répertoire baroque italien sont restitués à travers les multiples inflexions de l’archet luxuriant du violoniste Stefano Montanari, atteignant un équilibre idéal entre l’écrit et l’art éphémère de l’improvisation inhérent au langage violonistique de l’époque.</span><br /><span class=Texte>Divisé en six parties – chacune comportant plusieurs chapitres – ce documentaire délivre une quantité inouïe d’informations nouvelles, fruit de nombreuses années de recherches dans différentes bibliothèques d’Italie et d’Europe. Des reproductions de documents originaux et rares (souvent des unica), divers interviews de spécialistes, des descriptions extraites d’ouvrages théoriques, ainsi que des photographies de tableaux et de fresques illustrant les différentes formes et tenues de l’archet offrent au musicien une grande richesse de connaissances qui lui permettront d’aborder avec lucidité l’ensemble du répertoire italien du 17e siècle.</span><br /><span class=Texte>La première partie, intitulée<strong> introduction</strong>, présente les quatre lieux de tournage bolonais, à savoir : l’église de San Michele in Bosco, l’Accademia Filarmonica, l’Oratorio della Vita et enfin la bibliothèque du Père Martini. Pourquoi Bologne ? Au 17e siècle, la cité de San Petronio est témoin d’une vie musicale intense : elle accueille de nombreux compositeurs et violonistes. C’est dans cette ville qu’un siècle plus tard, le Père Giovanni Battista Martini réunit une des plus grandes collections au monde de partitions des 16e et 17e siècles. Un trésor inestimable qui recèle encore aujourd’hui la majeure partie du répertoire imprimé pour violon du 17e siècle.</span><br /><span class=Texte>La deuxième partie propose une brève<strong> histoire,</strong> divisée en quatre chapitres, abordant les questions concernant la fabrication du violon et de son archet, ainsi que leurs caractéristiques et propriétés en rapport au violon « moderne », les limites et possibilités techniques de la typographie à caractères mobiles – moyen d’impression le plus usité au 17e siècle – et tout ce qui touche à l’improvisation ou l’arte di passeggiare e diminuire.</span><br /><span class=Texte>S’ensuit un <strong>concert</strong> d’une durée de 40 minutes présentant une dizaine de pièces organisées chronologiquement, de 1610 à 1700. Le musicien peut ainsi observer les différentes pratiques d’exécution et s’imprégner du style, avant d’aborder la suite du documentaire dédiée à l’ensemble des aspects techniques.</span><br /><span class=Texte>Les trois sections suivantes sont consacrées respectivement à l’<strong>articulation,</strong> à <strong>l’ornementation</strong> et aux <strong>autres pratiques d’exécutio</strong>n. On y découvre tous les secrets de l’art de l’archet à travers les différents chapitres consacrés aux Legato, Portato, Sciolto, Spiccato, Staccato – sans oublier le demi-cercle, un symbole d’articulation jusqu’ici ignoré – Tremolo, Affetti, Puntato, Groppo, Trillo, Ribattuta, Scordatura, polyphonie, dynamique et, pour terminer, les incontournables imitations. 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Articulation et Ornementation : les différentes pratiques d’exécution pour violon en Italie au XVIIe siècle (Lucca, LIM 2011, 658 pages, www.lim.it).</span><br /><span class=Texte>Avec le généreux soutien du<strong> Museo Internazionale</strong> e <strong>Biblioteca della Musica</strong> </span><span class=Texte>de Bologne et la <strong>Biblioteca Estense Universitaria </strong>de Modène.</span><br /><span class=Soustitre2>The Violinist’s Right Hand</span><br /><span class=Texte>Since 2001,my musicological work led me to study the history of the violin in Italy in the 17th century, focusing on its performance practice. In particular on that of the right hand, entrusted with handling the bow, which is the means of expression for violinists: it is through the bow that they speak, relate, act, pronounce…</span><br /><span class=Texte>This documentary, whose duration is 180 minutes, presents the outcome of my investigation, and leads musicians and music lovers into the discovery of the oddities, the peculiarities, and the most bizarre inventions in the field of Italian violin practice: great numbers of them appear in the works of well-known composers such as Biagio Marini, Marco Uccellini,and Arcangelo Corelli. Moreover, I present, for the first time, some specimens of the violin creativeness of little-known composers such as Tomaso Pegolotti, Ipolito Boccaletti, GiuseppeColombi, Bartolomeo Montalbano, and several others. The precious treasures of the Italian baroque repertoire are revived, thanks to the kaleidoscopic inflections of the luxuriant bow of the violinistStefano Montanari, who is able to achieve an ideal balance between what has been fixed on the score and the sound obtained from it through the fleeting art of improvisation that underlies the violin language of that period.</span><br /><span class=Texte>The documentary, which is divided into six sections, each formed of several chapters, offers aconsiderable quantity of new information, acquired in years of research in various libraries. It gives musicians a wealth of data that can guide them in the Italian 17th century repertoire: documents that are original, rare (in many cases actually unique specimens), interviews with specialists, citations from theoretic works, and reproductions of paintings and frescoes that show the various forms of bows and the ways in which they were held.</span><br /><span class=Texte>The first part is an<strong> introduction,</strong> and shows the four places of Bologna where the documentary has been made : the basilica of San Michele in Bosco, the Accademia Filarmonica, the Oratorio della Vita, and FatherGiovanni Battista Martini’s library. Why Bologna? Because in the 17th century this city was characterised by an intense musical life, and accommodated a great number of composers and violinists. And also because in Bologna Martini assembled one of the most important collections in the world of 16th- and 17th century scores, a treasure that includes most of the sources of violin music printed in the 17th century.</span><br /><span class=Texte>The second part contains a concise history, andisdivided into four chapters, in which the various aspects of the construction of a violin and its bow are elucidated, and their peculiarities in comparison with the “modern” violin are analysed. Moreover this part explores the resources, and also the technical limitations, of movable-type printing, which was in use in the 17th century, and the topics relevant to improvisation or arte di passeggiare e diminuire.</span><br /><span class=Texte>This is followed by a 40-minute<strong> concert </strong>that proposes about ten pieces in chronological order, from 1610 to 1700: they make it possible to understand the various performance practices and to absorb their style, before proceeding to the analysis of the technical aspects that is contained in the second half of the documentary.</span><br /><span class=Texte>The three subsequent sections deal respectively with<strong> articulation, ornamentation</strong> and other<strong> performance practices</strong>. In their various chaptersthey disclose the secrets of the bow: Legato, Portato, Sciolto, Spiccato, Staccato-includingSemicerchio(semicircle), an articulation symbol unknown until now-Tremolo, Affetti, Puntato, Groppo, Trillo, Ribattuta, Scordatura, polyphony, dynamics, and lastly, the many-sided “imitations”. This part, whose duration is approximately 90 minutes, delves into the secrets of 17th century Italian violin technique, exploring all their aspects through a comparison between the sources (i.e. scores and treatises) and translating them into sounds, by means of a great number of examples drawn from the last pieces of evidence of a repertoire that was practised almost four hundred years ago.</span><br /><span class=Texte><strong>Constance Frei</strong> (Trad<strong>. Marta Innocenti</strong>)</span><br /><span class=Texte>The fruits of the long years of research that produced this documentary are published in the book ConstanceFrei,L’Arco Sonoro. Articulation et Ornementation: les différentes pratiques d’exécution pour violon en Italie au XVIIe siècle (Lucca, LIM 2011, 658pp.,www.lim.it).</span><br /><span class=Texte>With the generous support of the<strong> Museo Internazionale</strong> e <strong>Biblioteca della Musica</strong> </span><span class=Texte>of Bologna and the<strong> Biblioteca Estense Universitaria</strong> of Modena.</span><br /><span class=Soustitre2>La mano destra del violinista<br /></span><span class=Texte>Sin dal 2001, il mio lavoro musicologico mi ha condotto allo studio della storia del violino in Italia nel XVII secolo, approfondendone la prassi esecutiva. In particolare quella legata alla mano destra, cui spetta l’uso dell’arco che è il tramite espressivo del violinista: è con quello che egli parla, racconta, recita, pronuncia… </span><br /><span class=Texte>Il presente documentario, della durata di 180 min., presenta l’esito della mia indagine, guidando il musicista e il musicofilo alla scoperta delle più stravaganti invenzioni, bizzarrie e peculiarità della pratica violinistica italiana di cui abbondano le opere di celebri compositori tra i quali Biagio Marini, Marco Uccellini e Arcangelo Corelli. Inoltre, per la prima volta, vengono offerti saggi della creatività violinistica di autori poco noti come ad esempio Tomaso Pegolotti, Ipolito Boccaletti, Giuseppe Colombi, Bartolomeo Montalbano e tanti altri. I preziosi tesori del repertorio barocco italiano sono restituiti grazie alle caleidoscopiche inflessioni del lussureggiante archetto del violinista Stefano Montanari, capace di raggiungere un equilibrio ideale tra ciò che è fissato sulla pagina e quello che da essa si traduce in suono mediante l’arte effimera dell’improvvisazione sottesa al linguaggio violinistico dell’epoca.</span><br /><span class=Texte>Diviso in sei sezioni - ognuna delle quali articolata in vari capitoli - questo documentario rivela una considerevole quantità di informazioni inedite, derivate da anni di ricerche nelle varie biblioteche, fornendo al musicista una dovizia di informazioni utili a guidarlo nel repertorio italiano del XVII secolo: documenti originali e rari (sovente veri e propri unica), interviste a specialisti, citazioni da opere teoriche, riproduzioni di quadri e di affreschi che illustrano le differenti forme di archetto e la loro tenuta.</span><br /><span class=Texte>La prima parte, intitolata <strong>Introduzione, </strong>presenta i quattro luoghi di Bologna ove è stato realizzato: la basilica di San Michele in Bosco, l’Accademia Filarmonica, l’Oratorio della Vita ed infine la Biblioteca di Padre Giovanni Battista Martini. Perchè Bologna? Perché nel XVII secolo, la città petroniana fu testimone di un’intensa vita musicale accogliendo numerosi compositori e violinisti. Ed inoltre, perchè a Bologna Martini realizzerà una delle più importanti collezioni al mondo di partiture del XVI e del XVII secolo, un tesoro che accoglie la più parte delle fonti della musica violinistica stampata nel Seicento.</span><br /><span class=Texte>La seconda parte propone una breve Storia articolata in quattro capitoli nei quali vengono esposti i vari aspetti della costruzione del violino e del suo archetto, analizzandone le peculiarità in relazione al violino «moderno». Sono inoltre esplorate le risorse, ma anche i limiti tecnici, della tipografia a caratteri mobili - metodo di stampa in uso nel XVII secolo - e quanto concerne l’improvvisazione o l’arte di passeggiare e diminuire.</span><br /><span class=Texte>Segue un<strong> Concerto </strong>di 40 min. che propone una decina di brani ordinati cronologicamente, dal 1610 al 1700, coi quali si possono comprendere le differenti prassi esecutive e assimilarne lo stile, prima di procedere all’analisi degli aspetti tecnici contenuta nella seconda metà del documentario.</span><br /><span class=Texte>Le tre successive sezioni sono rispettivamente dedicate all’Articolazione, all’<strong>Ornamentazione</strong> e alle <strong>altre pratiche esecutive</strong>. Vi sono svelati i segreti dell’arte dell’archetto nei diversi capitoli: Legato, Portato, Sciolto, Spiccato, Staccato - senza trascurare il Semicerchio, simbolo d’articolazione sino ad oggi ignorato - Tremolo, Affetti, Puntato, Groppo, Trillo, Ribattuta, Scordatura, polifonia, dinamica e, per finire, le multiformi «imitazioni». Questa parte, della durata di ca. 90 min., approfondisce i segreti della tecnica violinistica italiana del XVII secolo, esplorandone ogni aspetto grazie al confronto delle fonti (partiture e trattati) e fornendone la traduzione sonora con numerosi esempi tratti dalle ultime testimonianze di un repertorio praticato quasi quattrocento anni fa. </span><br /><span class=Texte><strong>Constance Frei </strong>(Trad.<strong> Andrea Macinant</strong>i)</span><br /><p align=justify><span class=Texte>I frutti dei lunghi anni di ricerca da cui è nato questo documentario sono editi nel libro: Constance Frei, L’Arco Sonoro. Articulation et Ornementation : les différentes pratiques d’exécution pour violon en Italie au XVIIe siècle (Lucca, LIM 2011, 658pp., www.lim.it).</span><br /><span class=Texte>Con il generoso sostegno del <strong>Museo Internazionale</strong> e <strong>Biblioteca della Musica </strong>di Bologna e della <strong>Biblioteca Estense Universitaria</strong> di Modena.</span><br /></p><br /><span class=Texte>Constance Frei, musicologue à l’Université de Genève, violoniste et documentariste propose un cours vidéo en 3 heures sur le violon en Italie au XVIIe siècle. Un programme sous forme de carte interactive permet de naviguer à l’intérieur de ce passionnant corpus didactique divisé en 6 parties, elles-mêmes regroupant plusieurs chapitres. Ce DVD regroupe analyses historiques et musicologiques, pratiques d’exécutions musicales, études de lutherie, de partitions, entretiens et concert. A noter la participation de Stefano Montanari, violoniste virtuose, chef d’orchestre de nombreux opéras à la Fenice de Venise et l’Opéra de Lyon, et grand spécialiste du violon baroque. </span><br /><strong><span class=Texte>Augustin BONDOUX</span></strong><br /><span class=Texte>The emergence of the violin in Italy is treated here for the first time in a three-hour video-class gathering numerous audiovisual documents in order to retrace the history of this emblematic instrument in 17th century classical music. The result is an exceptional document, both demanding and accessible, which allows us to rediscover the baroque language of the violin through the study and restoration of forgotten scores, previously-unpublished documents, and the wonderful performances of Stefano Montanari. This wonderful video-class put together by musicologist Constance Frei throws new light on a capital period in western music, and deserves attention from both violinists and lovers of classical music-history: it reveals all the historical and musicol-ogical processes which have made the violin the solo instrument par excellence. <br /><strong>Patrick FRÉMEAUX</strong></span><br /><span class=Texte>Constance Frei, a musicologist at the University of Geneva and herself a violinist and documentary-maker, has provided us with a three-hour video-class on the violin in 17th century Italy. Her programme takes the form of an interactive chart allowing us to navigate through an absorbing didactic work divided into six parts, each subdivided into different chapters. This DVD groups together historical and musicological analyses, musical performance-practises, studies related to instrument-making, various scores, interviews and concerts. The DVD also features the participation of Stefano Montanari, a violin virtuoso who has conducted numerous operas at the Teatro La Fenice in Venice and at the Opera in Lyon; he is a renowned baroque violin expert. <br /><strong>Augustin BONDOUX</strong></span><br /></p> <p class=MsoNormal><span class=Source>DVD Le Violon en Italie, Constance Frei © Frémeaux & Associés 2014.</span><br /></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/1/1/17811-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => [] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#718 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#736 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 6 => ProductListingLazyArray {#726 -imageRetriever: ImageRetriever {#734 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#732} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#414} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#413 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5391" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302402482" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "25,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4024" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1852" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "321" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p align=left>Portraits croisés d’artistes libres qui perpétuent l’héritage tutélaire de Django Reinhardt, succès de la critique et du public lors de sa sortie en salle en octobre 2012, ce film est le documentaire de référence sur le jazz manouche. <br />Le réalisateur Bruno Le Jean, a suivi pendant huit ans les guitaristes Angelo Debarre, Moreno, Ninine Garcia et Tchavolo Schmitt. De cette musique du quotidien, transmise oralement de génération en génération, qui fédère cette grande famille, qu’elle soit gitane, manouche ou tzigane, aux carnets de circulation et l’expulsion des Roms, le film aborde tous ces thèmes avec humanisme, poésie et réalisme. <br />Ces fils du vent sont des passeurs qui transmettent le trésor et la richesse d’une communauté dont l’apport à la culture occidentale, et notamment au jazz, est déterminant. <br /><strong>Patrick FRÉMEAUX </strong><br />« C’est Noël et j’ai des cadeaux. Tout d’abord j’ai les Fils du vent, si vous aimez le jazz manouche c’est très très bien ! 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His film portrays everyday music handed down orally from one generation to the next — from the federating of gypsies, Romanies and Tziganes into one great family, to the permits and expulsion of Roms — and treats all those themes with humanity, poetry and realism.<br />The «Sons of the Wind» in the film’s title are passers — go-betweens conveying the rich treasures of this community — yet their contribution to western culture, especially jazz, is decisive. </em><br />Patrick FRÉMEAUX<br />UN FILM DE BRUNO LE JEAN<br />PRODUCTION : LES FILMS DU VEYRIER LICENCIE A FRÉMEAUX & ASSOCIÉS TÉLÉVISIONS (DVD JAZZ MANOUCHE)<br />AVEC ANGELO DEBARRE, MORENO, NININE GARCIA ET TCHAVOLO SCHMITT<br />NTSC - 1 H 36 - COMPATIBLE MONDE - DROITS FRANCE - 4/3 - TOUT PUBLIC - FRANÇAIS VO / ANGLAIS AMOVIBLE.<br /></p></p><br><br>" "description_short" => "<h3>ANGELO DEBARRE, MORENO, NININE GARCIA ET TCHAVOLO SCHMITT</h3>" "link_rewrite" => "les-fils-du-vent-un-film-de-bruno-le-jean-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Les Fils Du Vent, Un Film de Bruno Le Jean – DVD" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1852 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5391-17809" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5391&rewrite=les-fils-du-vent-un-film-de-bruno-le-jean-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:3 [ …3] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>Les Fils du Vent FA4024</h3><p><span class=Soustitre2>Les Fils du vent</span><br /><span class=Soustitre2>Un film de Bruno Le Jean</span><br /><span class=Soustitre>Les Films du Veyrier<br />Frémeaux & Associés Télévisions</span><br /><span class=Texte><br />« Le swing de Django souffle sur leurs guitares.» <br />TSF Jazz<br />«?Loin des clichés, “Les fils du vent” donnent une belle leçon d’humanité.?» <br />LES ÉCHOS<br />«?Un film militant, qui excède le cadre du documentaire musical.?» <br />LE MONDE</span><br /><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>Portraits croisés d’artistes libres qui perpétuent l’héritage tutélaire de Django Reinhardt, succès de la critique et du public lors de sa sortie en salle en octobre 2012, ce film est le documentaire de référence sur le jazz manouche. Le réalisateur Bruno Le Jean, a suivi pendant huit ans les guitaristes Angelo Debarre, Moreno, Ninine Garcia et Tchavolo Schmitt. De cette musique du quotidien, transmise oralement de génération en génération, qui fédère cette grande famille, qu’elle soit gitane, manouche ou tzigane, aux carnets de circulation et l’expulsion des Roms, le film aborde tous ces thèmes avec humanisme, poésie et réalisme. Ces fils du vent sont des passeurs qui transmettent le trésor et la richesse d’une communauté dont l’apport à la culture occidentale et notamment au jazz est déterminant. <br /></span></p><p align=justify><strong><span class=Texte>Patrick FRÉMEAUX</span></strong></p><p align=justify> </p><p align=justify><span class=Texte>This film is a landmark in gypsy jazz with its portraits of artists freely perpetuating the venerable legacy of Django Reinhardt. It was praised by critics and public alike when it was released to cinemas in October 2012, after its director Bruno Le Jean had spent eight years filming the guitarists Angelo Debarre, Moreno, Ninine Garcia and Tchavolo Schmitt. His film portrays everyday music handed down orally from one generation to the next — from the federating of gypsies, Romanies and Tziganes into one great family, to the permits and expulsion of Roms — and treats all those themes with humanity, poetry and realism. The «Sons of the Wind» in the film’s title are passers — go-betweens conveying the rich treasures of this community — yet their contribution to western culture, especially jazz, is decisive. </span> <br /><strong><span class=Texte>Patrick FRÉMEAUX</span></strong></p><p><br /><span class=Texte>Les Films du Veyrier - Frémeaux & Associés présentent LES FILS DU VENT<br />Ninine Garcia <br />Tchavolo Schmitt <br />Angelo Debarre <br />Moreno <br />L’homme à la moto : Kroterz <br />Réalisateur : Bruno Le Jean <br />Image : Bruno Romiguière <br />Son : Didier Codoul <br />Montage : Ange-Marie Revel <br />Mixage : Jean Holtzmann <br />Directeur de production : Rauridh Laing <br />Producteurs : Pascal Metge et Bruno Berthemy <br />Producteurs associés : Michel Muller et Jean Holtzmann<br />Direction de Frémeaux & Associés Télévisions : Patrick Frémeaux et Claude Colombini<br />Éditorialisation : Augustin Bondoux et Benjamin Goldenstein<br /></span></p><p align=justify><p align=justify><span class=Texte>Frémeaux & Associés Télévisions est la filiale audiovisuelle de Frémeaux & Associés dédiée à la mise à disposition du public d’œuvres vidéographiques et cinématographiques à caractère patrimonial. Conformément à sa politique d’éditeur indépendant du patrimoine, et à l’inverse de l’industrie culturelle, Frémeaux & Associés se refuse au déréférencement rapide et entend promouvoir une volonté muséographique pérenne. preprod.fremeaux.com</span><br /><span class=Texte>P 2012 Les Films du Veyrier</span></p></p><p><span class=Source>© 2013 Frémeaux & Associés Télévisions - Les Films du Veyrier</span><br /><span class=Texte>Une production Les Films du Veyrier en coproduction avec Pepino Productions et Super Sonic, avec la participation de Orange Cinéma Séries, Région Alsace, Communauté urbaine de Strasbourg, <br />Centre national du cinéma et de l’image animée <br />avec le soutien de l’Acsé - Agence nationale pour la cohésion sociale et l’égalité des chances - <br />Commission Images de la Diversité et du Fonds Audiovisuel Musical du FCM</span><br /></p><p align=justify><span class=Texte>Ils s’appellent Angelo Debarre, Moreno, Ninine Garcia et Tchavolo Schmitt. Ils sont guitaristes. Ils sont Manouches. Ils jouent et perpétuent la musique de Django Reinhardt. Ils cultivent aussi un certain sens de l’humour, de l’amitié et une façon bien à eux de vivre debout. Pénétrant sur la pointe des pieds, dans leurs camps, leurs caravanes, ou leurs appartements, on découvre entre les notes et les mots, une communauté qui préserve un mode de vie authentique et singulier, un goût pour la différence, où malgré les difficultés, l’important reste le plaisir de jouer.<br /></span></p><p><br /><span class=Soustitre>LES FILS DU VENT<br />Un film de Bruno Le Jean</span><br /><span class=Soustitre>INTERVIEW DE BRUNO LE JEAN (RÉALISATEUR)</span></p><p align=justify><span class=Texte><strong>Avant de tourner ce documentaire, quel était votre intérêt pour le Jazz manouche, pour les gens du voyage ?</strong><br />Au départ, je voulais faire un film sur le Blues. Et puis un ami m’a parlé de cette musique qui le passionnait, le Jazz manouche, et qui était pour lui comme le Blues français. J’ai découvert des musiciens, jouant dans des bars avec des guitares sèches, et j’ai été impressionné par leur dextérité. J’aime vraiment la guitare ! Ajoutez à cela la fascination que j’ai depuis longtemps pour les gens du voyage, et on n’était plus très loin de l’idée du film.<br /><strong>Quelles ont été les réactions des quatre guitaristes lorsque vous les avez rencontrés pour la première fois, que vous leur avez expliqué votre projet ?</strong><br />Ils étaient assez sollicités et un peu méfiants par rapport aux gens qui voulaient les filmer. Je les ai vus chacun trois ou quatre fois et, assez rapidement, ils ont accepté car ils voyaient dans mon projet une reconnaissance. A part les longs métrages de Tony Gatlif, qui traitent de leur communauté mais qui restent des fictions, il n’y avait pas jusqu’à maintenant, au cinéma, de documentaire qui s’intéresse à ce sujet.</span></p><p><br /><strong><span class=Texte>Le film s’est-il construit au gré des entretiens avec ces musiciens et leurs familles ou aviez-vous dès le départ une ligne conductrice ?</span></strong></p><p align=justify><span class=Texte>Il y a huit ans, la première idée, c’était de faire un témoignage, un film itinérant calqué sur leur mode de vie. Je ne les connaissais pas et c’est au fil des rencontres, en découvrant ces personnages que s’est dessinée la trame. J’ai tourné 120 heures de rushes, étalées sur une période de huit ans.</span></p><p><br /><strong><span class=Texte>Votre but, à la base, était-il de rendre un hommage au génie du Jazz manouche, Django Reinhardt, à travers ces gens qui font vivre son héritage ?</span></strong></p><p align=justify><span class=Texte>Mon projet était de filmer les hommes qui véhiculent, aujourd’hui, cette musique. C’est lié, bien sûr, à Django Reinhardt, puisqu’ils le considèrent comme un dieu, un père omniprésent. Je voulais faire un film musical mais il s’est vite transformé en portrait. Le portrait de ces êtres humains que j’apprenais à connaître. Ils sont très généreux et grâce à eux, j’ai pu découvrir leur monde, leur famille. </span></p><p><br /><strong><span class=Texte>Comment avez-eu accès aux très rares images d’archive de Django Reinhardt ? Pourquoi y en a-t-il eu si peu, alors qu’il a fait énormément d’enregistrements audio ?</span></strong></p><p align=justify><span class=Texte>Je me suis aperçu que ce sont des gens difficiles à filmer car ils sont très imprévisibles, pas toujours là où on les attend. Et à l’époque, ce n’était sans doute pas si courant de faire des films sur des musiciens. Il ne reste que trois minutes d’images avec un son synchrone sur Django, auxquelles j’ai eu accès assez facilement. </span></p><p> </p><p align=justify><span class=Texte><strong>Vous laissez une large place à la musique, mais vous effleurez brièvement les problèmes rencontrés par les gens du voyage, sous le gouvernement Sarkozy. Pourquoi ce choix ? </strong><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>Ils m’en ont tous parlé, m’ont dit ce qu’ils ressentaient au fond d’eux-mêmes. C’est un sujet qui les touche profondément, même s’ils sont plus ou moins habitués à cet état de choses. J’ai aussi rencontré des militants des associations de gens du voyage. Ces évènements faisaient l’actualité quand on tournait, mais je ne voulais pas tomber dans le reportage, ni donner une tonalité trop politique. Le sujet devait rester la musique et les musiciens. <br /></span></p><p><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte><strong>Par contre, vous abordez leur mode de vie, leurs difficultés pour trouver un emplacement ou tout simplement de l’eau. D’après vous, et après ce film, quelles sont leurs attentes, leurs demandes pour pouvoir vivre en toute dignité ?</strong><br />Que les mesures, les lois qui ont été votées soient appliquées ils s’y soumettront ! Chaque commune de plus de trente mille habitants doit avoir un terrain d’accueil avec un accès à l’eau et à l’électricité. Les gens du voyage sont prêts à payer une participation mais ils ne veulent plus être rejetés, être obligés de faire du camping sauvage, être virés par la Police. Ils veulent une Carte d’Identité pour avoir une vie de citoyen, de Français normal et que soit, bien sûr, abrogé ce carnet de circulation archaïque et discriminatoire puisqu’ils sont dans l’obligation de le valider tous les trois mois !<br /></span></p><p><span class=Texte><br /><strong>La question de la sédentarisation se pose-t-elle pour certains, notamment à cause des contraintes ?</strong><br /></span></p><p align=justify><span class=Texte>C’est un sujet qui les préoccupe énormément. Tous sont convaincus de vivre les derniers instants de ce mode de vie nomade. Alors que paradoxalement, à l’heure actuelle, il y a plus de nomades dans le Monde (Afrique, Asie) que de sédentaires. Pourtant, leur vie communautaire et familiale est plus développée que la nôtre. Ils vivent tous ensemble : enfants, parents, grands-parents, tous réunis autour d’une table Nous, il n’y a que les réunions de famille qui nous rassemblent. Comme ils le disent : il y a plus d’amour chez eux. Et ils nous aiment sans doute plus qu’on peut les aimer. </span></p><p><span class=Texte><br /></span></p><p align=justify><strong><span class=Texte>La musique est leur art de vivre, mais un autre point important, sans lequel cette communauté perdrait son identité, c’est la nature et la liberté.</span></strong><br /><span class=Texte>Ils apprécient le fait de vivre à l’extérieur, avec la nature, au rythme des saisons. Malgré tous les problèmes que cela engendre, ils ne se voient pas vivre autrement. C’est peut-être une vision idéaliste, utopique de la liberté. C’est aussi un mode de vie anticapitaliste, une idée de refus de la propriété.</span></p><p><span class=Texte><br /><strong>On voit que les enfants apprennent dès l’âge de 7 ou 8 ans à jouer de la guitare en regardant leurs aînés. Cela veut-il dire que cette musique ne mourra jamais ?</strong><br />C’est vraiment une transmission orale. D’ailleurs, quand j’ai eu besoin de documents ou de photos, à une ou deux exceptions près, ils n’avaient rien à me fournir. Ce qui se comprend quand on vit dans des caravanes où il n’y a pas la place pour stocker les souvenirs. Donc, ils lèguent à leurs enfants, le soir au coin du feu, leur passion. Chez les musiciens, on devient musicien !<br /></span></p><p align=justify><strong><span class=Texte>Le Jazz manouche est revenu à la mode grâce à Sansévérino ou Thomas Dutronc. A aucun moment lors de vos interviews, ces musiciens ne sont mentionnés. Comment les considèrent-ils ?</span></strong><br /><span class=Texte>Que ce soit Angelo, Moreno, Ninine ou Tchavolo, tous respectent et reconnaissent la contribution de ces deux artistes à la popularité de leur musique, mais j’ai senti qu’ils ne voulaient pas que le propos du film soit coloré ou adouci par un effet people. J’avais ce même désir de rester authentique, au plus prés d’eux. J’avais interviewé Sansévérino et Dutronc, qui ont pris des cours avec l’un d’entre eux… mais j’ai fait le choix de ne pas monter ces images. Il n’y avait pas besoin de caution extérieure.</span><br /><strong><span class=Texte>Parlez-nous de ce Festival dédié au Jazz manouche qui a lieu tous les ans à Samois-sur-Seine.</span></strong><br /><span class=Texte>Le Festival se déroule à l’endroit où Django Reinhardt a passé les dernières heures de sa vie. Une dizaine d’années après sa mort, Babik Reinhardt a décidé de créer un Festival à la mémoire de son père. Il se déroule fin Juin, dans la nature, sur une petite île au milieu de la Seine avec une scène à ciel ouvert. Il a fêté cette année sa 33è édition. C’est un véritable succès. La preuve que cette musique vivante et gaie touche les gens, car elle est humaine, sincère et jouée par de vrais artistes.</span><br /><strong><span class=Texte>Un point important, et contrairement à ce que certains pourraient penser, tous ces gens du voyage sont fiers d’être français, malgré la non-intégration dans notre société. Pourquoi cette fierté ?</span></strong><br /><span class=Texte>Ils sont français parce qu’ils sont nés en France, parce que leur famille est là depuis des générations. Dans l’imaginaire collectif, on pense que les gitans sont des gens à part. Ce qu’il faut savoir, c’est que dans les années 1500, c’est un peuple qui a immigré de l’Inde vers l’Europe. Ceux qui sont arrivés en France y sont donc établis depuis plus de cinq siècles. Ca devrait suffire pour se sentir français, non ?</span><br /><strong><span class=Texte>Quel a été votre parcours jusqu’à ce premier long-métrage ?</span></strong><br /><span class=Texte>J’ai commencé par la radio et ensuite, j’ai occupé plusieurs postes sur des documentaires et de la fiction… qui m’ont permis de passer à la réalisation. J’ai tourné des clips (Lavilliers, Renaud), des pubs, beaucoup de sketchs (Groland, Les Guignols sur Canal+), séries et téléfilms… En fait, je voulais être musicien. J’ai toujours été fasciné par la guitare et les guitaristes (Rock, Jazz)... L’image et la musique sont très liées, pour moi. </span><br /><strong><span class=Texte>Quels sont vos projets ?</span></strong><br /><span class=Texte>J’ai un scénario de fiction, que j’ai écrit, qui est en développement. J’espère que «?Les Fils du vent?», s’il est bien reçu, m’aidera à monter ce nouveau projet. J’aimerais aussi pouvoir continuer à faire des films sur la musique. </span><br /><strong><span class=Texte>«?Les Fils du Vent?» est un appel à la tranquillité, à la paix, à la liberté. Est-ce le message que vous et ces musiciens hors pair, vouliez faire passer ?</span></strong><br /><span class=Texte>Bien sûr ! Vivons ensemble dans la tolérance, quelles que soient nos origines. Ces rencontres ont changé mon regard sur l’existence. C’est une grande leçon de vie où la haine, la méchanceté n’ont pas leur place. Je voulais aussi que le spectateur soit pris par des images simples, mais remplies de générosité, de cœur. C’est un mot très important pour eux, qui revient régulièrement. </span><br /><span class=Texte>Propos recueillis en Juin 2012 </span><span class=Texte>par <strong>Hervé MILLET</strong></span><br /><span class=Soustitre><br />Angelo Debarre</span><br /><span class=Texte>Personnage authentique, hors des normes et des modes, ANGELO parle peu. Chaque mot compte. Ou lui coûte. Une cigarette entre les doigts, il joue, comme Django, sur une vieille Macaferri.</span><br /><span class=Texte>Il est aujourd’hui l’un des héritiers de Django les plus reconnus. Sa discographie et ses collaborations sont impressionnantes?; sa notoriété l’a mené jusqu’à New York – une épreuve, pour lui qui déteste l’avion.</span><br /><span class=Texte>Pour le reste, ANGELO est ce qu’on pourrait appeler un «?pur et dur?». Très attaché aux traditions et à l’itinérance, méfiant de nature, il délimite le terrain : d’accord pour être filmé devant sa caravane, mais pas question pour l’équipe d’aller se balader dans le reste du camp. Il est aussi, quand les mots lui viennent, le plus «?politique?» et le plus revendicatif des quatre.</span><br /><span class=Texte>«?Ma mère m’a montré </span><span class=Texte>les premiers accords de guitare, j’avais 5 ans.?»</span><br /><span class=Texte>Angelo</span><br /><span class=Soustitre>Ninine Garcia</span><br /><span class=Texte>122 rue des Rosiers, Saint Ouen. À la Chope des puces, mythique café érigé en «?temple?» à Django, NININE joue inlassablement les maîtres de cérémonie. Le Jazz manouche est une affaire de famille : c’est son père, Mondine, qui fonda la Chope et l’anima pendant 30 ans et c’est aujourd’hui avec son fils, Rocky, que ce cinquantenaire à l’allure juvénile assure, chaque samedi et dimanche, la permanence de ce haut lieu du Swing.</span><br /><span class=Texte>Transmission, inscription dans la durée… Malgré cet attachement au passé, NININE est un homme ouvert. Abordable, toujours à l’écoute, le musicien donne à voir, explique : les camps entourés de barres d’immeubles, ou posés au bord de l’autoroute, les 30 ou 40 caravanes de la famille élargie, le plaisir de vivre ensemble et aussi les difficultés. Avec des mots simples et une authentique gentillesse.</span><br /><span class=Texte>«Tant que je pourrai penser </span><span class=Texte>et que mes doigts pourront bouger,</span><span class=Texte>je perpétuerai cette tradition musicale.»</span><span class=Texte> Ninine</span><br /><span class=Soustitre>Moreno</span><br /><span class=Texte>MORENO a appris la guitare comme on apprend à marcher. Chutes, rechutes… La sévérité d’Angelo, Barro et Tonino, ses frères, fut un obstacle difficile à franchir. Lors d’un festival en Allemagne, Tchavolo Schmitt l’encourage et le jeune MORENO devient soliste. La Moselle natale, Toulon, les Saintes Marie de la Mer, Paris… Au début des années 1990, il se fixe définitivement dans la capitale où il rencontre sa femme Marina, une chanteuse tsigane, avec laquelle il enregistre régulièrement des disques. MORENO vit en appartement rue Lévi, dans le 17ème arrondissement. Deux pièces spartiates, sorte de caravane immobile, réchauffées par les accords et les rires des amis qui passent.</span><br /><span class=Texte>Sédentaire, MORENO se veut «?moderne?». Il râle volontiers contre les clichés, le folklore... Une réticence d’autant plus savoureuse que l’homme, charmeur et roublard, nourrit pour les sapes et le «?style?» manouche en général un amour immodéré.</span><br /><span class=Texte>Qu’est-ce qui fait la richesse du monde ? C’est la différence entre les gens. </span><span class=Texte>C’est beau les différences, </span><span class=Texte>c’est enrichissant pour tout le monde. </span><span class=Texte>Si tout le monde était pareil, </span><span class=Texte>y’aurait quoi à apprendre </span><span class=Texte>des autres ? Rien.</span><br /><span class=Texte>Moreno</span><br /><span class=Soustitre><br />Tchavolo Schmitt</span><br /><span class=Texte>TCHAVOLO n’a jamais cherché à faire carrière. N’ayant enregistré qu’une poignée de disques, il avait pratiquement disparu des circuits professionnels quand Latcho Drom (1992) puis Swing (2002), de Tony Gatlif, le placèrent, temporairement du moins, sous le feu des projecteurs.</span><br /><span class=Texte>Né à Paris en 1954, TCHAVOLO a fait ses débuts Porte de Montreuil avant de rallier la région de Strasbourg. Considéré comme l’un des plus talentueux successeurs de Django, il est aussi celui des quatre qui, de par sa manière d’être, lui ressemble le plus : un homme tranquille, insaisissable, habité d’une virtuosité exceptionnelle.</span><br /><span class=Texte>TCHAVOLO vit aujourd’hui en Bretagne. Dans l’instant et avec trois fois rien : le clan, la famille, la pêche, les enfants, la route, un lieu chaleureux où l’on peut boire un coup et surtout partager la musique…</span><br /><span class=Texte>«?Tchavolo communique sa joie </span><span class=Texte>au public. Je ne savais pas, </span><span class=Texte>avant de l’avoir vu, </span><span class=Texte>que des doigts sur un manche </span><span class=Texte>puissent être aussi libres.?»</span><br /><span class=Texte>Mandino Reinhardt</span></p><p><br /><span class=Source>DVD Les Fils du Vent de Bruno Le Jean © Frémeaux & Associés - Les Films du Veyrier 2013.</span><br /><span class=Soustitre2>Article dans Jazz à Paris, par Guy Sitruk</span><br />« Ecran noir. Tu mets des doigts là ... et là. Transmission. Plan très serré sur une fine moustache en train d'être taillée, à la lame. Révérence au maître fondateur, Django. Des chaussures rutilantes noires et blanches, des cheveux gominés ramenés en arrière, une chemise rouge ouverte sur la poitrine. Sans faire de théorie, Moreno nous rappelle qu'un genre musical n'est pas que de la musique. C'est, en effet aussi, un ensemble de codes : les vêtements, les attributs pileux, un idiome spécifique, des lieux de rencontre (le St Jean, la Chope de St Ouen, les Petits Joueurs, l’Atelier Charonne et tellement de bistrots ...), des revues (fussent-elles électroniques), une saga et des figures emblématiques, un style de vie ... Voilà comme en peu d'images s'ouvre Les fils du vent, l'un des rares documentaires sur la vie de tous les jours de quatre figures du jazz manouche : Moreno, Ninine Garcia, Tchavolo Schmidt, Angelo Debarre. Tchavolo (garçon en manouche) Schmidt est le poète, les yeux toujours pleins de douceur, écoutant/chantant le ressac des vagues dans sa maison de Bretagne, une région qu'il adore. Angelo Debarre présenté par Ninine Garcia comme le scientifique. Peu expansif, calmement révolté par l'accueil qui est fait aux gens du voyage. Moreno ? un physique de brute et une âme d'enfant, séducteur en diable et drôle. Et Ninine Garcia ? Comme c'est lui qui parle, il se situe modestement entre les deux derniers, mais il a l'oreille à l'affût des autres courants du jazz actuel. Il nous dit que son père était manouche, mais pas sa mère, une ... gitane. Et le voilà parti sur l'histoire de ce peuple venu d'Inde il y a 5 siècles, et qui s'est plus ou moins installé de l'est de l'Europe jusqu'au sud de l'Espagne. Cinq siècles ! Combien de français de souche peuvent en dire autant ? Mais l'essentiel c'est la vie de tous les jours. Ninine Garcia encore, à La Chope, à St Ouen, où il officie tous les week-ends, avec des amis de longue date. Ou en roulotte avec sa famille, ses amis, son plaisir de vivre et son attachement à ce mode de vie, son parler clair sur les problèmes rencontrés, sa revendication toute simple de paix, de tranquillité et surtout de liberté. Angelo Debarre qui ne sait respirer que dans la nature : les étangs, les arbres, les champs ... Il se ravitaille en eau à une pompe à incendie en bordure de forêt. Avant, il y avait des fontaines de village; aujourd'hui ... Et il faut bien de l'eau pour vivre. Et l'électricité ? Au groupe électrogène, placé sous caisse pour en atténuer le bruit. Quand il rentre de concert, la nuit, pas de douche, pas de steak, pas de lumière : il faudrait relancer le groupe électrogène, et ça réveillerait les amis. Alors dormir et attendre le lendemain. Un point d'eau, une alimentation électrique, un emplacement pour s'arrêter : c'est prévu par la loi, mais pas appliqué. Le carnet de circulation ? Une contrainte d'un autre âge, stigmatisante. Moreno a choisi de vivre en appartement : ras le bol des coups brutaux frappés à la porte de la caravane par la maréchaussée, tôt le matin, démo à l'appui. Tchavolo Schmidt et sa famille : il présente sa femme, son frère, avec amour, un frère qui cherche ses mots mais dont l'émotion déborde, et tous les autres. Pour Tchavolo, lui c'est eux. Car s'il y a bien une constante, c'est la vie en groupe, en famille. Et la transmission aux enfants : on début on montre comment faire; après il faut apprendre en observant. Moreno enfant singe un accord qui vient d'être joué par un maître, en plaçant ses doigts sur son bras pour ne pas oublier, et gardant la posture jusqu'à son retour chez lui pour le jouer, ou du moins tenter de le reproduire. Et la musique partout, pas seulement sur scène mais entre soi. Avec d'abord une vénération sans bornes de Django, cet handicapé aux mains brulées dans un incendie. Moreno parle de l'invention d'une nouvelle main à force de volonté. Angelo Debarre constate le jeu faramineux joué avec seulement deux doigts : il faut voir et accepter de ne jamais pouvoir. Mais si les manouches sont en France depuis 5 siècles, quelle musique faisaient-ils jusqu'à Django ? On la devine, bien sûr, mais le jazz manouche est maintenant la tradition musicale. Leur musique c'est du jazz. C'est une capture. On aussi peut dire à l'inverse que le jazz a conquis la famille manouche. Qui s'en plaindrait ? Au sortir du film, plein de questions : Pourquoi n'y a-t-il pas de grande figures féminines ? Combien de temps encore cette vie du voyage sera-t-elle possible ? Quelles évolutions du jazz manouche ? Pourquoi les espagnols mettent en avant la culture gitane alors qu'en France ... Ce film est une invitation à ouvrir les yeux sur ce qui est là, juste à côté de nous : il suffit d'aller à Saint Ouen. Des gens porteurs d'une identité différente mais particulièrement attachante, originale au milieu d'une culture de masse ultra balisée. Et la musique, la fraternité partout. Ce documentaire, Les fils du vent de Bruno Le Jean, sort le 10 octobre prochain. Vous rateriez ça ? »<br />Par Guy SITRUK – JAZZ A PARIS<br /></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/0/9/17809-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => array:1 [ …1] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#701 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#741 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 7 => ProductListingLazyArray {#733 -imageRetriever: ImageRetriever {#739 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#439} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#738} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#737 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5393" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302402383" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "19,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4023" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1853" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "215" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p align=left><p>Si Michel Onfray n’existait pas, il faudrait l’inventer. 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Comme Nietzsche, il refuse de philosopher en chambre, sur des abstractions.<br /></span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte>C’est cet homme que ce film suit pas à pas, dans sa vie et son terroir. Fils, comme Albert Camus, d’une femme de ménage et d’un ouvrier agricole, Michel Onfray est resté ancré à sa Normandie natale. Après avoir démissionné de l’Education nationale en 2002, il a fondé l’Université populaire de Caen et l’Université du goût d’Argentan. Avec la première, il donne des cours gratuits de contre-philosophie. Avec la seconde, il initie, avec de grands chefs, la population à la gastronomie. Les deux institutions sont, comme vous pourrez le vérifier en images, des réussites qui attirent des foules nombreuses.<br /></span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte>De plus, Michel Onfray a créé dans sa ville des jardins de réinsertion où d’anciens détenus ou d’ex-SDF cultivent des légumes qu’ils revendent ensuite sur place. Le philosophe s’est personnellement impliqué dans cette expérience : ce film vous montrera qu’elle est aussi une réussite. <br /></span></p><br /><p class=MsoNormal><span class=Texte>Auteur d’une œuvre monumentale où l’on compte une «?Contre-Histoire de la philosophie?» en plusieurs volumes (et autant de CDs de ses cours) et des classiques comme La Sculpture de soi ou La Politique du rebelle, Michel Onfray n’a jamais dédaigné, en bon disciple de Nietzsche, philosopher «?au marteau?». En ont fait notamment les frais : Freud avec le Crépuscule d’une idole et même Dieu ou plus précisément les religions avec le Traité d’athéologie. <br /></span></p><br /><p class=MsoNormal><span class=Texte>Michel Onfray n’a pas oublié pour autant le bonheur d’admirer, comme il l’a prouvé avec son livre, L’ordre libertaire, la vie philosophique d’Albert Camus. Dans ce documentaire, il retrouve au demeurant des accents à la Camus quand il évoque avec émotion son père mort ou quand, dans un champ, il célèbre la joie du monde et du cosmos.<br /></span></p><br /><p class=MsoNormal><span class=Texte>Tel est Michel Onfray : terrien, entier et cosmique. Avec ça, libertaire et humain. C’est ainsi qu’il apparaît dans ce film dont il est le héros et où il s’est livré sans fard.</span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte><strong>Franz-Olivier Giesbert, le producteur</strong></span></p><br /><p><p><span class=Texte>L’ampleur de l’empreinte philosophique de Michel Onfray sur notre temps justifie à elle seule un deuxième film. Chaque année, son œuvre révèle au grand public des débats philosophiques qui deviennent ensuite de véritables enjeux de société.</span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte>Là où le premier film, celui d’Elisabeth Kapnist, co-produit par Cinétévé et arte présentait l’homme pour comprendre son œuvre philosophique, cette nouvelle production de Virginie Verrier, François Thalaud et Franz-Olivier Giesbert nous permet de découvrir une pensée en action en phase avec la vie d’un homme, l’intégrité du philosophe de tous les jours en accord avec lui-même.<br /></span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte>Franz-Olivier Giesbert et moi-même, avons chacun nos propres sensibilités, qui sur l’échiquier culturel, politique, idéologique ou métaphysique sont différentes de celles défendues par Michel Onfray. Pourtant, le philosophe possède cette faculté toute particulière de faire de la pensée un objet dialectique de réalisation individuelle et parvient à nous toucher au-delà de nos propres vérités. Car formidable metteur en forme pour ceux qui pensent comme lui, il est pour les autres, éveilleur du doute et exhausteur de conscience.</span></p><p class=MsoNormal><span class=Texte><strong>Patrick Frémeaux, l’éditeur<br /></strong></span><span class=Source> © Frémeaux & Associés</span></p><br /><p class=MsoNormal><span class=Texte>A working-man’s son born in a small Normandy town far from the intellectual Gotha in Paris, Michel Onfray has become the greatest figure in contemporary French philosophy and the author of works which are unavoidable. Year after year, Michel Onfray has brought philosophical debate to a mass audience by transforming the major issues in today's society. This film follows Michel Onfray from day to day, allowing you to discover the thought-in-action of an honest philosopher who is both a libertarian and a humanist. <br /><strong>Patrick Frémeaux<br /></strong><br /><span class=Source>VOIR MICHEL ONFRAY LA VIE PHILOSOPHIQUE UN FILM DE VIRGINIE VERRIER PRODUIT PAR FRANCOIS THALAUD ET FRANZ-OLIVIER GIESBERT (DVD) © Frémeaux & Associés 2012 Frémeaux & Associés est l'éditeur mondial de référence du patrimoine sonore musical, parlé, et biologique. Récompensés par plus de 800 distinctions dont le trés prestigieux Grand Prix in honorem de l'Académie Charles Cros, les catalogues de Frémeaux & Associés ont pour objet de conserver et de mettre à la disposition du public une base muséographique universelle des enregistrements provenant de l'histoire phonographique et radiophonique. Ce fonds qui se refuse à tout déréférencement constitue notre mémoire collective. Le texte lu, l'archive ou le document sonore radiophonique, le disque littéraire ou livre audio, l'histoire racontée, le discours de l'homme politique ou le cours du philosophe, la lecture d'un texte par un comédien (livres audio) sont des disques parlés appartenant au concept de la librairie sonore. (frémeaux, frémaux, frémau, frémaud, frémault, frémo, frémont, fermeaux, fremeaux, fremaux, fremau, fremaud, fremault, fremo, fremont, CD audio, 78 tours, disques anciens, CD à acheter, écouter des vieux enregistrements, cours sur CD, entretiens à écouter, discours d'hommes politiques, livres audio, textes lus, disques parlés, théâtre sonore, création radiophonique, lectures historiques, audilivre, audiobook, audio book, livre parlant, livre-parlant, livre parlé, livre sonore, livre lu, livre-à-écouter, audio livre, audio-livre, lecture à voix haute, entretiens à haute voix, parole enregistrée, etc...). Les livres audio sont disponibles sous forme de CD chez les libraires et les disquaires, ainsi qu’en VPC. 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Et certainement pas entre les deux. <br />Demeuré instituteur, dans le cadre de l’Education Nationale, F. Oury développe une pédagogie originale en s’inspirant de Freinet mais aussi des apports des sciences humaines et de la psychanalyse. Des techniques bien rodées permettent d’acquérir le primaire, c’est-à-dire le primordial : parler, lire, écrire, compter. <br />D'autres techniques font de la classe, de l’école, un milieu de vie institutionnalisé où la loi naît de la parole des enfants, où la parole naît de la loi. D’une loi autre, bien sûr, d’une loi qui autorise le désir. <br />Le troisième volet de la collection des films pédagogiques de Fabienne d’Ortoli et Michel Amram : “Un homme est passé” est consacré au parcours de celui qui, quarante années durant, a permis qu’existent des classes différentes et insolites avec une insolente réussite.<br /></p><p><strong>Patrick Frémeaux, l’éditeur<br /></strong>DVD1 : Fernand Oury, un homme est passé. Film. Durée 105 minutes<br />DVD2 : Les compléments. Durée 110 minutes<br />Format : NTSC Monde<br /><strong>Droits : Frémeaux & Associés et l'Ecole de la Neuville</strong></p></p><br><br>" "description_short" => "<h3>L'ECOLE AVEC FRANCOISE DOLTO VOL 3</h3>" "link_rewrite" => "fernand-oury-un-homme-est-passe-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Fernand Oury - Un Homme Est Passe - DVD" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1855 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5397-17803" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5397&rewrite=fernand-oury-un-homme-est-passe-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:2 [ …2] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>Fernand Oury</h3><p align=justify><p><span class=Texte>Frémeaux & Associés Télévisions & L’Ecole de La Neuville présentent <br /><span class=Soustitre2>L’Ecole avec Françoise Dolto (III) <br /></span><span class=Soustitre>Fernand Oury Un homme est passé<br /></span><em>L’école sur mesure où, <br />le désir retrouvé, <br />chacun travaille <br />à son niveau, <br />à son rythme <br />selon ses capacités actuelles. <br /></em>Fernand Oury <br />Un film de FABIENNE D’ORTOLI ET MICHEL AMRAM <br />« Au début des années 1970, Fernand Oury et Françoise Dolto avaient soutenu le projet de l’école de La Neuville, école du “désir retrouvé”. » <br /><em>L’École Aujourd’hui (Nathan), à propos de L’École avec Françoise Dolto (II) <br /></em><br /><span class=Soustitre>Sommaire <br /></span><strong>Dvd 1</strong> • Fernand Oury, un homme est passé - 106 mn <br /><strong>Dvd 2</strong> • Présentation des Trois exemples de pratiques institutionnelles au XXème siècle - 4 mn • Makarenko ou Les Chemins de la Vie - 18 mn • Les Chaises. Avec Jean Oury à La Borde - 24 mn • Le petit diaporama de Catherine Pochet - 58 mn <br />Avec le concours de Jean Oury, Joëlle Oury, François Oury, Patrice Buxeda, Gladys Caballo, Mireille Cifali, Bernard Defrance, Stéphane Derveaux, Marie Depussé, Jean Di Rosa, Michel Exertier, Annie Grochowski, Francis Imbert, Philippe Jubin, Philippe Meirieu, Bernard Montaclair, Sebastien Pesce, Daniele Viallon et Catherine Pochet <br />Le film et les compléments de programme ont été réalisés par Fabienne d’Ortoli & Michel Amram, fondateurs et actuels responsables de l’école. <br /><span style=\text-decoration: underline;>Images complémentaires et montage :</span> Emmanuelle Dupouy et Louis Blanchet-Kapnist. <br /><span style=\text-decoration: underline;>Mixage et étalonnage vidéo :</span> Vincent Blanchet. <br /><span style=\text-decoration: underline;>Sous-titrage anglais :</span> Perle Mohl. <br />Nous remercions l’équipe pédagogique de la Neuville pour sa collaboration, ses conseils, le soutien apporté à ces réalisations pédagogiques : Emmanuel Audusse, Sophie Cornelis, Maïder Leroux, Rania Makhoul, Saturnin Mesnil, Zoé Mesnil, Nicolas Mullier, Clémence Morisseau, Sébastien Pesce, Flavia Silva, Adrien Simiot, Alexandre Vaillant. Nos plus vifs remerciements à Jean Oury, Joëlle Oury et François Oury sans l’aide desquels ce film n’aurait pu être réalisés ainsi qu’à Jacques Pain et Lucien Martin pour leur précieux concours. <br /><span style=\text-decoration: underline;>Dans ce double dvd <br /></span><strong>L’instituteur(1)<br /></strong><em>« Qu’est-ce qu’un milieu éducatif ? <br />Qu’est-ce qui fait que là, on vit plus et mieux qu’ailleurs ? <br />Qu’est-ce qui fait progresser enfants et adultes ? <br />Et comment faire ? <br />Depuis un quart de siècle, nous essayons, à partir de la description et de l’analyse de classes “insolites” souvent isolées dans des écoles casernes, de répondre à ces questions. Autrement que par des discours. “C’est à d’autres travailleurs, à ceux qui font ou tentent de faire que nous offrons ce travail… nous en sommes à la préhistoire… Cro-Magnon de la pédagogie, inlassablement, nous taillons nos silex, des outils qui pourront servir à d’autres.” Brûlant tout, certains “révolutionnaires” ou se croyant tels, se sont improvisés pédagogues. Ils ont cru nécessaire et possible de tout réinventer, de repartir de zéro. D’où certaines écoles nouvelles ou parallèles qui ne valent pas beaucoup plus. Dommage, car l’enthousiasme y était et à présent on peut faire l’économie de certains pataugeages; des techniques bien rodées permettent d’acquérir le primaire, c’est-à-dire le primordial : parler, lire, écrire, compter. D’autres techniques font de la classe, de l’école, un milieu de vie institutionnalisé où la loi naît de la parole des enfants, où la parole naît de la loi. D’une loi autre, bien sûr, d’une loi qui autorise le désir. Naît ainsi un milieu autre où l’organisation devient la condition de la liberté, la liberté condition de l’organisation. On ne comprend plus ? Tant pis. Peut-être est-ce intraduisible en français ? Savoir qu’à présent autre chose est possible, qu’on ne peut plus se permettre ou se contenter de rêver la pédagogie. » C’est dans un courrier, daté de 1978, et qui nous était adressé que Fernand Oury énonçait quelques-unes des règles qui avaient fait de sa classe, de l’école, le lieu d’instruction, d’éducation, de civilisation qu’elles n’auraient jamais dû cesser d’être dans notre Société qui ne sait d’ailleurs pas faire sans. Un discours que l’on peut être surpris de trouver, aujourd’hui, non dans le mémoire d’un théoricien mais sous la plume d’un simple instituteur tant on a oublié l’importance de ce métier. Comme on a oublié que l’instituteur est celui qui institue. On l’appelait aussi, autrefois, le maître. <br /></em>Fabienne d’Ortoli & Michel Amram <br /><span style=\text-decoration: underline;>La collection <br /></span><span class=Soustitre>L’école avec Françoise Dolto <br /></span>“L’école avec Françoise Dolto”, c’est d’abord un livre paru en octobre 1990 aux Editions Hatier dans la collection dirigée alors par Catherine Dolto. Ecrit un an après la mort de la psychanalyste, le livre, sous-titré “Le rôle du désir dans l’éducation” raconte à la fois l’aventure pédagogique des Neuvillois et les quinze années que dura la collaboration avec celle qui fut la marraine de l’école. Il fallut vingt ans pour en voir la version cinématographique : “Françoise Dolto & La Neuville” (réédité chez Frémeaux Associés) dans le cadre d’une collection de films à paraître à partir de septembre 2008. Cette collection a pris la forme de plusieurs “double dvd” avec, dans chaque coffret, un film et de nombreux compléments de programme qui accompagnent et prolongent les propos du film apportant les informations utiles à une meilleure compréhension du film mais aussi des outils de l’école. Cette collection offre sur l’ensemble du travail accompli à L’Ecole de La Neuville des vues à la fois fragmentaires et multiples, nécessaires pour comprendre l’ensemble des processus pédagogiques et institutionnels en jeu. Le second film : “Wiensjahr, l’année de Vienne” complète le premier volume de la collection en présentant le programme culturel de cette année 2004 au centre duquel figure Sigmund Freud, “le maître de nos maîtres”. Il permet aussi de voir l’Ecole telle qu’elle fonctionne aujourd’hui. Le nouveau film de la collection aborde le sujet de la Pédagogie Institutionnelle en donnant à Fernand Oury la place qui lui revient pour son influence sur le projet neuvillois. « Ce film est dédié aux “Hussards noirs”, les irremplaçables instituteurs de la République Française dont faisaient partie mon père et ma mère. » <br />Michel Amram <br />« Le désordre, ce n’est pas quand les enfants piaillent et gesticulent, quand ils font ce qu’ils veulent, jouent au lieu de travailler ou cassent les fauteuils. Ils peuvent indéfiniment redire et chanter leur enfance, transgresser la loi qui ferait d’eux des hommes entiers. Ce désordre là est plutôt sympathique, cette éducation là n’est pas mauvaise, elle sera même, et de plus en plus, vivement recommandée. Quoi de plus charmant qu’une masse d’imbécile heureux ? Quoi de plus commode à manipuler ? Le désordre, c’est quand les enfants parviennent à faire ce qu’ils ont, ensemble, décidé de faire ; quand il ils prennent la parole, organisent, partagent, pouvoir et responsabilité : quand ils prétendent exister. Le danger est là. La peur aussi. Dogues, limiers, corniauds, les chiens de garde de tout poil vont donner de la voix. » <br /><em>Fernand Oury</em>, 1970 <br /><span class=Soustitre>Fernand Oury, sa vie, son œuvre <br /></span>par Jacques Pain <br />Fernand Oury est né le 18 janvier 1920 à Paris, et grandit à La Garenne Colombes. Il meurt le 19 Février 1998 à Blois. Ses parents venaient de Nogent en Bassigny, le pays de la coutellerie. Son père était ouvrier polisseur chez Hispano Suiza, sa mère ouvrit une agence immobilière à La Garenne. Il est très tôt du mouvement des auberges de Jeunesse, “Ajiste”. Pendant la guerre, suspecté de propagande contre l’occupant, Il est interné politique, à la prison Les Tourelles, puis à la Santé (en 1942). Autant d’expériences difficiles mais structurantes qui marqueront son “entrée en pédagogie”. Il est aussi un pratiquant assidu de boxe et de judo, et en tirera des leçons pour sa pédagogie. <br />En 1939, il se retrouve instituteur suppléant, avec 45 enfants. Il met entre parenthèses les réflexes acquis à l’école caserne, et comprend très vite que les classes homogènes sont un rêve de politique, que “chaque élève est hétérogène”. Ces élèves “ont un corps et des soucis personnels”, et si le maître ne leur prête pas attention, ils “ne sont pas là”. Ils n’ont pas besoin d’une machine à enseigner, mais d’un adulte “vigilant, disponible, entier, vivant”. C’est à partir de là que Fernand Oury postulera que l’éducation ne peut qu’être “sur mesure”. En 1945 il démarre un journal dans sa classe. C’est l’époque où il s’est investi dans les Caravanes ouvrières, il en dirige, il s’y retrouve avec Félix Guattari, qu’il a eu brièvement comme élève. Les réflexions vont bon train, avec bien sûr Jean Oury, qui est en psychiatrie et bientôt rejoindra François Tosquelles à l’Hôpital de Saint Alban. Tosquelles, le “Lacan des Institutions”, sera de ces recherches et de ces mouvements de pensée qui accompagneront la pédagogie institutionnelle en maturation (1948). Fernand Oury cherche sa voie, et il en est alors à organiser ses références pédagogiques. Il est en quête de pratiques nouvelles, au plus près des problèmes de son temps. Il n’est pas loin du Makarenko du Poème pédagogique, ou du Deligny de La Grande Cordée. En 1949 il se décide à rejoindre le mouvement Freinet. Il est en stage à Cannes. C’est un choc ! Il découvre que des praticiens travaillent autrement, et réussissent, en se formant coopérativement, avec une grande efficacité. Qu’il y a des alternatives à l’école “assise”, pour reprendre la belle expression de Ferrière. Une question préoccupe encore Fernand Oury : Freinet est à la campagne, comment faire de la pédagogie active en ville, dans la “jungle urbaine” en plein développement ? En fait il a eu des expériences “de terrain” décisive. En 1949, dans une colonie de vacances d’adolescents, en 1952 en colonie maternelle, et en 1953 en IME, à Herbault. C’est là qu’il “invente” le conseil, et les “ceintures” de comportement - reprises du judo. Les “colonies” sont déterminantes pour Fernand Oury. En fait l’idée est simple et éducatrice : c’est en prenant l’avis de toutes et tous que l’on progresse dans la vie quotidienne en groupe, en institution ; c’est en discutant des comportements et en les repérant, en les accompagnant, que l’insécurité devant l’agressivité se banalise et s’éduque. Les dix années suivantes le verront installer les Techniques Freinet dans une classe de ville, en “milieu urbain”. Il est très proche de ce qui est en 1952 désigné comme la “psychothérapie institutionnelle”, et de ses fondamentaux “politiques”, la psychanalyse et la place du sujet (“apprenant”, et maître), la dynamique des groupes et la psychologie sociale. Ces deux dimensions de la pratique des institutions sont “les deux jambes”, disait Tosquelles, du quotidien du sujet et du groupe “institutionnels”. Freud, Lewin, Freinet. Marx n’est pas loin, c’est le trépied popularisé par Fernand Oury dans les années 60, parmi bien d’autres aphorismes et maîtres mots “affichés” qui sont en eux mêmes des mémentos enseignants. <br />“Ne rien dire que nous n’ayons fait. On enseigne que ce que l’on sait faire, et comme on l’a appris. La parole ne se donne pas, elle se prend. Des Lieux, des Limites, des Lois, c’est la possibilité du Langage et de l’éducation. Se taire pour mieux entendre.” Ce que Fernand Oury est alors à inventer, c’est une pédagogie active qui tienne compte des Sciences Humaines, et de l’Inconscient. En 1958 au congrès Freinet de Paris Jean Oury, à partir de la Psychothérapie Institiutionnelle (Ouverture de la Clinique de La Borde, 1953), la nomme “Pédagogie Institutionnelle”. Aïda Vasquez, une jeune psychologue vénézuélienne, en volonté d’observation de ces classes “institutionnalisées”, où le conseil de coopérative, et le texte libre, la correspondance, les métiers, sont “entrés en analyse”, deviendra essentielle à la publication et à la connaissance de “la PI”. Les concepts psychanalytiques “prennent de la pratique” en classe. Ils ne font pas de la classe autre chose qu’un lieu pour apprendre ; mais pour apprendre mieux (Francis Imbert). <br />Les premiers groupes “Pistes” se diviseront sur la question de la psychanalyse, tout comme le mouvement Freinet. Et Raymond Fonvieille et quelques autres instituteurs resteront sur une pédagogie autogestionnaire et conseilliste, mais sans la sensibilité psychanalytique des praticiens regroupés autour de Fernand Oury. Aujourd’hui la différence est faite par le terrain. Il y a des centaines de classes et d’institutions “TF.PI” (Techniques Freinet-Pédagogie Institutionnelle), en France et ailleurs, qui se réclament de Fernand Oury, et des “Groupes d’Education Thérapeutiques” (1965). “La classe institutionnelle où le fantasme devient parole… tout comme l’agitation devient activité… est un lieu où toute parole peut être entendue (sinon reçue), justement parce que ce lieu n’est pas n’importe quoi : des lois précises y sont observées, qui permettent transferts, projections, identifications, etc… et un certain contrôle de ce qui se passe”, écrit Fernand Oury dans le livre “rouge”, déjà cité. Les “monographies” d’enfants en seront la littérature. C’est là que la psychanalyse joue son rôle, comme une lecture de la subjectivité à l’école, en situation scolaire, et transcende l’étude de cas. Le “cas” en fait est celui de l’enseignant et de ses relations “contre-transférentielles”. Nous parlions du livre rouge. En effet, les livres sont marqués par les couleurs. Comme les couleurs des ceintures de judo, qui permirent de créer une discipline des comportements collective : arrêtée en conseil, mais soumise à la différenciation des parcours personnels. <br />Ce que Fernand Oury indique ici, c’est que la classe et l’école sont des acteurs décisifs dans la structuration de la personnalité de l’enfant et de l’adolescent. On le redécouvre aujourd’hui, dans la grande violence sociétale. Les livres se vendent en nombre, sans publicité. La pédagogie institutionnelle inspire de surcroît les milieux éducatifs, les travailleurs sociaux, l’animation urbaine. Elle porte en elle-même la matrice de pensée d’une pédagogie de résistance, d’une démocratie “d’apprentissage”, et de prévention de la violence. En 1972, nous étions à ses côtés pour soutenir la création de “Centres de pédagogie et de psychothérapie institutionnelles”, après d’autres propositions aussi novatrices, comme le “complexe expérimental” qui liait déjà école, formation et recherche. On peut résumer l’ensemble dans une question plus complexe mais claire : une école en bonne santé mentale, qui se soigne et soigne ses relations humaines, tient résolument la démocratie des apprentissages, et enseigne dans le respect des hétérogénéités, réussit. Nous le constatons chaque jour. Elle peut prendre plus de temps au départ, mais elle réveille le désir d’école, ce qui aujourd’hui est presque un miracle. Il n’y a pas un jour où les structures en difficultés, en France, dans les Dom Tom, et ailleurs, en Europe, en Amérique Latine, ne redécouvrent Fernand Oury. Il est désormais parmi les “grands pédagogues”. Il vit encore, parmi nous, par des groupes structurés et offensifs, et des personnes, toujours mobilisés par les réponses à la mondialisation violente de l’intelligence. Il a ouvert le champ humain d’une pédagogie du savoir en situation sensible. La pédagogie institutionnelle ne fait que commencer. <br /><strong>Fonvielle Raymond</strong>. L’aventure du mouvement Freinet, Paris, méridiens Klincksieck, 1989. <br /><strong>Fonvielle Raymond</strong>. Naissance de la pédagogie autogestionnaire, Paris, Anthropos, 1998. <br /><strong>Imbert Francis</strong>. L’inconscient dans la classe, Paris, ESF, 1996. <br /><strong>Laffitte René</strong>, <strong>et l’association Vers La Pédagogie Institutionnelle</strong>. Essais de pédagogie institutionnelle, Nîmes, Champ social, 2006. <br /><strong>Oury Fernand, Vasquez Aïda</strong> (1967). Vers une pédagogie institutionnelle, Paris, Maspéro. Réédité Matrice éditions, 71 rue des camélias, 91 270 Vigneux. <br /><strong>Oury Fernand, Vasquez Aïda</strong> (1971). De la classe coopérative à la pédagogie institutionnelle, Paris, Maspéro. Idem Matrice éditions. <br /><strong>Pain Jacques, Oury Fernand</strong>, (1972). Chronique de l’école-caserne, Paris, Maspéro. Idem Matrice éditions. <br /><strong>Pochet Catherine, Oury Fernand,</strong> (1979). Qui c’est l’Conseil ?, Paris, Maspéro. Idem Matrice éditions. <br /><strong>Pochet Catherine, Oury Fernand, Oury Jean</strong> (1986). L’année dernière, j’étais mort (Miloud), Vigneux, Editions Matrice. <br /><strong>Thébaudin Françoise, Oury Fernand</strong> (1995). Pédagogie institutionnelle, Vigneux, Editions Matrice. <br /><span class=Soustitre>Fernand Oury, un maître <br /></span>par Jacques Ricot (2) <br />Rendre hommage à quelqu’un, c’est se reconnaître l’homme, le vassal d’un maître, selon le sens que la féodalité donnait à ce terme d’hommage dont nous pouvons garder aisément la fécondité suggestive, à condition de le débarrasser de ses connotations rigidement hiérarchiques. Il ne me paraît pas exagéré de soutenir que Fernand Oury fut un maître et que, si nous ne sommes pas ses hommes liges, il nous a aidés à être davantage hommes. C’est à cette altitude que se situe notre hommage. Car, de quoi est porteuse ce qui se nomme désormais, et avec un bonheur d’expression dont nous sommes redevables à Jean Oury, la pédagogie institutionnelle ? Non pas d’une version particulière d’éducation nouvelle, ni d’une pratique offerte à la dissection des improbables sciences de l’éducation, ni bien entendu d’une théorisation verbeuse pour philosophe enseignant dans les instituts de formation des maîtres. La pédagogie institutionnelle n’est pas un concept, c’est une direction. Elle indique donc, elle fait signe, mais seulement à ceux qui en passent par l’expérimentation, dans leur pratique, de cette insistance du désir, sur quoi tout l’édifice repose. Alors loin des réponses convenues des technologues de l’éducation qui, lorsqu’ils parlent de maître, confondent magister et dominus, ou encore enseignement magistral et discours terne, il faut d’urgence réhabiliter le vocable et dire que Fernand Oury fut un maître. Pourquoi ? Parce qu’il a maintenu dans une conjoncture politique et pédagogique qui n’était pas favorable, que la classe est une institution, une scène dont la ritualisation est indispensable, que la parole qui circule, à commencer par celle du maître est d’abord une parole de vie, une parole pleine. Comme celle à laquelle l’élève est convié, loin de la démagogie qui laisse causer pour faire taire. Travailler avec l’élève n’a jamais signifié abolir la part et la place du maître, car Fernand Oury était trop conscient de l’impératif de transmission, comme on peut le constater avec sa notion d’école paternelle. Et surtout, il a maintenu contre vents et marées, dans un contexte où il fallait pourtant résister à l’école-caserne, l’indispensable frustration (la fameuse castration symbolique) et la rigueur des places de chacun dans l’institution scolaire, qu’il ne lui serait pas venu à l’idée de nommer communauté éducative selon la désolante terminologie officielle du moment. Enfin, il y a un paradoxe étonnant chez Fernand Oury, celui qui consiste à refuser énergiquement de parler d’autre chose que de sa pratique, et pourtant de fonder en rigueur l’intelligence de cette pratique. Il me semble qu’on se méprendrait gravement si l’on interprétait son repli obstiné sur le discours monographique comme le résultat d’une incapacité théorique. Daniel Hameline, avec sa perspicacité coutumière, a su dire que c’était un rusé, c’est-à-dire, s’il m’est permis de préciser à ma façon le sens de métis, appliqué à Fernand Oury, quelqu’un de très intelligent qui savait qu’avec la monographie, on parle, selon le mot de Lacan, le seul langage possible. <br /><em>Jacques Ricot <br /></em><br /><span class=Soustitre>Le cas particulier de la marraine et au parrain de l’Ecole de La Neuville <br /></span>par Fabienne d’Ortoli et Michel Amram <br />A la fin des années soixante, quelques pavés, heureusement précurseurs, avaient agité la mare éducative française. Et quels pavés ! En 1967, Fernand Oury publiait aux Editions Maspero : Vers une pédagogie Institutionnelle préfacé par Françoise Dolto. Deux années auparavant, elle avait déjà introduit, et avec quelle virulence : Le premier rendez-vous avec le psychanalyste de Maud Mannoni. Même si on a parlé d’utopie à propos des analyses et perspectives proposées dans ces pages d’avant-garde, rien ne serait plus jamais comme avant. “Savoir qu’à présent autre chose est possible, écrivait Fernand Oury, qu’on ne peut plus se permettre ou se contenter de rêver la pédagogie”. Fernand Oury et Françoise Dolto s’étaient déjà rencontrés, ils avaient même travaillé ensemble. La seconde s’intéressant beaucoup aux tentatives du premier pour modifier les façons de faire dans le cadre de l’Education Nationale. Et l’entreprenant instituteur avait, de son côté, sollicité l’aide de cette psychanalyste atypique pour réfléchir avec lui, et d’autres, sur certaines questions de pédagogie. Il en était résulté quelques outils que l’on n’aurait pas pu trouver, avant cela, sur les sentiers battus et rebattus qui conduisaient quotidiennement à l’école-caserne. Mais il est vrai que l’instituteur n’était pas moins atypique : frère de Jean Oury3 et peut-être encore plus proche de Jacques Lacan que Françoise Dolto. <br />C’est à ce moment-là, et sans doute pas par hasard, que vont éclater les événements de Mai 68 dont l’Ecole de la Neuville sera l’un des innombrables avatars. Mais revenons un instant sur la façon dont cet improbable projet a vu le jour. Les Neuvillois avaient contacté Fernand Oury, lui-même occupé alors par le projet d’ouverture d’une école en internat. L’instituteur leur téléphone aussitôt, inquiet à l’idée que ces jeunes, comme tant d’autres, ne soient pris par la fascination contagieuse que certaines expériences non-directives suscitaient à ce moment précis (“Il est interdit d’interdire”). Il les met en garde contre la tentation de faire un nouveau Summerhill. Ils ne tinrent pas compte de cet avertissement, qu’ils n’avaient d’ailleurs pas vraiment compris, n’étant pas intéressés par cet aspect-là de l’incontournable succès de librairie. Les aspirants pédagogues rencontrèrent donc Fernand Oury dans sa banlieue, à La Garenne-Colombes. Lui, après avoir vérifié leur capacité à se lancer dans l’aventure, les incita à solliciter un rendez-vous de Françoise Dolto, rue Saint Jacques. La psychanalyste est hésitante. Elle ne se sent pas très compétente sur la question mais accepte de les recevoir, sans doute parce que c’est l’instituteur qui les lui avait adressés. On sait ce qu’il advint durant cette rencontre, fondatrice du chantier neuvillois. Fabienne, Michel et Pascal qui avaient déjà ouvert leur drôle d’école à La Neuville-du-Bosc, un petit village de l’Eure, sont à pied d’œuvre et vont tâcher de mettre en place une pédagogie innovante avec pour livre de chevet De la classe coopérative à la Pédagogie Institutionnelle4 publié entre temps. Cette démarche se complète et s’augmente de la réflexion que suscite en eux l’irruption dans leur petite structure d’enfants “momentanément en difficulté” que leur confie la psychanalyste durant la semaine, tout en continuant à les recevoir en psychothérapie, le week-end. Il faut y ajouter, enfin, et ce n’est pas la moindre des choses, la nécessité pour nos apprentis pédagogues de faire école avec ce groupe très hétérogène, et ce, sans négliger aucun des éléments qui le compose pour en tirer tout le bénéfice. <br />Les Neuvillois tricotaient leur pédagogie avec trois fils : le leur se mêlant à ceux de leur parrain et de leur marraine. Les outils de Fernand Oury et de la Pédagogie Institutionnelle s’avèrent précis, efficaces, tranchants comme des lames de couteau. Ils demandent un peu plus d’expérience qu’ils n’en ont alors. Cela leur prendra du temps pour les maîtriser de mieux en mieux. Les apports de Françoise Dolto sont plus souples, les progrès obtenus représentent autant d’avancées dans les esprits neuvillois et permettent à tout ce petit monde de vivre en harmonie dans un lieu où chaque initiative semble prendre son sens et produire des effets au fur et à mesure qu’on la met à disposition du groupe. “Ça parle et ça circule autant ça peut et il se pouvait beaucoup” dira Colette Langignon de cette période de grâce. Les fondateurs, ayant compris que si le métier d’enseignant ou d’éducateur en était un, alors, il nécessitait les compétences d’une infinité d’autres métiers qu’il leur faut apprendre et qu’il fallait, à la Neuville, viser à être “à la fois, et simultanément, enseignant, éducateur et soi-même” comme le leur avait suggéré Françoise Dolto. Les idées en provenance du parrain et de la marraine ne sont pas seulement compatibles entre elles, elles ne co-existent pas seulement. Ces deux sources distinctes, chacune parfaitement repérable dans l’utilisation que l’on en peut faire, ont une interaction positive. En fait, ces deux courants s’additionnent, se démultiplient même, et les Neuvillois ont le sentiment d’être maintenant littéralement portés sur leur pourtant frêle embarcation. La seule condition pour en bénéficier étant de savoir naviguer sur ces torrents d’idées où les rapides sont des moyens d’aller plus vite mais sans danger de chavirer. Comme si tout avait été prévu, anticipé. C’est sans doute qu’il s’agissait-là d’une eau aux vertus magiques. Simplement il fallait parfois reprendre son souffle, apprécier la trajectoire et ne rien essayer d’autre que de se rééquilibrer. D’autrefois, il fallait pagayer ferme et tous ensemble pour rallier un point avant que les eaux tumultueuses ne nous renversent. Les choses avançaient. On eût dit s’il s’agissait d’évidences, que l’intelligence de l’ensemble nous évitait comme par enchantement de commettre les erreurs fatales. Il y avait juste besoin d’éviter les écueils, de s’aguerrir, de devenir au lieu d’aventuriers intrépides, des navigateurs au long cours. <br />Les années passèrent. Françoise et Fernand les accompagnèrent, chacun, le plus loin qu’ils purent. Il n’est pas utile de revenir là-dessus dans le détail car le récit de cette aventure a été donné, par ailleurs, en livre et en film5. L’Ecole de La Neuville a 35 ans et elle se continue à la fois différente et la même. D’autres, dont Michel Plon6 et Jacques Pain7 sont venus, à leur tour, soutenir le projet. On n’y applique pas d’idées venues d’ailleurs, on ne s’y inspire plus d’autres travaux aussi prestigieux soient-ils. On y fait ce que l’on sait faire : La Neuville. Ce parrain et cette marraine ont permis que la nouvelle née démarre bien sa vie en lui faisant don de leur attention avec une générosité illimitée. Ils lui ont sans doute transmis bien plus que ce dont elle s’était rendu compte dans son enfance, bien plus qu’elle ne pouvait comprendre. Cependant tout s’était inscrit en elle. Et plus tard, quand Françoise Dolto et Fernand Oury s’en sont allés, les Neuvillois ont compris qu’ils les avaient autorisés, de façon permanente, à croire dans leur capacité à imaginer, à inventer ce dont ils auraient besoin dorénavant en puisant dans un fonds sans fond : l’analyse de leur pratique au risque de leur désir. <br /><em>Le 11 novembre 2008 à l’occasion du 35ème anniversaire de l’Ecole de La Neuville</em> <br /><span style=\text-decoration: underline;>Les compléments de programme <br /></span><span class=Soustitre>Trois exemples de pratiques institutionnelles au XXe siècle <br /></span>La colonie Gorki et la Clinique de La Borde en amont, la classe coopérative de la Pédagogie Institutionnelle en aval font sans aucun doute partie des institutions éducatives et thérapeutiques les plus marquantes du siècle. Autour de l’œuvre de Fernand Oury et pour compléter un film qui aurait pu faire le double de sa longueur sans épuiser le moins du monde le sujet, nous souhaitions proposer d’explorer, un peu plus avant, ces trois exemples de pratiques institutionnelles au XXe siècle, déjà mises en exergue dans Un homme est passé afin de mieux comprendre les liens tissées de l’une aux autres. <br /><strong><span style=\text-decoration: underline;>I. Makarenko ou Les Chemins de la Vie <br /></span></strong>On pourra voir dans ce document des extraits du film inspiré de la vie et de l’œuvre d’Anton Semionovitch Makarenko : Les Chemins de la Vie. commentés par Jacques Pain et Michel Amram, du double point de vue de l’histoire de la pédagogie et de l’histoire du cinéma. Dans les années 20, immédiatement après la révolution de 1917, les réalisateurs soviétiques se voient assigner la mission exaltante de magnifier les événements sociaux, politiques et culturels qui venaient de se dérouler et se poursuivaient encore… Par une série de films épiques, innovants et résolument populaires, les Eisenstein, Dovjenkho, Poudovkhine et bien d’autres allaient forger de nouveaux éléments du langage cinématographique et grandement participer à créer le cinéma moderne. Quelques temps après, en 1931, le premier film soviétique parlant, sera consacré à… Makarenko, le pédagogue de la Colonie Gorki, l’auteur du Poème pédagogique. C’est, rétrospectivement, étonnant de le voir ainsi reconnu, et même cité comme une sorte de héros de la Révolution, à peine dix ans après qu’il ait entamé son action auprès de la jeunesse soviétique en déshérence. Il est intéressant aussi de constater que les pouvoirs publics de la jeune République socialiste consacrent à leur action éducative des moyens “publicitaires” aussi importants8. Plus encore, le film de Nikolai Ekk est une œuvre qui valorise vraiment la pédagogie mise en place par Makarenko et les initiatives du pédagogue. Plusieurs anecdotes sont présentées de façon détaillée et présentent le caractère novateur et audacieux des partis pris éducatifs de Makarenko. Rien de semblable, dans un film non documentaire, ne nous a été donné de voir depuis quelques 80 ans ! Enfin, on ne peut pas ne pas souligner le choix de l’acteur pour interpréter le rôle du pédagogue ukrainien. Sorte de colosse, l’acteur Nikolai Balatov incarne un Makarenko dont l’autorité morale est transposée sur le plan physique pour donner l’image d’un homme soviétique, sûr de sa force, séduisant en diable et terriblement efficace auprès des enfants perdus. Il était inimaginable, en effet, je suppose, de présenter une image d’éducateur modèle petit et chétif, portant des lunettes d’intellectuel comme l’était Makarenko dans la vie réelle. Ce n’était tout simplement pas… assez cinématographique. Après tout, en d’autres lieux, c’est Henry Fonda qu’on a choisi pour jouer Abraham Lincoln et Ingrid Bergman pour le rôle de Jeanne d’Arc ! <br /><strong><span style=\text-decoration: underline;>II. Les Chaises. Avec Jean Oury à La Borde <br /></span></strong>Un court entretien et une petite promenade dans la Clinique de la Borde sur le thème, cher à Jean Oury, “le chemin se fait en marchant.” Evoquant, tour à tour, la fondation de La Borde, St Alban et Tosquelles, la notion de collectif, celles encore plus subtiles du statut, de la fonction et du rôle de chacun, le psychiatre par ses propos lumineux éclaire les pratiques institutionnelles, comme La Borde depuis des décennies, est un phare et une institution référence pour tant de soignants et d’éducateurs. <br /><strong><span style=\text-decoration: underline;>III. Le Petit Diaporama de Catherine Pochet <br /></span></strong>Pendant des années, Catherine Pochet, avec une constance militante a projeté devant divers publics d‘enseignants ou de professionnels de l’éducation son diaporama, lequel accompagné de son commentaire était une véritable leçon de pédagogie appliquée. Faute de disponibilité, elle le fait de moins en moins mais grâce à la vidéo le voilà prêt à être diffusé partout et tout le temps pour le plus grand bonheur de tous les apprentis praticiens de France et de Navarre. En voici la présentation par Jacques Pain. Catherine Pochet c’est une des figures de base de la Pédagogie Institutionnelle. On le voit très bien dans Qui c’est l’ conseil, l’un des livres les plus denses, les plus complexes et les plus forts de la P.I. Catherine Pochet c’est une institutrice de la grande banlieue qui a eu la chance, - à travers les groupes, en lien avec La Borde et par des monographies, et en particulier la monographie Miloud, L’Année dernière j’étais mort… un autre livre clé -, de pouvoir aller jusqu’au bout de cette formation dans ce qu’elle a, à la fois, de pédagogique et de psychanalytique. Avec ces deux livres, on a toute la palette qui était mise en œuvre par Catherine Pochet dans sa classe qui était un peu le miroir de la Pédagogie Institutionnelle, avec autour d’elle les principaux protagonistes de cette théorisation, de cette lecture : Fernand Oury, Jean Oury, La Borde, le groupe AVPI, etc. Elle a pu faire tout ce travail avec sa grande précision, et on pourrait presque dire sa dimension obsessionnelle et sa minutie dans l’organisation de la classe, et dans la pensée des éléments qui la constituent ce qui faisait de cette classe une société démocratique ouverte. Catherine Pochet y a réussi particulièrement bien. Comme un certain nombre d’autres d’ailleurs, parmi les grands praticiens de ce mouvement : Mireille et René Laffitte, Patrice Buxéda, etc. Voilà des gens ont su faire passer la dimension de formation que j’évoquais tout à l’heure jusqu’au point où l’on sent que le maître a lui-même intégré comme style de vie ce qui est resté, chez d’autres, uniquement à l’état de technique. <br /><span class=Source>NOTE : <br />1. Instituteur, formateur de maîtres, psychanalyste, auteur de divers ouvrages de pédagogie et fondateur de la Pédagogie Institutionnelle. <br />2. Professeur de Philosophie <br />3. Psychiatre et fondateur de la clinique de La Borde. <br />4. Second ouvrage et véritable mode d’emploi des méthodes pédagogiques selon Fernand Oury. Ed. Maspero. <br />5. Livre : L’Ecole avec Françoise Dolto puis Dix ans après (Ed. EST et Ed. Livre de Poche). Films : Parole l’héritage Dolto (Dvd MK2) Françoise Dolto & La Neuville (Dvd Frémeaux & Associés) <br />6. Psychanalyste et successeur de François Dolto auprès de l’équipe de La Neuville. <br />7. Professeur en Sciences de l’Education à Paris X-Nanterre. <br />8. Seuls les Américains, autres spécialistes de la propagande de qualité par les moyens du cinéma, sauront valoriser le New Deal (Notre pain quotidien de King Vidor, 1932), la réhabilitation des délinquants (Boys Town de Norman Taurog, 1940) et de façon plus générale l’American way of life (soutien inconditionnel à l’église et à l’armée dans d’innombrables films).</span></span></p></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/0/3/17803-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => [] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#731 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#753 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 9 => ProductListingLazyArray {#406 -imageRetriever: ImageRetriever {#751 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#749} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#722} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#721 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5399" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302402086" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "25,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4020" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1856" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "321" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p><strong><u>Attention : Film anglophone non doublé et non sous-titré en Français pouvant être lu sur tous les téléviseurs et lecteurs DVD.</u></strong><br /></p><br /><p align=justify><p>Frémeaux & Associés Télévisions met à la disposition du public anglophone la version originale du film de Gérard De Smaele et Patrick Ferryn “A Banjo Frolic”, réalisé avec le soutien de l’ambassade des États-Unis à Bruxelles, pour le propos d’une grande exposition sur le Banjo présentée par Gérard De Smaele en 2003.</p><br /><p>L’intérêt de ce film documentaire sur l’ensemble de la musique populaire américaine vu par le prisme du Banjo (Bluegrass, Old-time music, “Folk Music”), avec la participation de tous ses acteurs étant supérieur à l’économie du documentaire sur DVD, nous avons décidé de faire paraî tre ce film extraordinaire, en distribution internationale (format NTSC), dans sa version anglaise originale non sous-titrée et non doublée en Français.<br /><strong>Benjamin Goldenstein</strong><br />English only - no subtitle<br /><em><em>From Atlanta (Georgia) to Washington, DC (home of the Library of Congress and the Smithsonian Institution), and throughout western North Carolina and Virginia, the Blue Ridge and the Smoky Mountains: A Banjo Frolic provides a testimony about the present vitality and meaning of traditional (old-time and bluegrass) music in the United States of the third millennium. </em></em><em><p><strong>Patrick Frémeaux<br /></strong> <em> <p align=justify><em>We have seen the films “Bonnie and Clyde”, “Deliverance”, and more recently “Oh Brother! 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The context presented is an America distant from the usual clichés.” </p><p><strong>Gérard De Smaele & Patrick Ferryn<br /></strong></p><br /></em></p></em></p></p>A Banjo Frolic<br />Script by Gérard de Smaele<br />Filmed by Patrick Ferryn<br />Editing: Patrick Ferryn assisted by Olivier Burlet & Nicolas de Seny<br />Mixing: Etienne Dontaine (Studio Dame Blanche, Brussels)<br />Technical Adviser: Damien Pesesse (DiXiT MEDIA)<br />The Pete Seeger sequences were filmed by Michel Baudour & Richard Verthé for Patrick Ferryn’s film: “I Was Born in Portland Town”. Used by permission.<br />“A Banjo Frolic” was filmed in the States of Georgia, North Carolina, Maryland and in Washington DC, in May 2003. <br />Produced by Caboose Productions (a subsidiary of Video Formation), Belgium <br />Music: <br />(*) means recorded live and used with the kind permission of the performers<br />A Banjo Frolic - (Joe Morley) performed by Mr William Ball, in Pompadour, Self Produced CD, ed. Turner, used with permission by Phil Spiers<br />I’ll never get drunk anymore (*) - (Trad.) performed by Gérard De Smaele<br />“Turkey in the Straw” - (Trad.) by Larry Richardson, Sonny Miller, and Johnny Jackson from the recording entitled Galax, Virginia Old Fiddler's Convention, Folkways 02435, provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1964. Used by Permission.<br />“Introduction remarks” by H.P. Van Hoy from the recording entitled 37th Annual Old Time Fiddler's Convention at Union Grove North Carolina, Folkways 02434 provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1962. Used by Permission.<br />Oh Mule (*) - (Trad.) performed by Doc Watson<br />Blue Skies (*) - (Irving Berlin © Emi Music Publishing) performed by Pete Seeger – with permission by Emi Music Publishing <br />Lost Gander (*) - (Trad.) performed by Mike Seeger<br />Molly and Tenbrooks (*) - (Bill Monroe) performed and arranged by Mike Seeger – © Peer international Corp. (PIC). Avec l’autorisation de S.E.M.I.<br />Minstrel Banjo Tune (*) - (Trad.) performed by George Wunderlich <br />Pretty Polly (*) - (Trad.) performed by Mike Seeger <br />Worried Life Blues - performed by David “Honeyboy” Edwards, Library of Congress Recording (recorded by Alan Lomax in 1942), with the kind permission by Michael Frank and Mr. Edwards. <br />I Wish I was a Mole in the Ground - (Trad.), performed by Bascom Lamar Lunsford, Library of Congress, AFS 3167 (recorded in 1936), with the kind permission of the successors of Bascom Lamar Lunsford. <br />Billy in the Lowground (*) - (Trad.) performed by Laura Boosinger <br />The Wearing of the green (*) - (Trad.) performed by Barbara Kuhn (fiddle) & Will Keys (banjo) <br />West Virginia Highway (*) - (Trad.) performed by Alan Jabbour <br />East Virginia (*) - (Trad.) performed by Frank Hamilton<br />Down by the Riverside (*) - (Trad.) performed by Frank Hamilton <br />Roustabout (*) - (Trad.) performed by Bill Mansfield <br />Round Peak style demo (*) - (Trad.) performed by Bill Mansfield <br />Sourwood Mountain (*) - (Trad.) performed by Lo Gordon <br />Cattle in the Lane (*) - (Trad.) The Reed Island Rounders (Diana Jones-banjo, Betty Wornbrock-fiddle, Billy Cornette-guitar) <br />Camp Chase (*) - (Trad.) performed by Robert Morrison <br />Goodbye old Paint - (Trad. ) performed by Jess Morris, Library of Congress Recording (recorded by Alan Lomax in 1942)<br />Barbara's Tune (*) - (Reed Martin) performed by Reed Martin <br />Coal Creek March (*) - (Trad. - Pete Steele) performed by Reed Martin <br />At a Georgia Camp Meeting (*) - (Mills © Emi Music Publishing) performed by Bill Rutan (tenor banjo), Frank Hamilton (guitar) & Morris Hirsch (fiddle) – with the kind permission of Emi Music Publishing <br />Ducks on the Millpond - (Trad.) performed by Tommy Jarrell-fiddle, Kyle Creed-banjo, Audine Linberry-bass & Bobby Patterson-guitar, in June Apple, Old Time and Clawhammer Banjo, Heritage Records, HRC CD 038, 1993 . With the kind permission of Bobby Patterson <br />Rubin - (Trad. ) performed by Tommy Jarrell-fiddle, Kyle Creed-banjo, Audine Linberry-bass & Bobby Patterson-guitar, in June Apple, Old Time and Clawhammer Banjo, Heritage Records, HRC CD 038, 1993 . With the kind permission of Bobby Patterson <br />Ruby – (Trad.) performed by Geoffrey Stelling, in Hard Driving!, Geoff Stelling’s Hard Times Bluegrass Band, Stelling Banjo Works, 1974. With the kind permission of Geoffrey Stelling <br />The Worried Blues (Going Down the Road Feeling Bad) - (Trad.) performed by Samantha Bumgardner (recorded in New York, NY, for Columbia Records, 1924) <br />Fourteen days in Georgia - (Trad.) Reid Ringer-fiddle & Robert Morrison-banjo, in Camp Chase, Camp Chase Music, 2001 <br />“Closing Remarks” by H. P. Van Hoy by H.P. Van Hoy from the recording entitled 37th Annual Old Time Fiddler's Convention at Union Grove North Carolina, Folkways 02434 provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1962. Used by Permission. <br />A Banjo Frolic - (Joe Morley) performed by Mr William Ball, in Pompadour, Self Produced CD, ed. Turner, used with permission by Phil Spiers <br />Banjo Makers :<br />Kevin Enoch (Enoch Banjos), lo Gordon (Cedar Mountain Banjos) , Peter Ross (Jubilee Banjos), Geoff Stelling (Stelling Banjo Works), George Wunderlich (Wunder Banjo Co) <br /><strong>Droits : Frémeaux & Associés Télévision.</strong></p><br><br>" "description_short" => "<h3>BY GERARD DE SMAELE & PATRICK FERRYN</h3>" "link_rewrite" => "a-banjo-frolic-documentary-film-in-english-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "A Banjo Frolic - Documentary Film In English – DVD" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1856 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5399-17800" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5399&rewrite=a-banjo-frolic-documentary-film-in-english-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:1 [ …1] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>A banjo frolic</h3><p align=justify><p><span class=Texte>Frémeaux & Associés Télévisions presents <br /><span class=Soustitre2>A banjo frolic</span> <br /><em>by Gérard De Smaele & Patrick Ferryn</em> <br />From Atlanta (Georgia) to Washington, DC (home of the Library of Congress and the Smithsonian Institution), and throughout western North Carolina and Virginia, the Blue Ridge and the Smoky Mountains: A Banjo Frolic provides a testimony about the present vitality and meaning of traditional (old-time and bluegrass) music in the United States of the third millennium. <br /><em>Patrick Frémeaux</em> <br /><span style=\text-decoration: underline;>Attention : Film anglophone non doublé et non sous-titré en Français <br /></span><br /><em>Le marché du disque et du film musical ayant perdu plus de 50 % de son chiffre d’affaires en 5 ans, l’édition de disques et de films dédiés à la musique et à son histoire s’inscrivent dans une situation économique extrêmement difficile. Frémeaux & Associés s’est trouvé devant une situation cornélienne : ne pas éditer ce film documentaire non sous-titré en Français ou le faire paraître pour le public anglophone, et donner à voir l’unique témoignage historique sur la puissance actuelle du folklore américain, à travers l’un de ses instruments emblématiques : le Banjo.</em> <br />We have seen the films “Bonnie and Clyde”, “Deliverance”, and more recently “Oh Brother! Where Art Thou”. These movies took Appalachian music and the five-string banjo to a broader international audience. A Banjo Frolic addresses the same subject, providing testimony about the present vitality and meaning of traditional music in the United States. We drove from Atlanta GA to Washington DC (home of the Library of Congress and the Smithsonian Institution, two huge folk-music repositories), and throughout western North Carolina and Virginia, the Blue Ridge and the Smoky Mountains. The Appalachian areas we visited are in the nest of old-time music (also bluegrass), which is distinct from the usual commercial trends of the country music. A Banjo Frolic raises several issues like conservation, transmission, and transformation of the Southern musical heritage. It surely could be used as a basis for reflecting on the meaning of our own European traditional music, its use and value within the present-day world. The context presented is an America distant from the usual clichés. Though the banjo’s roots are in West Africa and in the southern US, the five-string banjo world today is not restricted by regional boundaries but can be found throughout the US. The repertoire, often mixed with fiddle music and ancient ballads, is broad. Thus all banjoists don’t play the same music or use the same style. <br />In America during the late 1950s and 1960s, the folk revival took different shapes, more or less progressive or conservative. A strong interest in traditional music, idealized by young urban intellectuals of northern cities like New York, Chicago, Philadelphia and also western cities like Los Angeles, attracted the “city-billies” to the roots. They searched for original oldtime “country” music recordings and headed to the rural South. More and more young enthusiasts could be found in local festivals like the Mountain Dance and Folk Festival organized by Bascom Lamar Lunsford in Asheville NC, the Old Fiddler’s Convention in Galax VA, or the Old-Time Fiddlers’ Convention in Union Grove NC. They also looked for the field recordings preserved in the Archive of Folk Song at the Library of Congress. Some revivalists, like Alan Jabbour, discovered unrecorded talents in the Appalachians. In the non-English-speaking world, the American banjo is not well known and is a victim of musical prejudices. We hope that A Banjo Frolic will help people understand that the instrument is at the heart of a musical fusion with an impact on many contemporary musical styles and an influence on the American consciousness. This musical journey will reflect the vitality of the banjo in the United States. We hope that viewers will understand that the five-string banjo is part of a vast international musical heritage. The exhibition will lead you to a broader approach to the folk culture that is so important as a way of understanding people. With the gracious participation of musicians, scholars, instrument makers… (see list inside). A Banjo Frolic has been made possible by a generous grant given by the Embassy of the United States in Brussels. It was intended to accompany the “Banjo!” exhibition at the Musical Instruments Museum in Brussels from October 15, 2003, to February 15, 2004. <br /><em>Gérard De Smaele</em>, 2003 <br />© Frémeaux & Associés Télévisions <br /><span class=Soustitre>A BANJO FROLIC <br /></span>Script by Gérard De Smaele. <br />Filmed by Patrick Ferryn. <br />Editing: Patrick Ferryn assisted by Olivier Burlet & Nicolas de Seny. <br />Mixing: Etienne Dontaine (Studio Dame Blanche, Brussels). <br />Technical Adviser: Damien Pesesse (DiXiT MEDIA). <br />The Pete Seeger sequences were filmed by Michel Baudour & Richard Verthé for Patrick Ferryn’s film: “I Was Born in Portland Town”. Used by permission. <br />“A Banjo Frolic” was filmed in the States of Georgia, North Carolina, Maryland and in Washington DC, in May 2003. <br />Photos: Gérard De Smaele, Patrick Ferryn <br />Produced by Caboose Productions (a subsidiary of Video Formation), Belgium. <br /><span class=Soustitre>MUSIC</span> <br /><strong>A BANJO FROLIC</strong> - (Joe Morley) performed by Mr William Ball, in Pompadour, Self Produced CD, ed. Turner, used with permission by Phil Spiers. [1’10’’] <br /><strong>I’LL NEVER GET DRUNK ANYMORE</strong> (*) - (Trad.) performed by Gérard De Smaele. [45’’] <br /><strong>“TURKEY IN THE STRAW”</strong> - (Trad.) by Larry Richardson, Sonny Miller, and Johnny Jackson from the recording entitled Galax, Virginia Old Fiddler’s Convention, Folkways 02435, provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1964. Used by Permission. [58’’] <br /><strong>“INTRODUCTION REMARKS”</strong> by H.P. Van Hoy from the recording entitled 37th Annual Old Time Fiddler’s Convention at Union Grove North Carolina, Folkways 02434 provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1962. Used by Permission. [20’’] <br /><strong>OH MULE</strong> (*) - (Trad.) performed by Doc Watson. [16’’] <br /><strong>BLUE SKIES</strong> (*) - (Irving Berlin © Emi Music Publishing) performed by Pete Seeger – with permission by Emi Music Publishing. [30’’] <br /><strong>LOST GANDER</strong> (*) - (Trad.) performed by Mike Seeger. [2’12’’] <br /><strong>MOLLY AND TENBROOKS</strong> (*) - (Bill Monroe) performed and arranged by Mike Seeger – © Peer international Corp. (PIC). Avec l’autorisation de S.E.M.I. [30’’] <br /><strong>MINSTREL BANJO TUNE</strong> (*) - (Trad.) performed by George Wunderlich. [1’30’’] <br /><strong>PRETTY POLLY</strong> (*) - (Trad.) performed by Mike Seeger. [25’’] <br /><strong>WORRIED LIFE BLUES</strong> - played by David “Honeyboy” Edwards, Library of Congress Recording (recorded by Alan Lomax in 1942), with the kind permission by Michael Frank and Mr. Edwards. [2’’] <br /><strong>I WISH I WAS A MOLE IN THE GROUND</strong> - (Trad.), performed by Bascom Lamar Lunsford, Library of Congress, AFS 3167 (recorded in 1936), with the kind permission of the successors of Bascom Lamar Lunsford. [3’] <br />BI<strong>LLY IN THE LOWGROUND </strong>(*) - (Trad.) performed by Laura Boosinger. [1’20’’] <br /><strong>THE WEARING OF THE GREEN</strong> (*) - (Trad.) performed by Barbara Kuhn (fiddle) & Will Keys (banjo). [1’10’’] <br /><strong>WEST VIRGINIA HIGHWAY</strong> (*) - (Trad.) performed by Alan Jabbour. [1’05’’] <br /><strong>EAST VIRGINIA</strong> (*) - (Trad.) performed by Frank Hamilton. [50’’ + 1’] <br /><strong>DOWN BY THE RIVERSIDE</strong> (*) - (Trad.) performed by Frank Hamilton. [15’’] <br /><strong>ROUSTABOUT</strong> (*) - (Trad.) performed by Bill Mansfield. [2’30’’] <br /><strong>ROUND PEAK STYLE DEMO</strong> (*) - (Trad.) performed by Bill Mansfield. <br /><strong>SOURWOOD MOUNTAIN</strong> (*) - (Trad.) performed by Lo Gordon. [30’’] <br /><strong>CARRLE IN THE LANE</strong> (*) - (Trad.) The Reed Island Rounders (Diana Jones-banjo, Betty Wornbrock-fiddle, Billy Cornette-guitar). [1’30’’] <br /><strong>CAMP CHASE</strong> (*) - (Trad.) performed by Robert Morrison. [1’55’’] <br /><strong>GOOD BYE OLD PAINT</strong> - (Trad. ) performed by Jess Morris, Library of Congress Recording (recorded by Alan Lomax in 1942). [15’’] <br /><strong>BARBARA’S TUNE</strong> (*) - (Reed Martin) performed by Reed Martin. [1’15’’] <br /><strong>COAL CREEK MARCH</strong> (*) - (Trad. - Pete Steele) performed by Reed Martin. [30’’] <br /><strong>AT A GEORGIA CAMP MEETING</strong> (*) - (Mills © Emi Music Publishing) performed by Bill Rutan (tenor banjo), Frank Hamilton (guitar) & Morris Hirsch (fiddle) – with the kind permission of Emi Music Publishing. [1’10’’] <br /><strong>DUCKS ON THE MILLPOND</strong> - (Trad.) performed by Tommy Jarrell-fiddle, Kyle Creed-banjo, Audine Linberry-bass & Bobby Patterson-guitar, in June Apple, Old Time and Clawhammer Banjo, Heritage Records, HRC CD 038, 1993. With the kind permission of Bobby Patterson. [1’30’’] <br /><strong>RUBIN</strong> - (Trad. ) performed by Tommy Jarrell-fiddle, Kyle Creed-banjo, Audine Linberry-bass & Bobby Patterson-guitar, in June Apple, Old Time and Clawhammer Banjo, Heritage Records, HRC CD 038, 1993. With the kind permission of Bobby Patterson. [35’’] <br /><strong>RUBY</strong> – (Trad.) performed by Geoffrey Stelling, in Hard Driving!, Geoff Stelling’s Hard Times Bluegrass Band, Stelling Banjo Works, 1974. With the kind permission of Geoffrey Stelling. [2’50’’] <br /><strong>THE WORRIED BLUES</strong> (Going Down the Road Feeling Bad) - (Trad.) performed by Samantha Bumgardner (recorded in New York, NY, for Columbia Records, 1924). [3’ in background] <br /><strong>FOURTEEN DAYS IN GEORGIA</strong> - (Trad.) Reid Ringer-fiddle & Robert Morrison-banjo,in Camp Chase, Camp Chase Music, 2001. [40’’] <br /><strong>“CLOSING REMARKS”</strong> by H. P. Van Hoy by H.P. Van Hoy from the recording entitled 37th Annual Old Time Fiddler’s Convention at Union Grove North Carolina, Folkways 02434 provided courtesy of Smithsonian Folkways Recordings. © 1962. Used by Permission. [30’’] <br /><strong>A BANJO FROLIC</strong> - (Joe Morley) performed by Mr William Ball, in Pompadour, Self Produced CD, ed. Turner, used with permission by Phil Spiers. [3’] <br /><span class=Source>(*) means recorded live and used with the kind permission of the performers</span> <br /><span class=Soustitre>BANJO MAKERS</span> <br />Kevin Enoch (Enoch Banjos), lo Gordon (Cedar Mountain Banjos), Peter Ross (Jubilee Banjos), Geoff Stelling (Stelling Banjo Works), George Wunderlich (Wunder Banjo Co). <br /><span style=\text-decoration: underline;>A special thanks to:</span> All the artists filmed and interviewed Marc Hellemans (cultural attaché, US Embassy in Belgium) M.I.M. Musical Instrument Museum in Brussels Public Affairs Office at the Library of Congress in Washington, DC American Folklife Center staff: Sheryl Cannady, Jennifer A. Cutting, Judith A. Gray & Ann Hoog Karen & Alan Jabbour Pearl & Joel Bailes (Washington DC) Mary & Lo Gordon (Brevard, NC) Mary & Frank Hamilton (Atlanta, GA) Alexia Smith & Mike Seeger (for their warm hospitality, delicious meals… and music !) Peggy Seeger Fran & Homer C. Myer (for a wonderful stay at Myer’s farm, Union Grove NC) Dr Lynn White, Peggy Harmond & Richard Dillingham, Southern Appalachian Center, Mars Hill College, Mars Hill NC Jean Leroy (for the design of the initial projet) <br /></span><span class=Source><span class=Source>CD A banjo frolic © Frémeaux & Associés (frémeaux, frémaux, frémau, frémaud, frémault, frémo, frémont, fermeaux, fremeaux, fremaux, fremau, fremaud, fremault, fremo, fremont, CD audio, 78 tours, disques anciens, CD à acheter, écouter des vieux enregistrements, albums, rééditions, anthologies ou intégrales sont disponibles sous forme de CD et par téléchargement.)<br /></span></span>*** <span class=Source><span class=Soustitre2>PRESSE<br /></span></span><span class=Texte><strong>Gérard de Smaele s'entretient avec Marc BAUDUIN - LE CANARD FOLK</strong><span class=Source><br /></span></span><em>Le Canard Folk :</em> Né à Jemappes dans une famille flamande en 1951, Gérard De Smaele découvre en 1966 le banjo-guitare grâce à un musicien d'un skiffle band. Les rares disques folk américains qu'on trouvait en Belgique, notammentde Pete Seeger, étaient cependant joués au banjo à 5 cordes : c'est donc cet instrument qu'il s'achète à Bruxelles l'année suivante, pour l'apprendre en autodidacte et, au fil de ses voyages (cours avec Roger Sprung à New York, ...) et rencontres (l'incontournable Derroll Adams à Anvers), en devenir le spécialiste belge. (...) Gérard De Smaele sera partiellement détaché au MIM (qui dépend du même ministère que l'Albertine) pendant environ un an pour s'occuper de l'expo. Cette première expérience pour le MIM ne fut pas une sinécure ! Le musée n'ayant pas encore beaucoup d'expérience en ce domaine et peu de budget pourexposer d'anciens instruments, Gérard propose que des luthiers contemporains qui s'inspirent d'anciens instruments exposent leurs réalisations. C'était l'occasion rêvée d'inviter des maîtres comme Mike Seeger, Bob Carlin, Tom Paley, Ulf Jagfors (un chercheur suédois assisté de Daniel Jatta) ... et peut-être prévoir un documentaire ?<br /><em>Gérard de Smaele :</em> J'avais déjà été plusieurs fois dans des festivals américains, et j'ai au fil du temps eu beaucoup de contacts là-bas depuis 1976. Alors que je lui téléphonais depuis Union Grove NC, le réalisateur Patrick Ferryn (qui n'est pas spécialisé en musique) me dit : au fond, j'aimerais y aller avec toi pour filmer. C'était ce qu'il fallait pour l'expo, mais je ne savais pas encore tout ce que cela nécessiterait comme travail.<br /><em>L.C.F. :</em> Mais faire un tel documentaire coûte cher. Le MIM n'avait pas la possibilité d'intervenir financièrement, et Gérard ne trouve personne en Belgique pour le subsidier ... excepté, finalement, le service culturel de l'ambassade américaine. Cela permet de payer les déplacements, quelques hôtels et les frais de studio. Gérard fait le plan du voyage, planifie les visites, prépare les questions. Au retour en Belgique, il liste et décrit les séquences, et les choisit. Patrick Ferryn les assemble, et un travail de studio est encore nécessaire pour synchroniser le son et les images. (...)<br /><em>G.d.S. :</em> Le but de ces publications est que le public de chez nous dispose enfin de suffisamment de repères, de points de comparaison pour cet instrument. Qu'on ne vienne plus nous embêter avec tous ces gens qui jouent au cowboy. Qu'on sache que cette musique est profonde humainement et qu'elle véhicule un certain état d'esprit, une mentalité qui peut aider l'homme moderne. Qu'on ne se limite pas à ceux qui jouent en costume cravate dans les hôtels 4 étoiles. Elle nous montre de quoi sont capables des hommes ordinaires éloignés du show business, ce qu'était la musique populaire avant la radio et les disques ... Il y a tant d'émotion chez ces gens. Cela nous éloigne aussi de tant de clichés sur les Etats- Unis... (...) Les premiers enregistrements de banjo étaient d'une part des collectages à fins didactiques (la Library of Congress et l'université de Chappel Hill en conservent heureusement une collection fort importante), d'autre part de la musique de la campagne sélectionnée pour attirer les acheteurs et promouvoir les spectacles. Cela a pris de l'extension, et est devenu l'industrie de la musique country vers la guerre de 40. Le bluegrass est resté un peu l'esprit artisanal de cela,une niche à part. Mais il y a un peu de tout, du bon et du moins authentique. Personnellement je pratique essentiellement le Old Time. Le monde est malheureusement divisé. Ce qui importe c'est les bons sentiments et l'émotion qui touche le public? Il faut idéalement voir les artistes sur place, devant leur auditoire, aux Etats-Unis. On y ressent un courant difficile à expliquer ici en Belgique. Et rappelons quand même que dans le country commercial moderne il n'y a quasi pas de banjo.<br /><em>L.C.F. :</em> Bon, Gérard, mais pourquoi diable fallait-il une cinquième corde ? Est-ce qu'avec un autre instrument on aurait pu imaginer arriver au même résultat ?<br /><em>G.d.S. :</em> Ah non, il faut cette corde à part, plus courte, plus aigüe, qui fait toute la différence. Cette configuration vient de ces cirques, ces théâtres, l'Afrique, et s'est transmise aux musiciens blancs qui se sont inspirés des Noirs des plantations, et il a donné une couleur africaine à leur manière de jouer. Au début du Minstrel Show, des musiciens se sont même grimés en noir et africanisaient des musiques européennes. Grâce à ces troupes ambulantes, c'est la première fois aux USA qu'une musique devenait tellement populaire, suscitait un tel engouement. Ces troupes ont joué dans des régions plus isolées du Sud, dans des communautés d'origine européenne (Grande-Bretagne, Irlande, ...) qui mettaient alors leurs ballades et leur répertoire dans ce moule, provoquant un mélange extraordinaire. Pour revenir à l'instrument : le banjo classique, en vogue après la guerre de Sécession et jusqu'à la première guerre mondiale, a une autre couleur. Le banjo ténor à 4 cordes peut être utilisé par les violonistes car il s'accorde en quintes, il parle plus aux Européens. Et quand on a mis des manches de guitare sur des banjos (les banjos-guitares) pour avoir un manche un peu moins mystérieux, cela avait aussi une autre couleur. En fait le banjo américain est à l'origine conçu avec une chanterelle. Il existe une série de techniques de jeu qui fonctionnent uniquement avec 5 cordes. Quand on frappe par exemple les cordes, le pouce suit automatiquement et tombe sur la cinquième, qui fait bourdon.<br />LE CANARD FOLK</p></p>" "dwf_titres" => null "unit_price" => "" "price_cd" => 25.992 "img_url" => "https://preprod.fremeaux.com/img/p/1/7/8/0/0/17800-home_default.jpg" "cover" => array:9 [ …9] "authors" => [] "performers" => [] "images" => array:1 [ …1] "has_discount" => false "discount_type" => null "discount_percentage" => null "discount_percentage_absolute" => null "discount_amount" => null "discount_amount_to_display" => null "price_amount" => 25.992 "regular_price_amount" => 25.992 "regular_price" => "25,99 €" "discount_to_display" => null "unit_price_full" => "" "show_availability" => false "availability_message" => null "availability_date" => null "availability" => null ] -language: Language {#40} -arrayAccessList: ArrayObject {#416 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false iteratorClass: "ArrayIterator" storage: array:142 [ …142] } -arrayAccessIterator: ArrayIterator {#762 flag::STD_PROP_LIST: false flag::ARRAY_AS_PROPS: false storage: array:142 [ …142] } -methodCacheResults: [] } 10 => ProductListingLazyArray {#750 -imageRetriever: ImageRetriever {#760 -link: Link {#163} } -link: Link {#163} -priceFormatter: PriceFormatter {#758} -productColorsRetriever: ProductColorsRetriever {#757} -translator: TranslatorComponent {#55} #settings: ProductPresentationSettings {#756 +catalog_mode: false +catalog_mode_with_prices: 0 +restricted_country_mode: null +include_taxes: true +allow_add_variant_to_cart_from_listing: 1 +stock_management_enabled: "0" +showPrices: true +lastRemainingItems: "3" } #product: array:126 [ "id_product" => "5401" "id_supplier" => "0" "id_manufacturer" => "0" "id_category_default" => "0" "id_shop_default" => "1" "id_tax_rules_group" => "6" "on_sale" => "0" "online_only" => "0" "ean13" => "3561302401980" "isbn" => null "upc" => null "ecotax" => "0.000000" "quantity" => 10000 "minimal_quantity" => "1" "low_stock_threshold" => "0" "low_stock_alert" => "0" "price" => "25,99 €" "wholesale_price" => "0.000000" "unity" => null "unit_price_ratio" => "0.000000" "additional_shipping_cost" => "0.00" "reference" => "FA4019" "supplier_reference" => null "location" => null "width" => "0.000000" "height" => "0.000000" "depth" => "0.000000" "weight" => "0.000000" "out_of_stock" => "2" "additional_delivery_times" => "1" "quantity_discount" => "0" "customizable" => "0" "uploadable_files" => "0" "text_fields" => "0" "active" => "1" "redirect_type" => "301-category" "id_type_redirected" => "0" "available_for_order" => "1" "available_date" => null "show_condition" => "0" "condition" => "new" "show_price" => "1" "indexed" => "1" "visibility" => "both" "cache_is_pack" => "0" "cache_has_attachments" => "0" "is_virtual" => "0" "cache_default_attribute" => "1857" "date_add" => "2021-11-12 11:03:44" "date_upd" => "2022-06-23 13:55:38" "advanced_stock_management" => "0" "pack_stock_type" => "3" "state" => "1" "price_code" => "321" "id_shop" => "1" "id_lang" => "1" "description" => "<p><p align=justify>Fabienne d’Ortoli et Michel Amram poursuivent une oeuvre jamais entreprise auparavant : filmer la pédagogie au quotidien. “Wiensjahr-l’année de Vienne” montre les outils mis en place pour permettre aux enfants de comprendre ce qu’ils vont voir et entendre à Vienne, in situ.<br />Une ronde de personnages aussi riches et complexes que Freud, Sissi ou Mozart ne sont pas seulement évoqués mais étudiés dans un ensemble qui ne se situe pas en marge du programme scolaire mais en fait partie intégrante. Le ciné-club, la classe, la cuisine, l’atelier Beaux-Arts, le théâtre, la salle de Réunion, seront ainsi, tour à tour, les lieux où Vienne va vivre à La Neuville, avant que tous les enfants et les adultes n’aillent sur place, pour une classe de découverte qui porte bien son nom. Au retour, et pendant tout le dernier trimestre, on voit les enfants jouer avec toutes ces émotions et créer dans leur petit théâtre : “Viennoiseries à la sauce freudienne” une comédie musicale qui doit beaucoup à Sternberg, Ophuls et Lubitsch ! <br />Vincent Blanchet (réalisateur de “Parole, l’héritage Dolto”) introduit dans l’école caméras et micros sans qu’enfants, ni spectateurs, n’en sentent la présence : pendant près d’une heure et demie le spectateur est au cœur de la Neuville pour vivre un projet pédagogique unique. » <br /><strong>Patrick Frémeaux</strong>, l’éditeur<br /><strong>DVD 1 :</strong> le film "L'Année de Vienne" par Fabienne d'Ortoli et Michel Amram, durée 86 minutes<br /><strong>DVD2 :</strong> Bonus, durée 150 minutes environ<br /><strong>Droits : Frémeaux & Associés Télévisions sous licence de l'Ecole de la Neuville.</strong></p></p><br><br>" "description_short" => "<h3>UN FILM DE FABIENNE D'ORTOLI ET MICHEL AMRAM</h3>" "link_rewrite" => "l-annee-de-vienne-l-ecole-avec-francoise-dolto-2-2-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "L’Année de Vienne - L’École Avec Françoise Dolto 2 (2 DVD)" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1857 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5401-17798" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5401&rewrite=l-annee-de-vienne-l-ecole-avec-francoise-dolto-2-2-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:1 [ …1] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>L’année de Vienne</h3><p align=justify><span class=Texte><strong>Frémeaux & Associés Télévisions & L’Ecole de La Neuville présentent <br /></strong><span class=Soustitre2>L’Ecole avec Françoise Dolto (II)</span> <br /><em>Un film de FABIENNE D’ORTOLI ET MICHEL AMRAM <br /></em><br /><span class=Soustitre>Sommaire</span> <br /><strong>DVD 1</strong> <br />• Wiensjahr, l’année de Vienne - 86 mn <br /><strong>DVD 2</strong> <br />• A propos de l’année de Vienne - 33 mn <br />• Culture et scolarité - 37 mn <br />• Viennoiseries à la sauce freudienne - 31 mn <br />Le film et les compléments de programme ont été réalisés par Fabienne d’Ortoli & Michel Amram, fondateurs et actuels responsables de l’école. <br />Images complémentaires et montage : Emmanuelle Dupouy et Louis Blanchet-Kapnist. <br />Mixage et étalonnage vidéo : Vincent Blanchet. <br />Sous-titrage anglais : Perle Mohl. <br /><span class=Source>Nous remercions l’équipe pédagogique de la Neuville pour sa collaboration, ses conseils, le soutien apporté à ces réalisations pédagogiques : Emmanuel Audusse, Sophie Cornelis, Maïder Leroux, Rania Makhoul, Saturnin Mesnil, Zoé Mesnil, Clémence Morisseau, Nicolas Mullier, Thibaut de Noblet, Sébastien Pesce, Flavia Silva, Adrien Simiot, Bouchaïb Zouggari. Nos plus vifs remerciements à Françoise Samson et Michel Plon pour leur participation au programme “Vienne” et au film : “Wiensjahr”</span> <br />“La question décisive pour le destin de l’espèce humaine me semble être de savoir si et dans quelle mesure son développement culturel réussira à se rendre maître de la perturbation apportée à la vie en commun par l’humaine pulsion d’agression et d’auto-anéantissement. A cet égard, l’époque présente mérite peut-être justement un intérêt particulier. Les hommes sont maintenant parvenus si loin dans la domination des forces de la nature qu’avec l’aide de ces dernières il leur est facile de s’exterminer les uns les autres jusqu’au dernier. [...] Et maintenant il faut s’attendre à ce que l’autre des deux “puissances célestes”, l’Eros éternel, fasse un effort pour s’affirmer dans le combat contre son adversaire tout aussi immortel. Mais qui peut présumer du succès et de l’issue?” <br />Freud, Le malaise dans la culture, 1938 <br /><strong>Dans ce double DVD</strong> <br /><span class=Soustitre>A l’école de la culture <br /></span>La première chose que les enfants demandent à la rentrée, à peine arrivés, c’est : “Où est ce qu’on part en voyage cette année ?”. C’est dire si ce voyage est important pour eux. Mais avant de partir, on va les familiariser avec l’histoire de ce pays, sa langue, ses coutumes, sa cuisine, ses personnages célèbres, en un mot, avec tout ce que l’on peut imaginer pour les intéresser au projet. On va donc leur proposer, en dehors des heures de classe, mais parfois aussi pendant, un accompagnement culturel en vue de ce voyage auquel vont participer, bien sûr, tous les enfants et tous les adultes. Comme ce séjour se déroule au Printemps, cela nous laisse pas mal de temps pour approfondir les choses. Et à notre retour, on va se servir de tout ce que l’on aura découvert pour construire un spectacle qui sera joué à la fin de l’année, par tous les enfants, dans le théâtre de l’école. Mais peut-être certains se demanderont pour quelles raisons dépenser tant d’énergie pour un domaine, la culture, dont l’utilité pourrait sembler secondaire dans une école ? Nous répondrons que notre expérience pédagogique nous a enseigné le contraire. Nous avons compris, en effet, au fil des années, que la culture est le chemin qui mène le plus sûrement aux apprentissages scolaires parce qu’elle donne du sens à tout ce qui est entrepris. Ce prétendu détour n’est qu’apparent. Le recours à la culture permet bel et bien de placer la scolarité au centre de l’école et dans un environnement qui permet aux enfants, à tous les enfants, même ceux qui ont du mal avec leur scolarité de s’y intéresser, comme l’a souvent souvent souligné notre marraine, Françoise Dolto : “Évidemment, nous avons tous recours à des notions que nous n’avons pas expérimentées. Nous devons alors nous en remettre à l’expérience des autres… Mais alors, justement, il faut le dire. Surtout dans les situations d’apprentissage telles que l’école en crée quotidiennement. Si l’on entreprend de dessiner la carte du monde, il convient d’abord de parler des hommes qui ont découvert ces pays, de parler des voyages qu’ont entrepris ces explorateurs. Les enfants sauront ainsi ce qui a été à l’origine de ce qu’on leur enseigne, ils comprendront ce que ça veut dire de faire une carte. Cela ne sert à rien de dessiner et de colorier les reliefs, d’apprendre les noms et les superficies si le maître ou les parents n’ont pas décrit en quoi cela consiste de remonter à la source d’un fleuve, d’escalader une montagne, s’ils n’ont pas dit la nécessité de ces entreprises humaines, traduit les noms de ces villes, situé ces régions parfois éloignées, inconnues, parlé des hommes qui y vivent et de l’histoire de ces peuples. Nous ne savons rien, dans quelque domaine que ce soit, que par le témoignage de ceux qui ont exploré et donné sens à ce qu’ils ont vécu. Toute connaissance n’a de sens qu’à travers les humains qui ont laissé témoignage…” Dans un premier temps de l’histoire de l’école, il y avait déjà eu les classes de mer en Corse. Dans Murtoli et sa maison du XIIIème siècle surplombant la crique, toute la vie institutionnelle était à reconstruire. Et, notamment, au gré des opérations de la vie quotidienne qui faisaient de nous autant de Robinson Crusoe.?Nous allions, par exemple, chercher l’eau nécessaire à notre survie auprès d’une source cachée dans les rochers. “Votre classe de découverte, avait commenté Françoise Dolto, les enfants de La Neuville s’y ressourcent secrètement”. <br />Fabienne d’Ortoli & Michel Amram <br /><strong>La collection</strong> <br /><span class=Soustitre>L’école avec Françoise Dolto</span> <br />“L’école avec Françoise Dolto”, c’est d’abord un livre paru en octobre 1990 aux Editions Hatier dans la collection dirigée alors par Catherine Dolto. Ecrit un an après la mort de la psychanalyste, le livre, sous-titré “Le rôle du désir dans l’éducation” raconte à la fois l’aventure pédagogique des Neuvillois et les quinze années que dura la collaboration avec celle qui fut la marraine de l’école. Il fallut vingt ans pour en voir la version cinématographique : Françoise Dolto & La Neuville (réédité chez Frémeaux Associés) dans le cadre d’une collection de films à paraître à partir de septembre 2008. Cette collection a pris la forme, de plusieurs “double dvd” avec, dans chaque coffret, un film et de nombreux compléments de programme qui accompagnent et prolongent les propos du film apportant les informations utiles à une meilleure compréhension du film mais aussi des outils de l’école. Cette collection offre sur l’ensemble du travail accompli à L’Ecole de La Neuville des vues à la fois fragmentaires et multiples, nécessaires pour comprendre l’ensemble des processus pédagogiques et institutionnels en jeu. Le second film : “Wiensjahr, l’année de Vienne” complète le premier volume de la collection en présentant le programme culturel de cette année 2004 au centre duquel figure Sigmund Freud, “le maître de nos maîtres”. Il permet aussi de voir l’Ecole telle qu’elle fonctionne aujourd’hui. Le prochain film de la collection abordera le sujet de la Pédagogie Institutionnelle en donnant à Fernand Oury la place qui lui revient pour son influence sur le projet neuvillois. <br />“Ce qui a fait l’originalité du rapport qui s’instaura entre Françoise Dolto et vous, c’est que jamais vous n’avez eu l’idée d’appliquer en quoi que ce soit un quelconque savoir. Ce fut même l’inverse : vous étiez venus la trouver avec vos idées, vos projets, dans lesquels, et sans aucun doute ce fut là l’un de ses traits de génie, elle entendit, sous une forme autre, ce en quoi elle croyait, ce pour quoi, ailleurs et autrement, elle luttait. Elle reconnut dans l’entreprise neuvilloise un véritable laboratoire qui, en toute ingénuité, mettait ses idées à l’épreuve, les travaillait, les soulignait et, ce qui ne pouvait que la ravir, les enrichissait. En toute ignorance et en toute simplicité, elle vous donna une impulsion décisive grâce à laquelle vous alliez fonder ce que j’aime appeler un lieu où il y a de l’école.” <br /><em>Michel Plon</em>, Dix ans après, Editions ESF <br /><strong>Le film</strong> <br /><span class=Soustitre>Les voyages forment la jeunesse…</span> <br />par Fabienne d’Ortoli et Michel Amram <br />Le voyage à Vienne s’annonce comme devant avoir un programme particulièrement dense. La figure de Freud s’impose, au centre, comme étant l’un des éléments essentiels surtout avec la possibilité, sur place, d’aller voir sa maison transformée en Musée. Nous l’avions déjà visitée et nous nous souvenions de notre émotion en montant l’escalier et devant la porte avec la plaque à son nom : “Prof. Dr Freud”. Parler de Freud, de sa vie, de son œuvre ne nous suffit pas, cependant. On a aussi envie de parler aux enfants de la psychanalyse et de leur expliquer les différentes formes de thérapies, et de définir ce que sont le psychiatre, le psychanalyste et le psychologue. Expliquer les mots, présenter les pratiques, nommer les besoins. D’emblée, il nous paraît nécessaire de nous attacher la collaboration d’un psychanalyste pour mener à bien ce projet ambitieux. Les interventions de Françoise Samson prendront la forme de “conférences express”, c’est-à-dire de séances de questions/réponses après que nous ayons avancé un peu. Le mythe d’Œdipe et les rêves, figurent au premier rang des questions abordées et qui tout de suite suscitent un vif intérêt de la part des enfants. Le film de John Huston “Freud, passions secrètes” permet de présenter la démarche du jeune Freud et de l’accompagner sur le chemin tortueux de ses premières découvertes. En contrepoint de ces aspects plutôt ardus du programme, on va intéresser facilement les enfants à un personnage populaire : Elisabeth d’Autriche, la fameuse Sissi. A travers les films qui ont rendu célèbre Romy Schneider mais aussi en se rapprochant davantage de la réalité et en mettant en perspective la fin du règne des Habsbourg. Parmi les témoignages, sur lesquels on va s’appuyer, figure l’autobiographie de Stefan Zweig : “Le Monde d’hier”. Rapidement, d’ailleurs, nos propos vont se centrer sur la très riche période du tournant du siècle à Vienne, période durant laquelle la capitale autrichienne va être le creuset d’une impressionnante série de découvertes en matière d’urbanisme, d’art, de littérature mais aussi, hélas, de montée de l’extrémisme et de l’antisémitisme (qui annoncent le nazisme). Cet ensemble d’informations demandera plusieurs mois à faire partager mais permettra de placer le travail concernant Freud dans son contexte historique. Le livre de Carl Schorske “Vienne, fin de siècle” nous sera particulièrement précieux. Un autre aspect de notre travail concernait la musique. Là encore, nous avons procédé en plusieurs étapes. La première fut de présenter les grands musiciens classiques : Mozart, Haydn, Beethoven, Schubert. On en fit un jeu : apprendre à les reconnaître. Pari osé et cependant fondé sur le fait que nous pensions que cela pouvait leur plaire, au fil des semaines, d’entendre cette musique d’un autre âge qu’ils ignoraient, pour la plupart, et qu’ils n’auraient pas forcément envie de découvrir sans ce contexte, très particulier, spécifique, du voyage. <br />Le Beau Danube bleu (Johann Strauss) Adaptation pour “Viennioiseries à la sauce freudienne” Danube bleu Aux sons mélodieux Au rythme harmonieux Mesdames et messieurs Nous sommes joyeux Et faisons le vœu Dans cette ville aimée des dieux D’un séjour bienheureux Dans le clair matin Les p’tits parisiens Se balancent rient et dansent Au bord de cette eau Parmi les roseaux Crient et chantent les chansons des oiseaux Et tout le long des rives Bientôt par deux arrivent Garçons et demoiselles Venant s’embarquer dans les nacelles On rêve sur ce chemin mouvant Tous d’entendre au gré du vent Les compositeurs du passé Jouer sans se lasser Les musiques que l’on aime Toujours gaiement et même Quand elle ne sont pas gaies Leur cortège innocent nous distrait Allons vous, drôles de gens neuvillois Allez goûter la douceur des Viennois Et sur le Danube enchanté Aimer boire et chanter Nous on laisse les beaux séjours Nous influencer toujours Écoutez, jeunes étudiants Et profitez de votre temps La flèche au centre de la place Saint-Etienne Pointe fièrement vers le ciel Comme le font ses petites voix chrétiennes Qui resteront nos modèles Un peu plus loin, la patisserrie Sacher Nous amène à nous taire On se régale de plaisirs terre à terre Chantilly et mystère Des opéras gorgés d’arias louangés Dont c’est l’Apogée Nous attendent patiemment Au Volksoper depuis cent ans Le soir vient, il apporte à son tour La fin du rêve, l’instant du retour Le jour peu à peu s’évanouit Le ciel s’obscurcit, c’est la nuit. Sur la Bergasse, nous entrons et tout fiers, Au numéro dix-neuf dans la maison Du Professeur Freud. La lumière Eclaire un instant notre raison De Sissi, la silhouette célébrée Au Prater apparaît, dans une robe chamarée Elle se lève Elle valse, Johann Strauss est en nage ! C’est la fièvre ? Mais non, c’est un mirage ! Danube bleu Aux sons mélodieux Au rythme harmonieux Mesdames et messieurs Cet air nous émeut Comme un doux aveu A cette ville aimée des dieux Il nous faut dire… Cela ne tient pas d’un quelconque miracle, si ce n’est que cela touche à ce voyage que l’on va faire. Les enfants l’attendent avec impatience, s’en réjouissent par avance et ils savent, eux aussi par expérience –la plus grande partie du groupe en ayant déjà fait trois ou quatre, certains plus encore– que tout ce qui enrichit la préparation au voyage, enrichit le voyage. Ils ont confiance et se sentent prêts à nous suivre parce que les expéditions en Andalousie, à Dublin, en Grèce, à Berlin les ont convaincus. Ça vaut le coup ! Et tout ce qui touche au voyage suscite leur intérêt, c’est comme de la magie ! Ainsi les musiciens viennois ne sont plus les musiciens classiques que l’on connaît mais les musiciens du voyage à Vienne ! Autrement dit nos musiciens pour cette année. Aborder le sujet prit du temps. Pour commencer de la musique instrumentale et presque uniquement des œuvres pour clavier (peut-être les plus simples à recevoir) les écoutes musicales ayant lieu pendant quelques minutes mais chaque jour. Un peu plus tard, on aborda l’opéra mais toujours sous la forme de documents vidéo : pour éviter le caractère “ridicule”, “décalé” de ces voix inhabituelles. <br />Sous cette forme visuelle, ces chanteurs étaient des hommes et des femmes vivant des aventures extraordinaires, comme dans les contes de fée mais pouvant leur transmettre leurs émotions. La longue préparation du début avait bien préparé le terrain, les opéras, eux, connurent un succès immédiat, notamment ceux de Mozart, en particulier “La flûte enchantée” que nous avions largement utilisée, deux ans auparavant, dans une de nos comédies musicales. Ainsi fonctionne le programme, par touches, année après année, comme un réseau où, comme pour les polders, on gagne du terrain petit à petit. Nos propositions leurs paraissent d’abord étranges, au sens d’étrangères, puis seulement étonnantes voire un peu ennuyeuses, enfin elles deviennent, pour la plupart, intéressantes parce que rendues familières, ils sont devenus sensibles à cette culture des choses belles, riches et complexes. Et parfois, soudain, cela peut même devenir pour certains passionnants et d’autres s’empresseront de les rejoindre, à leur propre surprise, parce qu’on aura éveillé leur curiosité. En marge de ces écoutes musicales : les valses, forcément viennoises, jouées tous les jeudis soirs durant les “anniversaires” connaissent un succès sans précédent. Formes musicales “faciles” et pas absentes de leur univers sonore. Le Beau Danube Bleu sera même chanté, en fin d’année, par une large chorale des enfants de l’école. Une fois communiqué les programmes de l’Opéra de Vienne où nous comptons bien les emmener (et en l’absence, d’un grand classique viennois, à notre grand regret), nous portons notre choix sur “La Traviata” dont les enfants entendront des extraits pendant les tous derniers jours à Tachy. Ils en verront quatre versions, en vidéo. Ils seront si familiers de l’œuvre de Verdi, que plusieurs d’entre eux, pourront ensuite, juger décevante l’interprétation que nous en verrons au Volksoper, à juste titre, car pauvrement mise en scène et pas si bien chantée que ça (il est vrai qu’ils l’avaient entendu, à l’école, par Placido Domingo ou Luciano Pavaorotti). Faut-il préciser que le séjour à Vienne s’est très bien passé. <br /><strong>Les compléments de programme</strong> <br /><span class=Soustitre>I. A propos de l’année de Vienne</span> <br />L’année de Vienne, et son programme expliqué, commenté par ceux qui chaque année le mettent au point. Tous les grands moments y sont abordés : l’annonce de la destination aux enfants, l’incontournable rituel du restaurant (ici le Paris-Vienne), les différents temps et aspects du programme culturel (l’invention de la psychanalyse par Sigmund Freud, la musique classique, Vienne au tournant du XXème siècle), la magie du séjour sur place, le retour et la fin de l’année qui prolonge, le voyage sur un mode actif. Fabienne d’Ortoli et Michel Amram évoquent à travers le film “Wiensjahr” une importante partie de la pédagogie de l’école de La Neuville : l’accès à la culture. <br /><strong>PROLOGUE</strong> (Adapté de “La Ronde” de Max Ophuls, d’après Arthur Schnitzler) <br />Viennoiseries à la sauce freudienne, scène I <br /><strong>LE NARRATEUR</strong> - Rassurez-vous, je ne vais pas vous faire un cours d’histoire. Vous sentez bien que je vais vous proposer quelque chose de plus léger, de plus intime, de plus élégant, en un mot de plus viennois. Mais où sommes-nous ici ? A l’Opéra ? Dans le Palais de la Hofburg ? Dans le cabinet du Docteur Freud ? On ne sait pas… En tout cas, nous sommes dans le passé, j’adore le passé. C’est tellement plus reposant que le présent et tellement plus sûr que l’avenir. Pour commencer que nous manque-t-il ? Une valse ? Voici la valse. ( il chante ) <br />“Tournent, tournent mes personnages <br />La terre tourne jour et nuit <br />L’eau de pluie se change en nuages <br />Et les nuages retombent en pluie <br />Belles Viennoises ou impératrice <br />François-Joseph et même soldats <br />Quand la valse se fait entendre <br />Tous ils dansent d’un même pas <br />Maintenant la ronde commence <br />C’est l’heure calme où meurt la nuit <br />Regardez la fille s’avance <br />Voici la ronde des viennoiseries <br />Tilalalala, la ronde innonde <br />Tilalalala et les Viennoises rient.” <br /><span class=Soustitre>II. Culture et scolarité</span> <br />L’équipe de la Neuville explique comment l’approche culturelle change radicalement les données des apprentissages scolaires Toute l’organisation de l’école a pour but d’offrir à chacun un éventail aussi large que possible de lieux de parole, d’activités, donc des occasions de réussite, à partir desquels pour chaque enfant, rien ne sera plus pareil et notamment la possibilité de vivre les situations d’apprentissage et la classe autrement. Donner à la classe, à l’apprentissage scolaire la place qui lui revient et qui est essentielle, fondamentale, ne doit pas consister à la surévaluer ou encore à sous-estimer les autres domaines qui sont également indispensables à la vie de l’école et à l’équilibre des individus. - Remplacer la discipline de caserne par celle de chantier, dit Fernand Oury. Pour des classes où l’on produit autre chose que des textes qui restent enfermés dans des cahiers. Imprimer des journaux, les échanger, correspondre avec d’autres classes, faire des enquêtes, s’organiser, discuter, voter, faire l’apprentissage de devenir autonomes, responsables. Les classes neuvilloises ne fonctionnent pas de façon isolée dans l’école. Cela permet qu’un certain nombre d’activités, d’institutions de l’école soient reprises dans la classe, de même que les activités de la classe ont souvent une influence sur le fonctionnement de l’école. Il est possible ainsi de gagner du temps (la classe est plus facile à mettre en place, les acquisitions se complètent plus facilement d’une année sur l’autre parce que les séjours des enfants dans la classe, et dans l’école, se poursuivent sur plusieurs années). Ce mode de scolarisation autorise aussi un fonctionnement de la classe plus centré sur les apprentissages scolaires dans la mesure où l’emploi du temps du reste de la journée offre toutes sortes d’activités manuelles, sportives ou culturelles. Les problèmes qu’un enfant pourra rencontrer dans la classe se trouveront relativisés. Du fait même qu’il saura par des réussites dans d’autres domaines que sa valeur n’est pas en cause, ses difficultés fonderont comme neige au soleil (Françoise Dolto). Avec la participation de : Zoé Mesnil, Fabienne d’Ortoli, Michel Amram, Saturnin Mesnil, Nicolas Mullier. <br /><strong>JOUER</strong> - C’est avec cet effectif, les enfants et les adultes qui sont là depuis septembre, que nous allons donner notre spectacle annuel. Cette comédie musicale qui est une des formes privilégiée de la pédagogie neuvilloise, avec tout ce qu’elle véhicule d’historique ou d’anecdotique ; de politique, de poétique ; de sérieux et de joyeux. “Cet amuse-école musical” comme l’a défini François, un Ancien, dès la première année, nous l’avons bâti, cette année, comme les précédentes, patiemment, semaine après semaine, atelier après atelier, en choisissant les musiques, les pas de danse, en créant les personnages, en écrivant les chansons, les dialogues, en apprenant les lignes, les airs, les rythmes, en confectionnant les costumes et les décors. Cette mise en scène que les enfants vont jouer, c’est, un peu, à chaque fois, le raccourci de notre année, comme un millésime est représentatif de l’année de sa récolte : toute notre énergie tendue, en cette fin d’année, vers ce but au point que le théâtre va devenir le lieu de notre complicité, le symbole de notre art d’enseigner et de vivre. Ainsi, le jour du spectacle, les invités auront l’occasion d’entrevoir sur la scène, par delà l’argument, la pédagogie développée dans l’école à base d’initiative, de responsabilité laissée à chacun pour des objectifs communs. Ce qui nous intéresse, en l’occurrence, c’est la capacité du groupe, à se dépasser, à offrir à l’école, donc à ses visiteurs, le meilleur de lui-même en y trouvant du plaisir. A cet instant, la fin de l’ultime période de l’année, le caractère éphémère qui est attachée à toute représentation théâtrale coïncide avec la spécificité, non moins éphémère, de l’acte pédagogique. Une fois le rideau tombé sur la dernière, certains de nos élèves nous quitteront, définitivement, que le travail soit complètement fini ou pas, que la représentation ait été réussie ou pas tout à fait. <br /><em>Fabienne d’Ortoli & Michel Amram</em> <br />Extrait de “Tous enseignent” <br /><span class=Soustitre>III. Viennoiseries à la sauce freudienne</span> <br /><em>Sorte de “Making of” de la comédie musicale “Viennoiseries à la sauce freudienne” dans lequel enfants et adultes racontent l’entreprise de monter un spectacle à l’Ecole de La Neuville.</em> <br /><strong>Edito <br /></strong>“Vienne à la fin du siècle dernier, enfante dans l’affranchissement de la morale et de la tradition, dans la dissolution des valeurs bourgeoises, quelque chose de radicalement nouveau : rien moins que le monde contemporain (…) Freud libère l’inconscient, Otto Wagner esquisse la ville de demain, Klimt révèle les visages d’Eros, Kokoshka révolutionne le langage et Schoenberg invente la musique.” C’est cette période, étudiée cette année, autour de notre séjour dans l’ancienne capitale de l’empire d’Autriche-Hongrie qui a inspiré notre spectacle annuel. Mais rassurez-vous, nous n’allons pas vous faire un cours d’histoire… comme vous le dira notre narrateur tout à l’heure, sur la scène. Si vous êtes familiers des spectacles neuvillois, vous devinez que l’univers qui vous sera proposé dans notre Petit Théâtre sera plus léger, plus élégant, plus intime… Parmi les grands maîtres du 7ème Art, figure bon nombre de cinéastes nés dans cette région, durant cette période et non des moindres : Lang, Murnau, Pabst, Preminger, Sirk, Zinnemann. Et encore, excusez du peu Ernst Lubitsch (né à Berlin), Max Ophuls (à Sarrebruck) et Josef von Sternberg (à Vienne) dont nous nous somme plus directement inspirés pour trouver la matière même de ces Viennoiseries… Le spectacle à proprement parler se présente sous la forme d’une série de sketches précédée d’un prologue et suivi d’un finale. Ils donnent à entendre, sans suite logique, Le monde d’hier, comme l’a justement nommé l’écrivain Stefan Zweig. Cet écrin visuel prend, tour à tour, l’allure du Palais de la Hofburg, d’un appartement sur la Ringstrasse, de la salle de l’Opéra, d’un grand hôtel de Venise ou du célèbre restaurant Maxim’s à Paris. Les protagonistes en sont l’Empereur et l’Impératrice, des demoiselles de compagnie, des soldats, un capitaine, des bourgeoises et leurs maris, un bijoutier, des escrocs et j’en passe… D’un sketch à l’autre, pour le plaisir, et comme dans un puzzle, on trouvera des personnages, des situations, des airs, des mots, représentatifs d’une époque pas si lointaine où le gramophone passait pour une invention révolutionnaire mais qui a donné naissance à bon nombre d’outils, bien loin d’être dépassés dont la psychanalyse qui constitue, en quelque sorte la toile de fond de nos saynètes d’où la sauce freudienne. <br /><strong>REPETITION</strong> - Nous sommes dans le théâtre. Je suis assis au premier rang. Quelques enfants regardent avec moi ce qu’il se passe sur la scène. J’essaie toujours de ne pas être seul à faire des commentaires aux comédiens d’autant que les remarques de leurs pairs pèsent souvent bien plus que les miennes. Je me montre exigeant. J’attends d’eux qu’ils fassent ce qu’ils ont montré qu’ils peuvent faire et qui leur a valu d’être choisi pour le rôle. Je le leur rappelle souvent. Cela fait douze ans que je mets en scène la comédie musicale annuelle mais je n’oublie jamais que nous ne sommes pas une école de théâtre. Le but recherché est très différent. Pourtant, au fil des années, et quel que soit l’effectif, s’est confirmé un savoir-faire qui est devenu celui d’une troupe. Peut-être depuis que nous avons joué ailleurs que chez nous, à Béziers, dans un vrai théâtre, devant des spectateurs que nous ne connaissions pas avec l’objectif de leur faire partager un jeudi après midi à la Neuville : “Oh, jeudi, c’est bien !”. La même année, nous avions fait un film sur l’école. On avait décidé pour économiser le temps et la pellicule qu’on ne ferait tourner la caméra que lorsqu’il n’y aurait plus la moindre erreur, à la répétition de la scène, pas avant. Dans les deux cas, la solution visait à établir une règle impersonnelle, compréhensible par tous. Je ne suis pas toujours suivi par les enfants sur ces principes. La plupart d’entre eux viennent au théâtre pour s’amuser et détestent continuer à travailler quand ils ne s’amusent plus. Mais ceci n’est pas spécifique au théâtre. Je leur dis souvent que c’est la seule activité de l’école dans laquelle je ne suis pas d’abord pédagogue parce qu’il ne s’agit pas seulement, comme en classe ou en atelier que chacun progresse à son rythme et suivant son désir, il y a le résultat d’ensemble à considérer. Un engagement a été pris et, le jour dit, les invités seront là. Or, sur le programme figurent ces mots : L’Ecole de la Neuville présente… Au moins une personne en est comptable, et c’est justement le metteur en scène… Monter le spectacle cette année est particulièrement difficile pourtant je dispose d’un groupe d’enfants motivés et talentueux. Mais la structure du spectacle fait que beaucoup repose sur un petit nombre, les réfugiés, et certains des comédiens manquent de l’expérience nécessaire pour parvenir à assumer le caractère fastidieux de toutes les répétitions. Travailler pour un objectif tellement différé est trop abstrait pour le néophyte. Il faut attendre la Couturière pour avoir la première répétition complète. Elle dure quatre heures et à peine achevée, on en fait la critique pendant une heure et demie parce qu’on est vendredi et que ça ne peut pas attendre jusqu’à lundi. “Je vous trouve admirables”, dit Fabienne aux enfants, en Réunion, cet après-midi là. Je trouvai aussi leur comportement admirable mais j’étais surtout préoccupé par tout ce qui restait à améliorer moins d’une semaine avant la première et du peu de temps disponible pour le faire. On reprend le lundi. Je trouve dans le théâtre une grande majorité des comédiens prêts à continuer le travail et à payer le prix nécessaire en efforts. Ceux-là savent, pour l’avoir vécu, que le jour du spectacle, on ne regrette pas le travail fourni. Ce serait plutôt le contraire, on regrette seulement de ne pas s’être assez bien préparés. J’explique que ma responsabilité est de faire en sorte que les comédiens soient prêts pour qu’ils n’aient pas ces regrets, pour qu’ils puissent susciter une admiration vraie des spectateurs et non l’attention amusée ou complaisante que l’on accorde volontiers à un spectacle d’enfants. Ils sont d’accord et comprennent bien à quel point il est important que tout soit fait suivant les règles de l’art. Enfin, c’est la première. Je ne peux plus rien faire que regarder. Le jour de la représentation n’appartient qu’à eux et la réussite aussi, c’est pourquoi je ne vais jamais sur scène saluer avec eux à la fin du spectacle. Dans “Ça ne va pas se passer comme ça”, ils ont été, comme l’a dit Fabienne, tout simplement admirables. Et je les ai attendus à la sortie des coulisses pour les féliciter, un à un. <br /><em>Michel Amram</em> <br />Extrait de “Tous enseignent” <br /><strong>L’année de Vienne n’est pas un cas particulier</strong> <br /><span class=Soustitre>L’année de la Scandinavie <br /></span>Les années se suivent et ne se ressemblent pas excepté pour ce qui est des rituels et notamment ceux, solidement établis aujourd’hui de faire chaque année un voyage en Europe et de donner à la fin de l’année un spectacle à l’école. 2008 n’a pas fait exception à la règle qui nous a vus prendre la direction du Danemark (et de la Suède) sur les pas de Perle Mohl, amie autochtone qui, avec le concours de Sébastien Pesce, nous a organisé un séjour tout à fait réussi en Scandinavie. Au mois de juin, nous avons joué “La Maison de Carl Larsson” qui rendait hommage au “design” des maisons nordiques, à leur élégance, à leur confort à partir de ce que laissait transparaître les aquarelles du peintre suédois. Nous avons utilisé pour support, un des classiques de la comédie musicale “Meet me in Saint Louis” de Vincente Minnelli, dont l’intrigue, purement imaginaire, se situe à la même époque et dans une ambiance qui nous a paru proche de l’univers scandinave. <br /><strong>AVEC?LES?NEUVILLOIS</strong> Lisbonne ?! Dans l’avion, avant le décollage, les hôtesses étaient affolées de voir autant de jeunes dans ce groupe. Mais, à l’arrivée, elles étaient stupéfaites, elles l’ont dit, de cette gestion du groupe par lui-même, où tout était repéré, mais de façon discrète et “coactive”, pour citer Tosquelles. Elles avaient vu à l’œuvre ce que Jean Oury et les “institutionnalistes” appellent un collectif : un groupe qui partage des valeurs, des règles et qui en est conscient. Toute cette organisation s’est poursuivie à l’hôtel où les Réunions avaient lieu jusque dans le hall, faute de place, et cette maîtrise se retrouvait dans les prises de parole de chacun. Un des plus grands l’a dit : “Je crois qu’on a donné une bonne image de l’école, à Lisbonne”. Et c’est vrai que la séance au Parlement, c’était quelque chose ! Les questions posées aux députés et ministres. Ils en sont restés soufflés : “Et si vous aviez pu faire autrement que la Révolution des Œillets ? Qu’est-ce que vous auriez fait ?” A peu près tout ce qui se passait l’était dans une dynamique étonnante, que ce soit les visites ou l’ambiance. C’est que ce n’était pas un simple voyage, cette classe de découverte, que vous répétez, tous les ans : de Lisbonne à Londres, en passant par Vienne ! C’est l’aboutissement d’un travail qui dure toute l’année, et qui est, à la fois, scolaire, intellectuel et culturel. Et, de retour à l’école, pour finir l’année, c’est la comédie musicale bien sûr ! Vous fourmillez toujours d’idées ! C’est là qu’il se trouve votre dispositif à “fomenter du désir”, comme disait Fernand. <br /><em>Jacques Pain</em> <br />Sciences de l’Education. Université de Paris-X <br />Le Film : 86 mn Les Compléments : 100 mn<br /><span class=Source>VOIR L'école avec Françoise Dolto II - L'année de Vienne (DVD) © Frémeaux & Associés / Frémeaux & Associés est l'éditeur mondial de référence du patrimoine sonore musical, parlé, et biologique. Récompensés par plus de 800 distinctions dont le trés prestigieux Grand Prix in honorem de l'Académie Charles Cros, les catalogues de Frémeaux & Associés ont pour objet de conserver et de mettre à la disposition du public une base muséographique universelle des enregistrements provenant de l'histoire phonographique et radiophonique. Ce fonds qui se refuse à tout déréférencement constitue notre mémoire collective. Le texte lu, l'archive ou le document sonore radiophonique, le disque littéraire ou livre audio, l'histoire racontée, le discours de l'homme politique ou le cours du philosophe, la lecture d'un texte par un comédien (livres audio) sont des disques parlés appartenant au concept de la librairie sonore. (frémeaux, frémaux, frémau, frémaud, frémault, frémo, frémont, fermeaux, fremeaux, fremaux, fremau, fremaud, fremault, fremo, fremont, CD audio, 78 tours, disques anciens, CD à acheter, écouter des vieux enregistrements, cours sur CD, entretiens à écouter, discours d'hommes politiques, livres audio, textes lus, disques parlés, théâtre sonore, création radiophonique, lectures historiques, audilivre, audiobook, audio book, livre parlant, livre-parlant, livre parlé, livre sonore, livre lu, livre-à-écouter, audio livre, audio-livre, lecture à voix haute, entretiens à haute voix, parole enregistrée, etc...). 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A l’inverse de l’approche courante, qui consiste à lire l’oeuvre pour comprendre la pensée du philosophe, ce documentaire nous propose de connaître l’homme pour comprendre sa philosophie. C’est ainsi, dans cette mise en relation avec le réel, que la philosophie est rendue accessible. La réalisatrice filme Michel Onfray dans son quotidien : à son domicile où l’on voit le philosophe artisan dans son processus de fabrication (lectures, collectage, recensement, réflexion, plan de cours, écriture…), mais encore face au public des cours de l’Université populaire, dans des conférences publiques à Paris où nous le voyons à l’oeuvre dans la diffusion de sa pensée. <br />Le film distille savamment des repères biographiques qui mettent en lumière la pensée de l’intellectuel et nous permettent de comprendre l’intégrité du philosophe militant. “Michel Onfray, philosophe, ici et maintenant” se regarde avec le même plaisir qu’une fiction et donne des clés d’accès à l’ensemble de son oeuvre. <br /><strong>Patrick Frémeaux<br /></strong>Longtemps je me suis demandée comment aborder l’homme pour restituer un peu de sa vérité, aller au-delà du cliché du philosophe très médiatique et éclairer en demi-teinte les zones d’ombre… <br /><strong>Élisabeth Kapnist<br /></strong><br />"ONFRAY (Michel) : Philosophe français (Chambois, Orne, 1959). Fondateur de l'Université populaire à Caen en 2002, il se réclame de l'héritage des cyniques antiques, d'Aristippe de Cyrène du matérialisme sensualiste de La Mettrie, ainsi que de Nietzsche (La Sagesse tragique : du bon usage de Nietzsche, 2006) et prône une philosophie de l'hédonisme (L'Art de jouir : pour un matérialisme hédoniste, 1991 ; Journal hédoniste, 4 tomes, 1996 - 2007) reposant sur l'exaltation des sens, notamment le goût (La Raison gourmande, 1995). II se fait également le partisan d'un athéisme virulent Traité d'athéologie, 2005) et d'un individualisme libertaire. il écrit également une Contre Histoire de la philosophie." <br /><strong>Le Robert</strong> des noms propres, p 1669<br />Droits : Frémeaux & Associés en accord Cinétévé et Arte. Un film d'Elisabeth Kapnist.</p></p><br><br>" "description_short" => "<h3>Suivi de la conférence</h3>" "link_rewrite" => "michel-onfray-philosophe-ici-et-maintenant-dvd" "meta_description" => null "meta_keywords" => null "meta_title" => null "name" => "Michel Onfray - Philosophe Ici Et Maintenant – DVD" "available_now" => null "available_later" => null "delivery_in_stock" => null "delivery_out_stock" => null "new" => "0" "id_product_attribute" => 1858 "product_attribute_minimal_quantity" => "1" "id_image" => "5403-17796" "legend" => null "manufacturer_name" => null "category_default" => null "orderprice" => 21.66 "allow_oosp" => true "category" => false "category_name" => false "link" => "https://preprod.fremeaux.com/index.php?id_product=5403&rewrite=michel-onfray-philosophe-ici-et-maintenant-dvd&controller=product&id_lang=1" "attribute_price" => 0.0 "price_tax_exc" => 21.66 "price_without_reduction" => 25.992 "price_without_reduction_without_tax" => 21.66 "reduction" => 0.0 "reduction_without_tax" => 0.0 "specific_prices" => [] "quantity_all_versions" => 10000 "features" => array:3 [ …3] "attachments" => [] "virtual" => 0 "pack" => true "packItems" => [] "nopackprice" => 0 "customization_required" => false "attributes" => array:1 [ …1] "rate" => 20.0 "tax_name" => "TVA FR 20%" "ecotax_rate" => 0.0 "classic_pack_price_tax_exc" => 21.66 "is_ap5_bundle" => true "dwf_parent_product" => "1" "dwf_distinctions" => null "dwf_livret" => "<h3>Michel Onfray, Philosophe, ici et maintenant</h3><p align=justify><span class=Texte><strong>Cinétévé et Frémeaux & Associés Télévisions présentent</strong> <br /><span class=Soustitre2>Michel Onfray, Philosophe, ici et maintenant</span> <br /><em>Un film d’Élisabeth KAPNIST</em> <br /><em>Suivi de : “Le Rire de Démocrite” (conférence intégrale)</em> <br />Longtemps je me suis demandée comment aborder l’homme pour restituer un peu de sa vérité, aller au-delà du cliché du philosophe très médiatique et éclairer en demi-teinte les zones d’ombre. Je ne suis pas journaliste – il ne les aime pas beaucoup – je n’avais donc pas l’intention de faire un énième reportage sur lui mais un documentaire nourri de réflexions, de silence, de questionnement, de respiration. Quand je commence un film, je ne suis sûre de rien : je cherche, je m’interroge, je me nourris de lectures, j’attends les intuitions. Une question revenait comme une obsession : qu’est-ce qu’une vie philosophique ? Première rencontre à Argentan. Nous avons parlé plus de quatre heures : de lui, de moi, du film encore en germe. Il était d’accord pour se lancer dans ce projet. J’ai senti que j’avais sa confiance. La balle était dans mon camp, à moi de jouer. Jouer – justement. J’ai l’esprit ludique. Je cherchais un moyen de casser la situation classique des entretiens – questions –réponses. Je voulais entraîner Onfray sur un terrain plus glissant, plus imprévisible, moins convenu – ce qui me semble en adéquation avec la singularité qui le caractérise. Aller voir du côté de la parole autre. Il vit avec les mots, il les fait danser avec virtuosité et jubilation : alors j’ai imaginé un jeu de 32 cartes, un jeu de lettres, un jeu de l’être. Des lettres qui renvoient à des mots : le E pour Ecriture, mais aussi Ethique, Ephémère, le M pour Mélancolie, Musique, et puis le A de Amitié, Ascèse, et ainsi à l’infini au gré des cartes dans une association totalement libre : du Corps au Rire, de la Solitude à la Vérité, de la Jouissance à Dieu. Tous ces mots choisis avaient un lien étroit avec son engagement existentiel et philosophique. A lui de les assembler ou de les opposer, de leur donner du sens, de les faire vivre ensemble toujours en résonance avec son histoire, son rapport au monde – comme des fragments d’archipel. Une sorte de partition libre où se mêlent l’intime et le philosophique – de la vie à la pensée dans un mouvement de va et vient créatif. Ce qui correspond précisément à son engagement éthique : On pense sa vie, on vit sa pensée. Pas de dichotomie entre une œuvre philosophique et son existence. Même si nous savons tous que le secret des êtres reste inaccessible, il est tentant de s’en approcher, de se mettre à l’écoute d’une parole philosophique hédoniste gardée par une éthique exigeante. Ce n’est pas par hasard qu’un public si nombreux assiste chaque lundi aux cours de l’Université Populaire de Caen. Son gai savoir est une belle réponse à ce désir d’apprendre et de comprendre. Tous les morceaux du puzzle réunis, il ne restait plus qu’à les assembler pour composer le portrait d’un homme qui ne cesse de sculpter sa propre vie. Faire de sa vie une œuvre d’art. <br /><em>Elisabeth Kapnist</em> <br />Février 2009 <br />© 2009 Frémeaux & Associés <br /><span class=Soustitre>Témoignage de Jean-Paul Enthoven,</span> <br /><strong>éditeur de Michel Onfray chez Grasset</strong> <br />Toujours, je me souviendrai de cet après-midi de septembre, voici une vingtaine d’années, lorsque je rencontrai Michel Onfray pour la première fois. Il m’avait envoyé un manuscrit par la poste ; j’avais été impressionné par la vigueur de son texte; il fallait qu’on se parle, que j’aie devant moi l’étrange personnage qui semblait tenir Diogène et Nietzsche pour ses contemporains les plus vivants. J’avais été troublé, surtout, par les mots si simples, si transparents, qui tissaient cette prose, et qui vibraient avec une authenticité dont l’époque (éprise de frime et de toc), ainsi que mon métier d’éditeur (une excellente école de dépit), m’avaient fait perdre le goût. L’homme que je vis alors ne ressemblait à personne : il était fier et humble, intransigeant et doux, heureux et pessimiste. Son manuscrit traitait, je crois, des manies alimentaires des philosophes (Sartre et les huîtres, etc…), mais n’en restait pas là : d’emblée, ce jeune auteur (il n’avait encore publié qu’un essai sur Georges Palante) avait l’intention d’enraciner les visions du monde et les concepts dans des corps épris, ascétiques ou jouisseurs. Il voulait, mais oui, prouver que les idées ne sont pas des nuées vaporisées par de grands esprits, mais des substances inscrites dans la chair et éventuellement ratifiées par une biographie. Aussitôt, entre nous, il y eut le miracle d’une amitié où l’on se voussoie, où l’on tolère ses différences, où l’on trouve de chic la bonne distance entre l’intimité (qui use autant que la passion) et l’éloignement (qui éteint la tendresse). Michel habitait en Normandie ; j’étais une caricature de parisien ; rien ne s’opposait, dès lors, à ce qu’une complicité durable s’établisse en nous. Vingt ans plus tard, cette complicité reste l’une des plus délicieuse surprise de ma vie. Bien sûr, Michel creusa très vite son sillon. Il s’y employa même avec une fécondité, une obstination, qui m’ont souvent déconcerté : d’où lui venait, d’où lui vient, cette énergie d’écrivain ? Pourquoi cette abondance de livres ? Cette urgence à dire ? Il serait trop facile d’indexer ce tempérament impatient sur une jeunesse fragile (un infarctus à vingt ans), ou sur l’ambition d’un homme-de-lettres pressé de rafler honneurs ou profits. Non, ce n’était pas cela : il y avait, chez Michel Onfray, le simple désir de bâtir quelque chose de cohérent, de battre en brèche les idoles en circulation (religion, platonisme, mortification, idéalisme fourbe…), et de hâter, dans l’existence de chacun, l’avènement d’une vraie joie. Au passage, je pus vérifier en maintes circonstances, que Michel haïssait la déloyauté, qu’il voulait rester fidèle aux siens, qu’il était d’une prévenance amicale sans pareille, qu’il se déplaçait sous un ciel désenchanté et vide - mais éclairé par une certaine idée de la fraternité et de la délicatesse. Le système mit un certain temps, on s’en doute, à comprendre qu’il tenait là un prototype inhabituel : sans concession pour les jeux médiatiques, mais pas phobique pour autant à l’endroit des lucarnes hertziennes ou câblées. Michel avait juste envie d’être lui-même en toutes circonstances, sans ménager ni brutaliser l’adversaire, et soucieux avant tout de produire des idées dont sa vie quotidienne serait comptable. Le succès, par la suite, n’a rien changé à ce dispositif originel : cet auteur de best-sellers continue de mépriser l’argent ; cet athée est plus miséricordieux que la plupart des dévots ; cet hédoniste aurait pu fréquenter les premiers disciples de Jansénius ; ce nietzschéen a le souci des faibles. Tout cela, au bout du compte, a fabriqué un être rare que je retrouve, dans ce film, tel qu’il m’est toujours apparu. Ecoutez sa voix si égale : elle est à son image, faite de tempérance et de colère contenue. Et observez son visage rieur et grave comme sa métaphysique. Michel Onfray est le philosophe le plus homogène à lui-même qu’il m’ait été donné de connaître. Cela ne plait pas à tout le monde ? Eh bien, on s’y fera… <br /><em>Jean-Paul Enthoven</em> <br />© 2009 Frémeaux & Associés Télévisions <br />© 2009 Groupe Frémeaux-Colombini SAS – Cinétévé – Arte – Michel Onfray – Grasset – UP de Caen <br /><span style=\text-decoration: underline;>Ce DVD contient :</span> <br /><strong>• Michel Onfray, philosophe, ici et maintenant. <br /></strong>Un film d’Élisabeth Kapnist (52 minutes) <br />Œuvres musicales utilisées dans la bande son du documentaire : <br />- The End of the line, A (John Fiddy / Sammy Burdson), disque Sonoton SCD045823 <br />- Sonate en sol majeur L 349 (Domenico Scarlatti), Sonia Classics SONI053702 <br />- Concerto italien en fa majeur BWV 971, Andante (Johann Sebastian Bach) Sonia Classics SONI041605 <br />- Sonate en Fa majeur L 188 (Domenico Scarlatti) Sonia Classics SONI053712 <br />- Discovery (Martyn Swain) Cavendish CAVC0254421 <br />- Ice queen (Laura Rossi) Cavendish CAVC025025 <br />- Concerto italien en Fa-Majeur BWV 971 <br />- Allegro vivace (Johann Sebastian Bach) Just Classics PCM0933 <br /><strong>• Compléments inédits, le jeu de carte</strong> (24 minutes) <br /><strong>• Le Rire de Démocrite. Conférence intégrale de Michel Onfray</strong> (65 minutes) <br /><span class=Source>VOIR Michel Onfray, Philosophe, ici et maintenant (DVD) © Frémeaux & Associés / Frémeaux & Associés est l'éditeur mondial de référence du patrimoine sonore musical, parlé, et biologique. Récompensés par plus de 800 distinctions dont le trés prestigieux Grand Prix in honorem de l'Académie Charles Cros, les catalogues de Frémeaux & Associés ont pour objet de conserver et de mettre à la disposition du public une base muséographique universelle des enregistrements provenant de l'histoire phonographique et radiophonique. Ce fonds qui se refuse à tout déréférencement constitue notre mémoire collective. Le texte lu, l'archive ou le document sonore radiophonique, le disque littéraire ou livre audio, l'histoire racontée, le discours de l'homme politique ou le cours du philosophe, la lecture d'un texte par un comédien (livres audio) sont des disques parlés appartenant au concept de la librairie sonore. (frémeaux, frémaux, frémau, frémaud, frémault, frémo, frémont, fermeaux, fremeaux, fremaux, fremau, fremaud, fremault, fremo, fremont, CD audio, 78 tours, disques anciens, CD à acheter, écouter des vieux enregistrements, cours sur CD, entretiens à écouter, discours d'hommes politiques, livres audio, textes lus, disques parlés, théâtre sonore, création radiophonique, lectures historiques, audilivre, audiobook, audio book, livre parlant, livre-parlant, livre parlé, livre sonore, livre lu, livre-à-écouter, audio livre, audio-livre, lecture à voix haute, entretiens à haute voix, parole enregistrée, etc...). Les livres audio sont disponibles sous forme de CD chez les libraires et les disquaires, ainsi qu’en VPC. 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